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MOVIE RESTYLING

2008-05-31T21:38:00.003+02:00

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HA CAMBIATO CASA, FINALITA' E OBIETTIVI:

ORA I FILM PASSANO PER IL NUOVO ACCATTIVANTE PORTALE:

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CINEMA (ending..): La tigre e la neve+saluti

2007-07-02T17:51:00.000+02:00

Al traguardo di un anno di attività e pubblicazioni da parte del nostro blog-sito di diversa attualità, il medesimo chiude per ragioni di varia natura, tra cui impegni sempre più pressanti per i due autori:

SimOne e Scion

Dunque, il nostro spirito digressivo verrà incanalato in quest'altro pezzo, una recensione (come avevamo iniziato) nemmeno troppo recente dell'ultimo film di Benigni. Grazie a chiunque ci abbia seguiti fin qui per la sua pazienza, speriamo vi siate divertiti e incuriositi insieme a noi....un saluto a tutti!! cheers

ciao

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La tigre e la neve

La poesia spesso si assume i canoni di un racconto a divulgazione etico-morale, ma non sempre è così, non sempre ha una finalità costruttiva. Perché la poesia tradotta in fiction è utile al narratore anche solo per raccontare una storia, una storia d’amore che si eleva dallo sfondo di un conflitto militare, che è sinonimo della “non-pace” nell’Iraq dei giorni nostri. La tigre e la neve, che nel film diventa l’immagine dell’infatuazione, dell’amore per la vita e della vita stessa donata per amore, è proprio questa rappresentazione, una fiaba modernissima sull’assurdità di quel luogo comune che è la guerra. Il poeta Attilio (“l’istrione” Benigni) affronta il suo viaggio surreale come spesso gli è accaduto in passato, avvolto da un’aurea di candore che gli permette di attraversare Bagdad praticamente illeso e quasi inconsapevole, proprio come sul tappeto volante delle Mille e una notte, insieme al fidato amico e collega Fuhad (un convincente Jean Reno). Egli intraprende il suo cammino “isterico” e grottescamente allucinante da Roma alla martoriata capitale irachena per salvare l’amata Vittoria (una Nicoletta Braschi che ben figurerebbe nel museo delle cere di Madame Tussaud), biografa di Fuhad e rimasta gravemente ferita nel crollo di un palazzo bombardato da non si sa bene chi. Benigni, contrariamente alle due opere precedenti a La Tigre e la neve, La vita è bella e Pinocchio, si sofferma su un registro linguistico sostanzialmente diverso, sceglie un tono sommesso, commovente, ma a tratti anche nevrotico e irriverente. Il film non viene mai abbandonato dall’animo comico e sbruffone che ha sempre accompagnato la carriera del nostro caratterista premio Oscar ed è intrisa d’immagini suggestive, ricostruite tra la Tunisia, Roma e la fabbrica abbandonata (ormai un set) di Papigno, vicino Terni. Ogni sequenza, i particolari provocatoriamente poco curati quali le fasi iniziali e altre scene, come il piano sequenza di chiusura, sono perfettamente riuscite ed inserite ad hoc. Per il fiume di emozioni che pervade la pellicola non basterebbe un montaggio della durata di quattro ore, perché quello che vuole trasmettere Roberto Benigni (l’impersonalità nei suoi confronti è sempre inadatta) è l’egoistica insensatezza del dover combattere, la cui giustificazione è farlo per la persona che si ama e la cui unica banale spiegazione é che “al principio sulla Terra tutto è iniziato senza l’uomo e senza l’uomo tutto finirà”. Certo la pellicola ha i suoi difetti, come un montaggio alquanto frenetico specie nelle progressioni dell’iperadrenalinico Attilio e ogni tanto, nonostante la seconda parte sia nettamente la migliore, come l’inverosimiglianza dei momenti sospesi tra il comico ed il tragico. Inoltre, l’opera è stata accusata di mancanza di etica verso un conflitto mai ben rappresentato. Le intenzioni di Benigni, invece, dovrebbero esser chiare nel momento in cui si rivolgono ad un pubblico che in ciò voglia credere, si riflette nel tentativo incosciente di salvare la donna dei suoi sogni (e non è una metafora), perché chiunque si trovi in mezzo al “caos guerrafondaio”, non pensa ad altro che ai propri interessi posti fino all’eccesso ed intesi come la salvaguardia della propria persona e di quelle a se care, anteposte a qualunque cosa circondi gli avvenimenti in questione. E non importa doversi schierare contro qualcuno, contro la Croce Rossa sempre bloccata o in ritardo, contro l’insicurezza delle forze armate statunitensi, contro gli iracheni pseudo-furbi e sempliciotti, il regista non vuole addossare la colpa a nessuno, se non a noi stessi. Qui il nemico è soltanto la guerra che distrugge ogni speranza di coesistenza, che annienta la bellezza dell’esistenza e dell’amore che da essa ne scaturisce. Per questo ha ragione il poeta Benigni quando afferma che “anche da morto sono sicuro che mi ricorderò di quanto mi piaceva la vita”. Non serve sapere altro per capire che in questo dovremmo essere d’accordo con lui.

SimOne

BASKET: Campo estivo alla Sam

2007-06-20T14:59:00.000+02:00

Fonte da: www.ilgiornale.it

Basket a 360 gradi: questa è la «Summer League 2007», organizzata dalla UISP Roma. Una manifestazione giunta alla sua IV edizione e che quest’anno lascia la vecchia location, il Testaccio, per stabilirsi presso lo storico impianto sportivo della Sam Basket Roma di viale Kant 305: proprio la stessa palestra dove è cresciuto Andrea Bargnani, l’ala che gioca oggi in NBA con i Toronto Raptors, nato però nella capitale il 26 ottobre 1985. Partita lo scorso 15 giugno, la «Summer League» 2007 della Uisp, supportata da altri sponsor importanti quali Algida e Lipton, andrà avanti sino al 25 giugno e, come detto, si disputerà sui campi da gioco della società diretta da Roberto Castellano, mentore e allenatore del giovane Andrea Bargnani: «Dopo quattro anni di grande successo - ha spiegato Andrea Novelli, presidente dell’Uisp Roma - quest’anno abbiamo deciso di spostarci da Testaccio a questo bellissimo impianto. Qui si respira basket per 360 giorni all’anno, e anche noi come Uisp, facciamo basket senza sosta con il puro intento di divertire ogni ragazzo che ama la pallacanestro, senza l’assillo dell’alta prestazione». Il padrone di casa Roberto Castellano ha voluto ricordare come su questi campi ha iniziato a giocare Andrea Bargnani: «Era un ragazzo come questi che giocano qui oggi, ma si vedeva già che era destinato a diventare un campione. Ringrazio l’Uisp con cui collaboriamo da anni e che ci permette di ospitare questa grande manifestazione e dare la possibilità a tutti di giocare a pallacanestro». L’organizzatore Onorio Laurenti, presidente della Lega basket Uisp Roma e Vincenzo Macchini, hanno sottolineato il ricco programma della manifestazione che parte con il consueto «Summer Basket 3 on 3», il torneo aperto a tutti che dalle 19,30 richiamerà gli appassionati romani della palla a spicchi di qualunque età. Confermato anche l’appuntamento con Andrea Niccolai, ex giocatore della nazionale e della Virtus Roma, e il suo «Free Camp» di giovedì 21 dalle 16. Fino a sabato 23 alle 18 l’Alaip (Associazione laziale allenatori e istruttori di pallacanestro) terrà il suo «Super training coach», rivolto ad allenatori federali e di enti di promozione, mentre il 25 giungo si terrà un convegno su «Basket e disabilità» che porterà alla luce le tante organizzazioni di disabili che utilizzano la pallacanestro come terapia: «Sarà una grande occasione di basket - spiega Vincenzo Macchini -. Partite, clinic, corsi per allenatori e approfondimenti importanti, come i due dibattiti che vedranno interventi da parte di molte società che operano nel basket giovanile qui a Roma. Sarà un vero e proprio villaggio del basket, dove la pallacanestro sarà protagonista al 100%».

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CINEMA: Professione doppiatore

2007-06-14T18:06:00.000+02:00

Quanto contano in Italia le “Voci senza volto”? Viaggio all’interno delle sale d’incisione.. (sopra Luca Ward)

Roma – La saletta buia è illuminata solo dalla lampadina sullo scrittoio e dal chiarore dello schermo. Pian piano gli occhi si abituano,così l’ambiente intorno a noi prende forma,rivelandoci il luogo dove i doppiatori lavorano,il loro habitat naturale. Uno di loro sta rileggendo la parte che dovrà incidere,mentre l’assistente rivolge un cenno al di là del vetro insonorizzato al direttore del doppiaggio. Si può iniziare.
L’Italia è uno dei pochi paesi che può vantare una lunga e storica tradizione di doppiaggio,nonostante nei primi tempi,e si parla di diverse decadi fa,chi dava voce ai volti degli attori non era osannato,anzi trovava più critiche che assensi. Nata comunque per esigenze di scarsa alfabetizzazione nazionale,la figura del doppiatore fu interpretata agli esordi da pochi volenterosi,i soliti noti che ritroviamo sempre in ogni film dell’epoca. Successivamente,e per giusti meriti,questa professione è stata molto valorizzata,fino a giungere all’importanza che ha acquisito negli ultimi anni. Fare il doppiatore richiede grande sacrificio,un ferrea determinazione,l’essere “attore” fuori dagli schermi e senza un pubblico dinanzi. La questione,dunque,non è discorso di impegno lavorativo,ma solitamente nasce quando il pubblico si divide su una stessa opinione. Perché è ormai chiaro che da tempo c’è chi sostiene che una qualsivoglia pellicola cinematografica possa incrementare il proprio valore,se proiettata in lingua originale. Ci sono altri,invece,per i quali i sottotitoli creano disagi nella lettura e l’idea di privare i loro idoli della voce che li ha fatti “innamorare”,è vista come delitto sacrosanto. Altri ancora si astengono. Certo,se si pensa a voci storiche come quelle di Ferruccio Amendola o Giancarlo Giannini,i doppiatori di icone hollywoodiane quali Robert De Niro e Al Pacino,ma anche a certe “nuove” leve come Luca Ward,Roberto Pedicini,Alessandro Rossi, Tonino Accolla e via citando,si fa presto a schierarsi con i secondi. Ma se si assiste a Festival o Mostre del Cinema,come quella di Venezia,dove si rimane incantati di fronte alla bravura recitativa di alcuni attori,bisogna dare ragione anche ai primi. Sta a noi tutti scegliere ciò che si adatta maggiormente alle nostre esigenze. Gli addetti ai lavori si interrogano spesso su questo dibattito,anche se la soluzione resta ancora aperta. Sicuramente l’obiettivo,tutt’altro che utopico,dovrà essere almeno quello di concedere allo spettatore la possibilità di decidere,per conto proprio e senza imposizioni,verso quale delle due scelte optare. Per ora lo scenario,a meno di quelle eccezioni riassunte nelle sale che già offrono questa disponibilità,resta tale e immutato. Perciò,quando al termine di una proiezione scorrono i titoli di coda,soffermiamoci anche sui nomi di chi,dall’ombra,presta la sua voce al cinema.

SimOne

MUSICA: "Eat me, drink me''

2007-05-28T17:23:00.000+02:00

Direttamente dal blog del Menin, in arte BBS:

www.circosceno.blogspot.com

ecco la recensione dell'ultimo album dei Marlyn Manson, intitolato ''Eat me, drink me''.

Come avviene per ogni nuova uscita, Manson cambia e muta in qualcosa di diverso. Da Anticristo a rockstar androgina, da messia gotico a dandy postindustriale, Manson ha saputo sempre reinventarsi, a volte con risultati discutibili (chi ha detto The golden age of grotesque?), a volte con risultati eccelsi.
L' ultima trasformazione è la più dolorosa, Manson è diventato Brian Warner, mettendo in musica un anno trascorso all' inferno. ''Ad un certo punto dell’anno scorso mi sentivo immerso nel più profondo buco nero della depressione”, riferisce, “non potevo fare nulla, non riuscivo a far niente, ero senza speranza”. In quel periodo alla madre di Manson era stata diagnosticata una malattia mentale, e lui era “Intrappolato in uno dei cliché del rock’n’roll, circondato da persone che lavorano per me e che mi derubavano alle spalle. Non avevo interesse nella musica e il film sul quale avevo messo tutto il mio impegno – Phantasmagoria, basato sulla distorta vita di Lewis Carroll – era diventato un pesante fardello psicologico''.

Fino ad ora sono riuscito ad ascoltare quattro songs:
''If I was your vampire''- Lenta ed oppressiva ballata di sei minuti. L' arrangiamento è volutamente ridotto al minimo, basso,batteria,chitarre e un impercettibile tappeto di tastiere.
Manson, e questa è la vera novità, non urla il suo dolore, ma lo canta, centrando appieno l' obiettivo, far emozionare l' ascoltatore.
Per chi non l' avesse ancora ascoltata, la canzone ricorda Coma Black, contenuta in Holy Wood(In the shadow of the valley of death).
''Heart shaped glasses'' - Melodica, molto melodica e vagamente 80's con chitarre new wave, ed un chorus maledettamente catchy.
''Evidence'' - Rumori e poche note di piano elettrico ci introducono verso un potenziale classico di manson, caratterizzato da un ottima sezione ritmica, e da un lacerante assolo di chitarra.
Anche qui, come nelle altre canzoni ascoltate finora, il cantato di Manson è intenso, e non aggressivo.
''Mutilation is the most sincere form of flattery'' - Uno dei pochi momenti aggressivi dell' album, canzone a metà strada tra Dope Hat(dal primo album, portrait of an american family)
e The Dope Show(il ritornello). Anche qui un assolo di chitarra di Tim Skold impreziosisce la song.

Non avendo ancora ascoltato il cd per intero, si può solo dire che sicuramente ci sono le premesse per un ottimo lavoro.

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CINEMA: Il documentario di massa

2007-05-24T14:07:00.000+02:00

“La nuova frontiera dell’entertainment"

Da millenni l’uomo cerca di rapportarsi con l’ambiente che lo circonda e che lo ha generato, scrutandolo ed osservandolo da ogni angolo e punto di vista, non sempre per il bene della comune esistenza. Uno degli strumenti utilizzati per l’analisi e la comprensione della natura è stata la ripresa della stessa, che ha permesso alle persone di conoscere le variazioni sul tema e approfondire la propria curiosità in maniera costruttiva e spesso coinvolgente. Il cinema come arte di vita si è avvicinato a tale campo di studio con un genere particolare, il Documentarismo, che negli ultimi anni ha seguito un filone innovativo, frequentemente rivolto ad un target stratificato e con una fruizione di ambito maggiore, dato l’alto tasso di specialisti che lavorano dietro le quinte per realizzarli e i nuovi trovati in fatto di tecnologie. Anni di ricerche, esperimenti e sviluppo ha portato l’umana conoscenza a poter fronteggiare la crescente richiesta del mostrare ad utilizzare il documentario come vero e proprio mezzo d’infotainment, informazione più intrattenimento. Questo ha aperto una reazione a catena, la voglia di conoscere la natura in tutti i suoi molteplici “singolari” aspetti ha reso necessario un lavoro intensivo su questo tipo di audiovisivo che permettesse allo spettatore d’immedesimarsi e vivere l’evento filmico come reale, più del reale. In questo senso si è passati dal più semplice Microcosmos, dei registi-scienziati francesi Nurisdany e Pèrennou (1996), quasi un documento che un documentario, il quale esplora e contempla vita e morte di quegli esseri minuscoli, gli insetti, con una visione poetica, oltre che informativa o divulgativa, fino al recente Profondo Blu, la storia naturale degli oceani raccontata attraverso le immagini incantevoli dei suoi abitanti e della loro vita sottomarina e girato da Alastair Fothergill e Andy Byatt. La ricerca di una forma per narrare le gesta di un mondo naturale che ci appartiene, ma di cui spesso non siamo a conoscenza ha portato i migliori documentaristi a confrontarsi con ogni specie animale, simbolo e definizione dell’ambiente che possiamo trovare a qualunque latitudine terrestre. Esempio l’ampante di questo esplorare è Il popolo migratore, docufilm del 2001 che, per la regia di Jacques Perrin, racconta la più spettacolare delle avventure, attraverso un mondo celeste dominato da correnti d'aria sulle quali venire trasportati, seguendo il mutare delle stagioni per scoprire il nostro pianeta come non l'abbiamo mai immaginato, né visto prima. Solitamente un prodotto destinato al grande schermo vuole avere respiro epico, perciò le grandi coproduzioni internazionali (maggiormente USA, Francia e Italia) si mettono alla prova realizzando opere che suscitino forti emozioni e che diventino anche dei successi al botteghino. L’ultimo realizzato, presentato nel nostro paese con il commento di Fiorello, è l’ultima fatica di Luc Jacquet, che con la sua equipe di cineasti ha impiegato diversi anni per realizzare La marcia dei Pinguini. Nell'oceano, il pinguino imperatore assomiglia più ad un delfino che ad un uccello. Sulla terraferma, trasformatosi in camminatore maldestro, l'uccello si trova ormai alla mercé del minimo ostacolo e cammina d'inverno attraverso centinaia di chilometri alla ricerca di cibo e per la sopravvivenza della propria specie. Il film racconta quest'epopea, che rappresenta un atto d’amore nei confronti dell’uomo verso tale mondo animale, che all’inizio dei tempi ci è appartenuto. Ciò che negli ultimi anni ha evidenziato meglio questo rapporto natura-ambiente-uomo è la rappresentazione di un universo che ha preso possesso delle nostre fantasie e di cui la platea ne pretende, per niente sazia, maggiori cognizioni, sin dall’inizio del creato. Sintesi estrema di questo volere è stata l’uscita nelle sale di Genesis (2004), un documentario girato dagli autori di Microcosmos, Claude Nuridsany e Marie Pérennou, che mescolando humour e serietà, innocenza e saggezza, ha utilizzato il linguaggio evocativo del mito e delle favole per raccontare la nascita dell'Universo e delle stelle, l'inizio infuocato del nostro pianeta e l'apparizione della vita sulla terra, un ambiente che, nonostante sia lacerato dal suo interno, risplende ogni notte per ciascuna delle sue creature. Il documentario divenuto film incarna proprio questa convinzione, rende l’osservazione della natura una storia vera, il racconto senza tempo dove potersi distrarre per ammirare le sue meraviglie e che approfitta del nostra sete di conoscenza per creare un legame emotivo tra l’uomo e tutto ciò con cui egli convive.

SimOne

One day at UCLA

2007-05-19T15:07:00.000+02:00

ORE 10.00. E’ l’ora del break. Qui al corso di intensive english ognuno esce dalle aule freezer per riequilibrare la propria temperatura corporea. L’aria frizzante di L.A. ti riempie i polmoni, ricordando come a breve tornerai allo smog cittadino. Con il mio roommate bolognese ci dirigiamo verso l’internet point per le ultime news dall’Italia. Mentre ci organizziamo per la serata con gli amici californiani, arriva Vittorio affannato e ci sventola un foglietto sotto il naso. Lo guardiamo senza capire, finché non ci spiega che in palestra si sta allenando Baron Davis, a cui ha appena strappato una combo: autografo+foto. Con uno sguardo d’intesa ci precipitiamo verso il Wooden Center e passando accanto all’orso (Bruin) simbolo del college, notiamo l’assenza della nostra euforia nei passanti. Siamo alla Ucla e qui Baron è di casa. Entriamo nella Gym e lui e lì, come uno qualunque a fare due tiri (con una media impressionante, tra l’altro). Ci avviciniamo speranzosi allungandogli un quaderno che la star di Auckland firma distrattamente, mentre parla al cellulare. Ci guarda sorridente e mette fine ai nostri sogni d‘esser con lui immortalati: “No pictures, I’m working”. Senza replicare, allora ci allontaniamo, soddisfattissimi comunque.

ORE 16.00. Le lezioni sono terminate, usciamo di nuovo tutti, disordinatamente, ognuno con i propri pensieri in testa, io con la preziosa reliquia al sicuro in tasca. Insieme alle italianissime compagne di corso ci ritroviamo davanti alla Ballroom come sempre, indecisi sul programma pomeridiano e sulle possibilità che la città ci offre. Tirando a sorte si opta per visitare Downtown, il centro metropolitano, dove sorge maestosa la casa dei Lakers-Clippers. Così, zaino in spalla, torniamo verso i dormitori, passando accanto al Pauley Pavillion, che è il palazzetto dove gioca la squadra universitaria di basket. Mentre ognuno si prepara ecco che il compagno di stanza di Vittorio, l’ennesimo abitante del Belpaese come noi di stanza alla Ucla, ci ferma ponendoci un quesito: chi è l’uomo che oggi ha fotografato tra il Sunset e l’Hollywood boulevard, solo perché bersaglio di altrettanti flash? Guardo l’immagine digitale e pieno d’invidia lo riguardo dicendogli: Magic Johnson!!! L’attimo di stanchezza è passato, siamo pronti a correre di nuovo, ovunque. Facciamo per alzarci, lui ci blocca: “I’m sorry, era più di quattro ore fa”. Con la delusione dipinta in viso avvertiamo gli altri guys della mancata occasione, cercando esageratamente di farcene una ragione.

ORE 20.00. Arriviamo in serata di fronte alla mecca del derby losangelino, il secondo tempio cestistico per eccellenza dopo il Madison Square Garden di NY. Solo in quel momento, però, di fronte alla magnificenza molto neoarchitettonica che ci sovrasta, ci rendiamo conto che è domenica e lo Staples Center è chiuso. Demoralizzati dalla sfortuna ci rimane solo una riflessione spontanea: come sia facile qui negli USA incontrare una stella dello sport, se non proprio di persona almeno nella sua immagine bronzea. Accanto allo Staples, infatti, l’ex #34 gialloviola, il grande Magic, c’è ogni giorno di ogni settimana dell’anno.

SimOne

BASKET NBA: Dirk euroMVP

2007-05-15T18:43:00.000+02:00

Fonte: da www.gazzetta.it

NEW YORK, 15 Maggio 2007 - Era solo questione di tempo, prima o poi il premio di Most Valuable Player della Nba doveva andare a un giocatore europeo. Forse però sarebbe stato meglio un contesto diverso per la prima volta sul gradino più alto del podio delle onorificenze individuali per un cestista del Vecchio Continente. Dirk Nowitzki, infatti, trionfa grazie a una regular season davvero spettacolare (24.6 punti, 8.9 rimbalzi, 3.4 assist di media e un eccellente 50% al tiro) e soprattutto per la squadra della quale è il leader, i Mavericks, capace di vincere ben 67 gare durante la stagione. Peccato però che adesso quei numeri davvero eccellenti non se li vuole ricordare proprio nessuno. Potere della clamorosa debacle subita nel primo turno contro i Warriors, magistralmente preparati alla sfida con la squadra texana dall’ex coach di Dallas Don Nelson. Proprio Nowitzki, negli Stati Uniti è considerato il principale responsabile, a torto o a ragione, dello scivolone della compagine testa di serie numero uno nella Western Conference, per cui in molti vedono troppo ombre e poche luci dietro al premio individuale più prestigioso della stagione. Ma se lo si analizza con un certo distacco il successo di Dirk Nowitzki è ineccepibile. "Ci sono due premi, quello di Mvp della regular season e quello di Mvp delle finali Nba – prova a razionalizzare il tecnico dei Mavericks Avery Johnson – non ci sono dubbi che Dirk abbia meritato il primo. La sua stagione regolare è stata assolutamente straordinaria". Bisogna poi considerare un’equazione che piace molti agli americani, quella che vuole premiare con l’Mvp il miglior giocatore della miglior squadra della Nba, e anche su questo punto la scelta di Nowitzki lascia pochi dubbi. Certo che vedere il primo giocatore europeo conquistare un premio che diventa poi così discusso non è il massimo per la pallacanestro del Vecchio Continente. Il tedesco dovrà convivere, nella prossima stagione, con le critiche che inevitabilmente gli pioveranno addosso al primo momento difficile e forse anche con la poco invidiabile etichetta dell’Mvp meno convincente delle ultime stagioni. "Non posso che essere molto orgoglioso di questo onore – dice il tedesco – però il ricordo della serie con Golden State è ancora fresco e mi fa molto male. Tra 20 anni sicuramente riguardando il libro dei record della Nba sarò felicissimo del successo ma adesso la ferita per lo scivolone nella postseason è ancora aperta". Un premio davvero agrodolce per Dirk Nowitzki il quale peraltro oltre a essere un Mvp sul parquet lo è anche fuori dal campo. Se i Mavs non avessero incrociato i Warriors al primo turno della postseason, probabilmente l’umore a Dallas oggi durante l’annuncio del primo Mvp nella storia della franchigia, sarebbe completamente diverso.

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Nuovo album per i BonJovi

2007-05-08T22:25:00.000+02:00

Fonte: www.bonjovi.it

"Lost Highway", il nuovo album esce il prossimo 19 giugno

Il nuovo album dei Bon Jovi uscirà il prossimo 19 Giugno. Il primo singolo estratto dal nuovo lavoro sarà "(You want to) make a memory", nelle radio già da oggi 20 marzo. L'album successivo al multi-platino Have a nice day sarà quindi "Lost Highway", prodotto da Dann Huff (Keith Urban, Rascal Flatts) e John Shanks (già produttore di Have a nice day ma anche di Sheryl Crow, Melissa Etheridge, Chris Isaak), e in uscita dunque a giugno sotto l'etichetta della Island Records/Mercury Nashville. I Bon Jovi suoneranno dal vivo il primo singolo al 6th Annual CMT Awards (il prossimo 16 aprile a Nashville); su Fox American Idol (19 giugno) e alla NBC's Today Show Outdoor Plaza (sempre il 19 giugno). Anticipazioni del nuovo album in realtà sono già state date in pasto al pubblico grazie al film Wild Hogs, dove è inclusa "Lost Highway" e la theme-song per la stagione di football sulla ESPN "We Got It Goin'on".

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L'empatia del cinema

2007-04-30T18:05:00.000+02:00

Il ruolo del male nella contemporaneità filmica

La contemporaneità cinematografica sta vivendo un momento di transizione. Al di là dei numerosi progetti che la filmografia occidentale considera in fase lavorativa, è innegabile che la crisi d’incassi dell’ultima stagione ha lasciato sbalorditi gli addetti ai lavori e l’Industria in generale. La mancanza d’idee e la pochezza dei contenuti sulla base di una apporto qualità-quantità ha disaffezionato il pubblico internazionale, diminuendo anche la semplice voglia di entrare in sala e pagare per quello che ritiene sempre meno uno spettacolo. Questo è dovuto anche all’espressione moderna dei molteplici generi cinematografici, in cui lo spettatore ripone l’interesse, che spesso viene disatteso da grandi e piccole major e riposto solo nelle cosiddette produzioni indipendenti. Negli ultimi anni ha preso piede la necessità di raccontare un certo tipo di tematica, la volontà di esporre agli occhi dell’opinione pubblica la rappresentazione del «male», inteso come riflesso condizionato delle nostre società ed il ruolo che è stato assunto appare quello dell’ espressione di una cinematografia condivisa, non eccessiva o fuorviante, bensì costruttiva anche nelle sue scene più spettacolari. Ciò che in questa sede si vuole venire a dimostrare è la concreta possibilità che le persone, specie in una fascia d’età in profondo mutamento come sono gli anni della post-adolescenza, traggano giovamento visivo e terminazione delle proprie tensioni sociali nell’immaginario di un cinema che pone, come detto, le sue radici in una cultura dell’inumanità intesa come oggetto parossistico e fumettistico della riflessione sociale. E ciò, che non deve essere necessariamente considerato un bene, è comunque un dato di fatto che s’impone all’attenzione socio-semiotica della contemporaneità. Questo va di pari passo con l’effettiva ammirazione che tali prodotti di celluloide assumono per coloro che li osservano da un punto di vista artistico e di estrema creatività. Si ricorre ad un tema preciso, nello specifico, al cinema pulp e alla rappresentazione del male, per allontanarli dalla vita comune. Come ammonimento alla strada sbagliata da non dovere percorrere. Letto in quest’analisi, ecco spiegato il motivo del successo planetario, che, a cavallo del nuovo millennio dominato da una fase di insicurezza e instabilità politica globale, porta il pubblico a ricercare nella violenza “mediatica” la risposta salvifica ai propri timori.

Un esempio di cinema pulp? Ricco di sangue, violenza ed ironia.

SimOne

LAMERICA

2007-04-25T21:55:00.000+02:00

Digressioni da cartolina..

Quando sono sceso dall’aereo a Miami la prima cosa che ho fatto è stata….respirare.
Forse mi aspettavo di sentire il famoso profumo di libertà o chissà cos’altro, ed invece ho respirato solo i miasmi dei taxi che sfrecciavano verso downtown.
Per fortuna che quella è stata l’unica impressione negativa degli States.
Un viaggio unico, magico e spensierato come tutti-checchè se ne dica- vorrebbero fare.
Non oso dire irripetibile perché spero di tornarci il prima possibile, magari facendo un altro percorso e quindi un altro “viaggio”; l’America ti offre anche questo..è così grande che puoi viverci 7 vite e te ne avanzerebbe ancora per l’ottava.
Miami mi ha sorpreso per la vitalità, i colori e la rilassatezza molto poco americana e MOLTO cubana…la vita notturna, l’oceano, i macchinoni, le ville e quant’altro……una settimana vissuta PIENAMENTE .
L’unica cosa non piena era il portafogli.
A Denver, dato il carattere volutamente universitario che abbiamo improntato sulla 2a settimana, le spese sono state minori, ma non per questo il divertimento è andato a scemare!
Feste, barbecue, partite Nba..tutto quello che era americano di classe o cafonata l’ho fatto.
E sono ancora qui a pentirmi per il biglietto di ritorno.
Adoro l’Italia , ma la sensazione è che ora come ora l’America per un giovane che voglia provare a costruire un po’ più in libertà sia l’opzione migliore.
Ultima cosa in extremis zona Cesarini:
In Italia se t’azzardi a chiedere un’informazione per strada sei passabile di linciaggio…o tu stolto viandante, come osasti incrociare il tuo sguardo al mio chiedendo una tal futile informazione????
In America, cari bifolchi italiani, non solo ti danno l’informazione…ma ti accompagnano alla fermata giusta dell’autobus o chiamano il servizio associato col proprio cel!!! Il tutto col sorriso in bocca..
Hanno tantissime contraddizioni, ma non sono sicuro di essere migliore di loro…anzi.

Scion

Imitando "La Cosa"

2007-04-16T17:59:00.000+02:00

CAMBIANDO S’IMPARA...LA SOPRAVVIVENZA!!

Per sopravvivere siamo abituati ad imitare la realtà che ci circonda sin dalla nascita. Ci adattiamo a situazioni gestibili o meno, adeguandoci allo scorrer del tempo che cambia e muta le cose in profondità. Siamo comunque sempre padroni delle scelte e di una modificazione che riflette le nostre personalità, cosciente e decisa. Perché in fin dei conti cambiare significa crescere in una manifestazione nuova di esistenza, migliorare la propria individualità, uscire dai circoli viziosi e dalle stanze chiuse e stare meglio con sé stessi e nei confronti degli altri. Perdiamo tale potere quando di mezzo c’è una contaminazione, il cambiamento è fisico e avviene al nostro interno tramite un’influenza esterna, che di solito non è mai una sensazione positiva, ma l’insidiosa modificazione coatta.
Una mutazione che inizia lentamente e tende a sopraffare l’essere umano (ma non solo), imitandone le gesta e i comportamenti sociali, nonché ottenendone una propria viscerale razionalità con cui regola la propria sopravvivenza in ogni ambiente ostile. La Cosa rappresenta una variazione anomala nella sequenza delle basi in una molecola di DNA. E perciò, nonostante lo scontro tra civiltà in cui da sempre implode l’umana stirpe, non può che essere di natura extraterrestre. L’alieno di Carpenter è infatti una creatura ostile, che vive, prospera e cresce nutrendosi della mancanza di fiducia dell'uomo verso i suoi simili. Una visione radicalmente pessimista del contatto con una realtà ignota che delinea la poetica esistenzialista del regista: la razza umana è destinata a distruggersi perché l'uomo, anziché cooperare con i suoi simili, preferisce scontrarsi con essi, annientato da un egoismo che è radicato nella sua stessa natura. Cosa provoca questa collisione che realizza le fantasie più radicate come la minaccia alla propria “eterna” sicurezza?
Accade che ognuno guarda il proprio vicino con sospetto, perché forse egli non è quello che appare. Antipatie e tensioni preesistenti vengono amplificate e giustificate, non c'è nessuno
di cui ci si possa fidare, nessuna empatia possibile tra gli esseri umani.
Il terrore inizia a serpeggiare nella base antartica, la contaminazione è iniziata, ogni componente diffida dell’altro, perché la “cosa” è in grado di assimilare chiunque. La mutazione adattiva rientra nel concetto di Evoluzione di ciascuna specie, detta anche polimorfismo, fenomeno di apprendimento e successivo adattamento che di solito impiega millenni di mutazioni, prima di rendersi manifesto. Ma la “cosa” vuole soprattutto sopravvivere e lo farà velocizzando agli estremi questo processo, cambiando almeno una dozzina di forme e aspetti, in un continuo divenire, una metamorfosi della realtà sempre totalmente diversa dalla precedente. Umani vs alieni, una specie che vuole prevalere, o meglio sopravvivere all’altra, con tutti i mezzi a propria disposizione. La crisi di identificazione della società si va sgretolando, come nel film va emergendo sempre più la diffidenza e la totale estraneità verso il prossimo. Il livello di tensione, di smarrimento e di claustrofobia che viene raggiunto ha pochi eguali nella storia del cinema fantastico. Senza che lo spettatore se ne possa rendere conto, si spostano i punti di riferimento all’interno delle stesse angoscianti inquadrature, spiazzandoci l’istinto di visiva sopravvivenza: quella cosa innominabile può essere chiunque, può essere ovunque senza che nessuno se ne possa rendere conto, ciò che sembra essere non è. Attraverso il conflitto, attraverso l’opposizione è chiaro come solo (darwinianamente) stando ai cambiamenti che la perfezione naturale apporta al nostro organismo si cela l’unica possibilità dell’universale sopravvivenza dell’uomo. Imitando la cosa.

SimOne

BASKET: Nuovo primato per Kobe

2007-04-05T19:44:00.000+02:00

(Fonte: www.gazzetta.it)

Kobe Bryant (#24), il fuoriclasse dei Lakers, è diventato il più giovane della storia della NBA a superare quota 19 mila punti in carriera strappando il primato a Michael Jordan. Il giocatore più rappresentativo della prima squadra di Los Angeles ha segnato 39 punti la scorsa notte contro Denver, diventando il più giovane cestista nella storia della NBA (a soli 28 anni e 223 giorni) a scollinare la fatidica soglia dei 19 mila in carriera. Il record precedente apparteneva a sua maestà Jordan, con 29 anni e 62 giorni. Ora lo aspetta il numero 20 e magari il meritato Mvp della stagione in corso...sempre che non arrivi il political correct della Lega a rovinare le attese.

simulescion3

Digressioni....Inizia lo SPRING BREAK

2007-03-16T18:38:00.000+01:00

COS' E' THE SPRING BREAK?

La Wikipedia inglese lo definisce come: "a week or more of recess during the spring term at school".

A noi dice poco o niente, specialmente se universitari. Ma quando ci riferiamo al break di primavera per i collegiali statunitensi, dunque il mondo studentesco made in USA, ecco che il discorso cambia radicalmente, le labbra pronte a distendersi in un sorriso sornione, l'occhio che ammicca, la testa che inizia a dondolarsi al ritmo di una musica immaginaria. Almeno per chi non lo vive o non lo ha già vissuto. Nel periodo che va da fine febbraio fino a metà aprile, esattamente varia di posto in posto, migliaia di studenti e studentesse si riversano sulle spiagge della Florida o del Messico, armati di lozione solare, birra a fiumi e la ferma intenzione di divertirsi/rockeggiare fino alla fine del mondo conosciuto. Tutto questo per un paio di settimane. Giusto il tempo per noi di simulescion di andarlo a verificare (a Miami) e poi tornare da voi, da bravi cronisti, a riportarvi attentamente notizie e curiosità su quello che ogni anno è considerato L'EVENTO. Dunque, pausa breve, poi torneremo ad affrontare i nostri temi preferiti. Magari col sorriso ebete di chi ha visto...

aurevoir

simulescion3

CINEMA: TodeTì

2007-03-11T16:12:00.000+01:00

Porsi di fronte ad un thriller spesso significa affrontare interpretazioni di carattere fortemente personale. Considerando che il prodotto in questione è un mediometraggio italiano alla cui realizzazione il sottoscritto ha preso parte (come assistente di produzione), il lavoro di recensore non appare agevole: una sfida insomma.

I mille volti di Roma confluiscono sempre in una visione romantica dell’urbe. E’ solo scavando nelle sue sordide viscere periferiche che si arriva a comprenderne il lato più oscuro e meschino. Partono con questo assunto i primi fotogrammi di Tode Tì, il primo film realizzato dall’esordiente Valerio Esposito (assistente alla regia di Fausto Brizzi, in Notte prima degli esami oggi). Dai titoli di testa si intende subito come la fotografia e la scelta delle immagini cerchi di distaccarsi dal prototipo del genere all’italiana, bucando la cortina dei grigi cittadini così diversi dai toni iperbolici delle fiction televisive. L’impatto con la contemporaneità appare il cardine su cui Esposito gioca le carte del suo film e, senza assolutamente citare paragoni fuori portata, nonostante i chiari rimandi ad I soliti sospetti, è chiaro come questo sia il punto di forza e il punto debole dell’intera sceneggiatura. Ispirato dal reale furto della statua del Santo Bambino dell’Ara Coeli avvenuto nel 1994, l’autore narra l’episodio di una banda di criminale assoldata dalle forze dell’ordine per ritrovarlo, in cambio della fedina penale pulita. Niente andrà secondo i piani. Considerando come non sia mai semplice affrontare con il dovuto estro un genere cinematografico inusuale nel panorama tricolore, la struttura di Tode Tì pecca di inventiva letteraria, nel senso che risulta a tratti involontariamente poco verosimile. Il film (28’) viaggia sulle onde ipnotiche della suspance finché l’iniziale idea dell’opera, da seducente muta in opaca, torcendosi su se stessa e aggiungendo confusione al montaggio finale. E’ proprio il ritmo, in sostanza, che tiene legato lo svolgimento della storia, la quale via via assume toni sempre più scuri e drammatici. Una seconda opera prima (n.a. Esposito ha già girato un corto), che lascia intravedere tutto il potenziale visivo e innovativo del giovane regista romano, nonché la sua cura minuziosa per i dettagli di scena, essendo stato sorretto da un cast di professionisti che hanno aggiunto quel valore umano amatoriale necessario ai fini del progetto. A fronte di una recitazione scadente e di uno script di basso livello, da cui derivano dialoghi al limite del farsesco che penalizzano Tode Tì oltre i suoi demeriti, il film ha comunque il pregio di attrarre l’interesse dello spettatore, calandolo nella tela del racconto. Insomma, un esordio noir convincente a metà, che comunque consegna all’integralistico mondo della cinematografia italiana un talento grezzo da poter sviluppare.

SimOne

MUSICA: L'Heineken JF si sposta a Venezia

2007-03-06T18:06:00.000+01:00

Fonte_:
http://www.jugo.it/

In scena da giovedì 14 a domenica 17 giugno, l'Heineken Jammin' Festival avrà tra gli ospiti artisti del calibro di Iron Maiden (giovedì 14), Pearl Jam (venerdì 15), Aerosmith e Smashing Pumpkins (sabato 16) e Vasco Rossi in chiusura. Per il Blasco si tratta della quarta partecipazione all'evento, dopo quelle memorabili del 1998, 2001 e 2005. Il prezzo del biglietto è di 40 euro + diritti di prevendita per la singola giornata e di 140 euro + diritti di prevendita per l'abbonamento a tutti e quattro i giorni. Quattro giorni rock al Parco San Giuliano di Mestre, Venezia il 14, 15, 16 e 17 giugnoIn occasione dei 10 anni di Heineken Jammin’ Festival, Heineken Italia, che promuove il festival e Milano Concerti, che produce e organizza il festival, hanno ufficialmente comunicato che il raduno rock è stato spostato dalla storica location dell’Autodromo di Imola al Parco San Giuliano di Venezia, un’area di circa 700 ettari, e per la prima volta il festival avrà una durata di quattro giorni.
Di seguito il programma completo dell'Heineken Jammin' Festival 2007:

- Giovedi 14 giugno Headliner: IRON MAIDEN. Sul palco anche: Slayer, Stone Sour, Papa Roach, altri artisti di definire e il vincitore dell'Heineken Jammin' Festival Contest 2007

- Venerdi 15 giugno Headliner: Pearl Jam. Sul palco anche: Linkin Park, The Killers, My Chemical Romance, altri artisti di definire e il vincitore di Heineken Jammin' Festival Contest 2007

- Sabato 16 giugno Headliner: AEROSMITH - Smashing Pumpkins. Sul palco anche: Incubus, altri artisti di definire e il vincitore di Heineken Jammin' Festival Contest 2007

- Domenica 17 giugno Headliner: VASCO ROSSI. Sul palco anche: J-Ax , altri artisti di definire e il vincitore di Heineken Jammin' Festival Contest 2007.

simulescion3

La dorata notte degli Oscar

2007-02-28T17:28:00.000+01:00

Ecco tutti i vincitori degli Academy Awards 2007 - Arriva finalmente il trionfo di Scorsese: "The departed" ha ricevuto 4 statuette..

Miglior Film THE DEPARTED

Attore protagonista Forest Whitaker per L'ultimo re di Scozia

Attrice protagonista Helen Mirren per The Queen

Attore non protagonista Alan Arkin per Little Miss Sunshine

Attrice non protagonista Jennifer Hudson per Dreamgirls

Regista Martin Scorsese per The Departed

Film straniero The Lives of Others - GermaniaRegia di Florian Henckel von Donnesmarck

Film d'animazione Happy Feet - George Miller

Sceneggiatura non originale The Departed William Monahan

Sceneggiatura originale Little Miss Sunshine Michael Arndt

Scenografia Il labirinto del fauno Eugenio Caballero e Pilar Revuelta

Fotografia Il labirinto del fauno - Guillermo Navarro

Costumi Marie Antoinette - Milena Canonero

Montaggio The Departed - Thelma Schoonmaker

Trucco Il labirinto del fauno - David Marti e Montse Ribe

Colonna sonoraBabel - Gustavo Santaolalla

Canzone originale I Need to Wake Up da Una scomoda verità (Melissa Etheridge)

Montaggio sonoroFlags of Our FathersAlan Robert Murray e Bub Asman

Missaggio sonoro DreamgirlsMichael Minkler, Bob Beemer e Willie Burton

Effetti speciali Pirati dei Caraibi: la maledizione del forziere fantasma John Knoll, Hal Hickel, Charles Gibson e Allen Hall

Documentario Una scomoda verità Regia di Davis Guggenheim

Documentario (corto) The Blood of Yingzhou District Regia di Ruby Yang e Thomas Lennon

Cortometraggio animato The Danish Poet Regia di Torill Kove

Cortometraggio West Bank Story Regia di Ari Sandel

Oscar alla carriera Ennio Morricone

L'Italia del Cinema ha avuto un doppio prestigioso riconoscimento, a partire dal premio per i migliori costumi a Milena Canonero (3° Oscar) per arrivare a quello per la gloriosa carriera del maestro Ennio Morricone, introdotto da Clint Eastwood ed omaggiato dall'intera platea vip.

simulescion3

BASKET: Il Magic cerca la riscossa

2007-02-26T15:26:00.000+01:00

Dopo un avvio di campionato FIP estremamente brillante, il Magic Team 92 (dove giocano i due della redazione) si è assestato su un bilancio poco inferiore al 50% di vittorie. La breve strada che porta ai playoffs, obiettivo stagionale, si fa così in salita per il team guidato da coach Laurenti, anche per via dei numerosi dissidi interni alla squadra e per i costanti infortuni che anche quest'anno hanno decimato la rosa. Bisognerà ritrovare la giusta chimica per poter pensare di concludere la stagione nel migliore dei modi, nulla è perduto e tutti dovranno far la loro parte, anche gli straordinari se necessario....
Il Secco qui ripreso in una partita casalinga è sulla buona strada! Che anche gli altri s'impegnino così.
Let's go "Magic"!!!

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Parco Leonardo: libertà di vivere(?)

2007-02-22T09:51:00.000+01:00

Percorsi extra...Parco Leonardo

Parco Leonardo, il più grande centro commerciale d'Italia, con annesso centro residenziale circostante in continua espansione, è un nuovo modello di architettura urbana, una città del terzo millennio tra Roma e Fiumicino, basata su uno stile di vita completamente innovativo.

Il gruppo di studenti composto da Andrea Nardini, Marzia Cavallucci, Giorgia Del Cupola, Riccardo Tucci, Maria Laura Varcaccio Garofalo e Simone Bracci si è occupato di realizzare un’inchiesta, ad un anno dalla nascita del Centro commerciale, indagando sullo stile di vita e sugli aspetti positivi e/o negativi di questo nuovo complesso urbano, secondo le opinioni degli abitanti di Parco Leonardo. L'inchiesta ha voluto conoscere le voci dei commercianti e verificare l’effettivo sviluppo di quello che era stato definito un enorme business commerciale, controllare l’effettiva realizzazione di tutte quelle promesse che sono state fatte ad inizio progetto ai cittadini, ai commercianti e alle migliaia di persone che quotidianamente confluiscono in tale realtà.
Eccovi un assaggio del nostro video..

simulescion3

TITOLI DEI FILM: Lost in translation

2007-02-17T12:21:00.000+01:00

TITOLI DEI FILM: QUANDO (MALE) INTERPRETARE E’ MEGLIO CHE TRADURRE
La scarsa vena creativa dei Distributori italiani

Eternal sunshine of the spotless mind! E’ questo il verso numero 209 della poesia “Eloisa to Abelard”, scritto da Alexander Pope e che tradotto in italiano significa esattamente “l’eterna luce della mente immacolata”. Ma è anche il titolo di uno dei più bei film degli ultimi tempi, sicuramente il più originale del 2004. La pellicola diretta da Michel Gondry e vincitrice di un oscar per la migliore sceneggiatura originale di Charlie Kauffman è stato solo il caso più recente, in ordine di tempo, della sconsiderata distribuzione italiana: ormai una burlesque nel panorama cinematografico nostrano. Come i versi della raffinata opera del poeta anglosassone abbiano miseramente assunto il significato di “Se mi lasci ti cancello” è ormai il risultato conclusivo di un processo di (male) interpretazione che affligge la nostra distribuzione già da un bel po’. Ciò che si sta analizzando è quel processo che assegna il corrispettivo titolo italiano alla pellicola d’origine internazionale e per cui, forse a causa della noncuranza di alcuni professionisti del settore, siamo spesso di fronte a cattive interpretazioni del name autentico, ossia o a traduzioni che si adeguano bonariamente al contesto della trama o, in casi specifici (e ormai molto frequenti) a titoli nemmeno tradotti. I film che si possono citare sono molti, per ciascuna delle due anomalie. Oltre alla già indicata opera di Gondry, alcuni film che hanno avuto il privilegio di interpretazioni puramente contestuali sono stati “Ti odio, ti lascio, ti.. (The Break-up - La rottura..di un rapporto), “Quando meno te lo aspetti” (Raising Helen – Crescendo Helen), “Prima ti sposo poi ti rovino” (Intolerable cruelty – Crudeltà insopportabile): tutte commedie romantiche che parlano delle più differenti relazioni tra uomo e donna. Il problema sorge quando una pellicola dal potenziale intrinseco viene danneggiata dal titolo fuorviante che gli è stato assegnato, nel momento in cui questo non rispetti la naturale interpretazione, dal nome originale alla nostra lingua nazionale. Solo per quanto riguarda l’ultima stagione, invece, in italiano rimane solo un’indicazione nel sottotitolo, di frequente anche fuori tema. “Shall we dance”, The Woodsman” - Il segreto, “In good company”, “Sideways” - In viaggio con Jack rappresentano l’altro caso, sono pellicole che riflettono la neo moda del preferire la completa non traduzione, lasciando il cittadino italico medio nel più totale buio in materia filmica, buio che ciascuno compensa a modo suo: non andando proprio a vedere tale film (ed è un notevole danno d’immagine, oltre che economico), oppure lasciandosi convincere ad entrare in sala dal minuto di un qualsiasi trailer a disposizione. Tutto ciò è ovviamente controproducente per l’opera stessa, che al botteghino viene trascurata, ma anche per lo spettatore, il quale, confuso da nomi da barzelletta nemmeno divertenti, finisce col preferire il certo per l’incerto, privilegiando spesso il blockbuster ad un’opera più innovativa. Nonostante tutte le sfumature possibili ed immaginabili che possano esistere tra una lingua e l’altra, sarebbe corretto, dunque, che le nostre case di distribuzione cinematografica (soprattutto quelle affiliate alle grandi major) traducessero nella maniera più attinente al titolo primordiale. I distributori si dovrebbero porre da orator e non da interpretes, ossia, come insegna la storia della traduzione, distinti in coloro che traducono (il titolo) e coloro che lo interpretano, poiché è solo riportandosi all’etichetta decisa dall’autore che ciascun film straniero potrà esser reso nell’unica maniera possibile. Quella consona ed attinente naturalmente.

SimOne

All Star Game 2007 - La prima volta

2007-02-10T15:40:00.000+01:00

(Il commissioner Stern alla presentazione ufficiale)

Il basket NBA si prepara a celebrare il suo evento più rinomato e riconosciuto, quasi più delle Finals di fine maggio. Il weekend delle stelle, è uno degli eventi sportivi più attesi dell’anno, perché sinonimo e garanzia di “vero” spettacolo, un entertainment game in pieno stile american, che coinvolge i migliori giocatori del circuì ed unisce tutti i tifosi del mondo, ognuno a sostenere i proprio beniamini. Dalla gara delle schiacciate a quella del tiro da tre, dal 3on3 vecchie glorie allo slam dei play, insomma un divertissment per gli appassionati della (rientrante) palla a spicchi targata NBA. Perché la prima volta? Per diverse ragioni:
- la presenza del nostro Andrea Bargnani, impegnato a gareggiare nella partita d’apertura tra i rookies ed i sophomore (secondo anno nella Lega)
- la città ospitante quest’anno sarà Las Vegas, la città del peccato sponsorizzata dai fratelli Maloof, i proprietari dei Sacramento Kings, che non ha nessuna franchigia professionista
- la mancata convocazione di Melo Anthony (top scorer a 31 di media), per via della maxi rissa dicembrina al Madison di NY, poi ottenuta causa l’infortunio di Yao Ming
- la prima convocazione in quintetto per la stella dei Wizards Gilbert Arenas, nickname Agent Zero

Insomma, tante le novità attese per questo evento che prenderà via il 16 marzo fino al 18, essendo considerato come ogni anno la boa di metà stagione, ossia il tempo di tracciare bilanci per ciascuna delle 30 franchigie in competizione.

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CINEMA: The Aviator

2007-02-04T15:32:00.000+01:00

Per onorare il grande Martin, in occasione della sua ennesima candidatura alla notte degli Oscar, ecco pescare dal nostro archivio la recensione del suo penultimo film. Sperando che The Departed abbia maggiore (e meritata) fortuna.....................................................................................................................

(Ascesa e caduta del magnate Howard Hughes)

La sequenza iniziale coincide con il primo piano di chiusura, l'immagine di un uomo-bambino nel riflesso della sua esistenza. Un'esistenza vera e difficilmente immaginabile. Perchè è da piccolo che quel distinto signore degli anni quaranta, tale Howard Hughes, sviluppa la sua mentale ossessione per l'igiene, una psicosi che condizionerà la sua vita comunque svavillante. Proprio su questo punto Martin Scorsese costruisce la sua ultima fatica, un'opera cinematografica importante fortemente voluta dal produttore-interprete Leonardo Di Caprio, che racconta gli anni ruggenti di questo magnate del petrolio, regista, playboy e aviatore allo stesso tempo. Il film segue da vicino la megalomania del ricchissimo Hughes, uomo capace di spendere 4 mil.di dollari per girare il suo capolavoro, Gli angeli dell'inferno, ma anche persona dalle mille donne, che ha amato l'ingegneria aeronautica a tal punto da realizzare la sua ambizione, progettare-costruire-e-pilotare l'Hercules, il più grande aereo di allora, diventando il padrone dei cieli. Il tutto destinato a rappresentare la sconfitta dell'utopia e la concretizzazione dell'universale sogno americano, a scapito di dicerie, processi, rischi di bancarotta e una costante fobia che alla fine prenderà il soppravvento sulla razionalità dello stesso Hughes. Di Caprio incarna ancora una volta alla perfezione il corpo e il volto di una persona dalla grande personalità e inventiva, vera e propria icona del capitalismo occidentale, divisa fra il suo impero volante (la compagnia aerea TWA) e i progetti di matrimonio con le dive hollywoodiane più chic dell'epoca, tra le quali Katharine Hepburn (un'ottima Cate Blanchett), Jean Harlow e Ava Gardner. La pellicola di Scorsese, della durata di 178 minuti, manca però di identificazione con lo spettatore e, come già successo per Gangs of New York, a tratti ha la pretesa di sostituire l'enfasi visiva con la linearità del racconto. La pecca del voler raccontare tutto e tutto concentrato insieme, dall'introspezione mentale del personaggio, fino al tentativo di raccontarci la gestione delle relazioni sentimentali, provoca spaesamento in chi assiste alla proiezione e rappresenta ciò che separa il lavoro di Scorsese dall'essere un capolavoro riconosciuto a quello che invece risulta, il solito ottimo film. Discorso Oscar a parte, dove speriamo nel meritato riconoscimento alla carriera del grande Martin, The Aviator è un film godibile dall'inizio alla fine, recitato impeccabilmente e diretto altrettanto, nonostante certe pretese cui sfoggia nell'impostazione narrativa e che, alla lunga, suscitano più perplessità che emozioni. Bisogna aggiungere infine, ciò che la pellicola vuole raccontare. Il tema che scorre nel "sottosuolo" della storia è l'inesauribile rincorsa dell'uomo al futuro, un'ossessione che nei secoli ci è sempre appartenuta e che, come si evidenzia nel protagonista del film, rappresenta il tentativo di far coincidere due momenti storici separati, di possedere il tempo nel pugno della propria mano e poi scoprire che tanta insensatezza conduce solo alla follia. Una follia che ha portato l'aviatore Howard Hughes dalla gloria alla propria alienazione.

SimOne

La musica per ogni occasione

2007-01-29T13:03:00.000+01:00

Immaginate di avere sempre l'opportunità di circondare la vostra esistenza, composta da innumerevoli occasioni, di musica adatta.
Non male vero?
Non so voi ma il sottoscritto "rosica" sempre ogni qualvolta al cinema nota che il protagonista , qualsiasi sia il suo stato d'animo, ha sempre la musichetta d'accompagnamento sotto...sempre maledettamente azzeccata.
Ovviamente non è quello a cui possiamo aspirare noi, ma le molteplici opportunità che la tecnologia odierna e il qualunquismo musicale spinto di oggi offrono possono sopperire a questa mancanza.
La cosa migliore che possiamo fare per noi stessi e per chi ci sta intorno è scegliere bene.
Ecco dunque una lista di "dritte" musicali per le occasioni classiche:

1- Cena romantica a casa con il partner: dunque, scordiamoci decisamente George Michael e Careless Whisper per cortesia; metterla su al giorno d'oggi è na cafonata terribile. Meglio della musica soft, da camera, che si presta ad un ascolto distratto e permette dolci conversazioni e languidi sguardi.
2- Cena Aromantica a casa con il "partner": qui il convivio è visto decisamente come un preliminare del vostro vero scopo, sia che siate donne che siate uomini, quindi è perfettamente inutile permeare l'ambiente con uno pseudoromanticismo da film con Meg Ryan, molto meglio mettere sotto della musica che dia la carica e faccia perdere ogni velleità di dolcezza alla serata. Preferenza per il Rock anni 70.
3- Wake up dopo una nottata brava e con l'autobus per andare al lavoro che già strombazza in fondo alla strada; 2 alternative: a)se eterosessuali, colonna sonora di Rocky; b) se omosessuali, tutta la funky black whatever you call it anni 80, con preferenza per Maniac di Michael Sembello.
4- House party all'americana (magari): si opta quasi sempre per i grandi classici non ballabili finchè c'è poca gente e magari, da bravi italianetti, una qual certa renitenza a conoscersi...poi si va in crescendo con la musica Dance contemporanea- preferenza House- per poi divertirsi, una volta ubriachi fradici, con la Revival 70 e 80. Finale con lenti per i pomicioni ed Happy Days col bicchierino della staffa.
5- La musica in macchina: per uno che abita a Roma lo stereo in macchina assume significato ESSENZIALE. Anche in questo caso però si è costretti a differenziare i diversi momenti abitudinari. Traffico mostruoso sul lungotevere di Sabato sera: mettetevi "er core in pace" e alzate un pelino il volume della discografia di Tom Waits e Louis Armstrong con intermezzi comici delle colonne sonore di Benny Hill ed Ace Ventura per evitare il suicidio ormai prossimo.
Strada completamente spianata e nessun orario per l'appuntamento: Bruce Springsteen docet e Creedence Clearwater Revival non vi faranno sentire nessuno di quei tanti chilometri (perchè sicuramente vi trovate in autostrada, a Roma non è MAI vuota la strada) che state facendo.
Classica serata da NON SO DOVE STO ANDANDO MA SO CHE CI STO ANDANDO, unico consiglio: assecondate il vostro umore e agite sullo stereo di conseguenza.

Scion

L'evoluzione della musica

2007-01-21T18:39:00.000+01:00

Il giovane che ascolta un determinato tipo di musica, finisce per acquisire un certo modo di essere, di vestirsi, di parlare, frequentare certe persone piuttosto che altre. La musica come valore fondamentale nelle scelte e nella vita della persona. Ogni cultura possiede un linguaggio musicale proprio e specifico, fatto di organizzazione di suoni, ritmi, armonie, sonorità, strumenti, forme e questi, a loro volta, riflettono modi di pensiero, ideologie, credenze, usanze, caratteristiche ambientali ecc. La musica, dunque, segue l’evoluzione della società, dei suoi gruppi nel suo continuo e dinamico trasformarsi, spesso assumendo caratteri negativi, altre volte positivi, ma resta comunque un'immancabile compagna di vita che cambia colore, corpo e anima al mutare di noi stessi. Ecco in anteprima online la foto di una pagina del sito che sta per essere lanciato nel progetto di Milano e Roma, si chiama EUROTHEORY.COM e sarà online in versione completa dal 1 gennaio 2007. "E' un (nuovo) portale musicale europeo che diffonderà la musica di gruppi ESCLUSIVAMENTE europei", come ci dice l'ideatore Andrea Nardini, "che nel mare magnum del web non riescono ad emergere per l'atroce concorrenza della musica americana all'interno dei siti musicali". Grazie a quest'innovazione multimediale, si potranno uploadare profili di gruppi e case discografiche, foto, mp3, video, consultare classifiche e scoprire tanti tanti gruppi finora sconosciuti, quegli innumerevoli talenti emergenti che hanno semplicemente voglia di farsi ascoltare e perchè no anche apprezzare.

Uno spazio dedicato a chi di musica vive!

simulescion3

CINEMA ORIENTALE: Il Wuxia-pian

2007-01-15T14:08:00.000+01:00

Per analizzare la nuova ondata del cinema asiatico dobbiamo considerare una curiosità.

Da sempre ammiratore di tale genere cinematografico, prima di iniziare le riprese di Kill Bill, Quentin Tarantino ha consegnato al suo direttore della fotografia una lista di titoli da visionare, ossia quasi tutti i film wuxia prodotti dalla famosa Shaw Brothers. Un elenco di b-movies made in Hong Kong sulla scia degli spaghetti-western e delle faide di guerrieri e samurai giapponesi. Ma qual è il significato preciso di questo nome? Il wuxiapian è un film di combattimenti cavallereschi, definito talvolta film di cappa e spada, i cui protagonisti sono dei cavalieri erranti. Questo è uno dei generi più forti di Hong Kong, il cui marchio di fabbrica sono le fastose scenografie ricreate proprio all'interno degli studi Shaw, un firmamento che parla mandarino e che esalta l’ideale nostalgico della patria perduta e sviluppa l'idea mitica della Cina. Il periodo di maggior popolarità è il decennio che va da metà degli anni sessanta alla metà degli anni settanta. Come ne “La Tigre e il Dragone” di Ang Lee, i film wuxia-pian si compongono di dialoghi poetici, di combattimenti mozzafiato bilanciati con l’analisi emotiva dei personaggi, dove da una parte sta l’azione-estetica, dall’altra, la profondità-psicologica. L’armoniosa coreografia dei duelli fatti di voli acrobatici e leggerezza sinfonica rispecchiano la ricerca di libertà dei personaggi, volare diventa sinonimo dello “sfuggire alla realtà”. Uno degli ultimi esempi del genere è Hero, di Zhang Yimou, che ha rilanciato l’eroismo romantico orientale sul grande schermo. Hero è un wuxia assolutamente astratto, infatti nonostante la storia sia violenta, il sangue e la brutalità ne sono come banditi, tanto che due combattimenti sono mentali, solo immaginati, come in quelle storie di samurai dove uno scambio di sguardi tra due guerrieri, serviva per decidere l’esito del combattimento. Risulta, così, una continua sfida alla fisica e alla gravità, dove i colpi dei personaggi sono in grado di deviare centinaia di frecce, dove il tempo si ferma e tutto si decide sul terreno di un distesa d'acqua. Tuttavia, il wuxiapian, pur essendo tipicamente cinese, raccoglie al suo interno influenze maggiori provenienti da tutto il mondo: è un luogo di fantasia spesso indifferente alla verosimiglianza storica, dove però permane il concetto di eroe che contamina anche generi estranei, come i moderni gangster movie. Il sottobosco cinematografico da cui nasce la leggenda dei wuxiapian è ricco e brulicante: vi si muove, in primis, tutto il cinema degli albori cinese, che dagli iniziali vagiti già raccontava storie di cavalieri erranti dotati di magici poteri. Un'importante influenza viene dal cinema giapponese di samurai, che all'epoca riscuoteva enorme successo presso il pubblico. In questi film tanto i buoni, quanto i cattivi dispongono di poteri quasi magici e i loro corpi possono sfidare la gravità in salti spettacolari, contro ogni legge della fisica. Qui si trova una basilare differenza tra il film di kung fu ed il wuxiapian: mentre gli eroi del primo imparano con difficoltà le arti marziali che serviranno loro ad ottenere vendetta (un allenamento volto al perfezionamento del corpo e della mente), la maggior parte dei cavalieri erranti sono già in possesso di incredibili poteri e spesso di ancor più fantasiose armi. Uno dei registi cardine del movimento wuxia è stato Zhang Che. Scopritore di talenti, Zhang non si limita ai soli attori che, sotto la sua regia, diventano star: il suo assistente alla regia più celebre è John Woo. Se Zhang rappresenta il lato macho ed ultraviolento dei wuxiapian (lato che Woo continuerà ad esplorare nei suoi film , che sono stati a più riprese descritti come film di cavalieri che brandiscono pistole anziché spade), il suo collega King Hu sviluppa invece una poetica intimista di grande bellezza formale. Questi due autori, così diversi, hanno dato lustro all'epoca d'oro dei wuxiapian, e ne hanno vissuto parimenti il declino, spingendo all'estremo le loro ossessioni oniriche e allegoriche. Rimane il fatto che il wuxiapian è stato e resta un prodotto di nicchia, che spesso, dopo l’exploit iniziale, tende a stancare il pubblico, quindi ad autoesaurirsi facilmente. Ovvio che nessuno se lo auguri, perché le opere sono dei veri e propri manifesti d’amore verso il cinema. E’ importante, però, sottolineare come questo resti un genere dalla difficile digeribilità, specie al momento della sua esportazione nei più smaliziati paesi occidentali.

SimOne

BASKET NBA: Effetto Andrea Bargnani

2007-01-10T14:52:00.000+01:00

Raptor #7 in action vs Carter

da www.gazzetta.it

TORONTO (Can), 7 gennaio 2007 - Domenica prima e durante l’incontro Toronto-Washington si è festeggiato all’Air Canada Centre l’Italia Day in onore di Andrea Bargnani e Maurizio Gherardini. La Camera di Commercio italiana di Toronto ha organizzato un brunch prima della partita per dare il benvenuto ufficiale all’azzurro con l’atleta romano ospite d’eccezione insieme al vice presidente dei Raptors. Un’occasione unica per i tifosi italo-canadesi per incontrare il giocatore che in soli due mesi d’attività nella Nba è già diventato un punto fermo della squadra canadese. “Penso che non solo avrete la possibilità di ammirare Andrea come giocatore ma anche come personaggio positivo - ha detto Gherardini -. Vogliamo che voi possiate essere fieri delle esperienze di Andrea in campo e del mio lavoro dietro la scrivania. Vi siamo riconoscenti per il sostegno e ci auguriamo che il tifo italiano aumenti nel corso della stagione, da parte nostra vogliamo contraccambiare facendo sì che Andrea diventi motivo d’orgoglio per la comunità. Attualmente siamo la franchigia Nba maggiormente riconosciuta all’estero forse perché abbiamo raccolto così tanti giocatori internazionali e per la grande attenzione mediatica derivata dalla selezione di Andrea al draft. Stiamo lavorando duro per riportare Toronto in una situazione vincente più in fretta possibile e per farlo abbiamo bisogno di giocatori speciali e di un gm speciale come Bryan Colangelo. L’obiettivo è di conquistare il rispetto a livello mondiale e ci riusciremo di sicuro".
Ed ecco finalmente, accolto da un caloroso applauso, Andrea Bargnani scortato dall’organizzazione Raptors. Il Mago esordisce in inglese: “Sono molto felice di essere tra di voi anche se ho poco tempo perché mi attendono per il riscaldamento pre-partita.”, mentre un fan lo incita a parlare in italiano. Bargnani si è prestato a firmare più autografi possibili prima di essere richiamato dallo staff dei Raptors. I circa 150 partecipanti al brunch hanno avuto la possibilità con il biglietto acquistato di assistere alla gara contro i Wizards prima della quale è stata consegnata ai primi diecimila tifosi giunti all’ACC una statuetta da collezione raffigurante Andrea Bargnani (a essere sinceri poco rassomigliante come ha ammesso lo stesso Bargnani). Una parte del ricavato del brunch andrà alla fondazione italiana in favore degli anziani Villa Charities, alla quale Bargnani ha contribuito personalmente con una donazione di 10.000 dollari.

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CINEMA: Lord of war

2007-01-02T13:06:00.000+01:00

Il signore della guerra è colui che ne decide le sorti vendendo il mezzo più semplice al miglior offerente: le armi. Perché la vera arma di distruzione di massa non è rappresentata da un ordigno nucleare, ma da una tonnellata di mitragliette Uzi convogliate illegalmente nei paesi in guerra e date in mano ai bambini-soldati. Questo è l’assunto di base del nuovo film di Andrew Niccol, uno dei pochi autori hollywoodiani che giocano col sistema, si pongono sulla soglia del circuito mainstream, raccontando le loro storie. Spesso crude, ironiche e pervase da un alone di ambigua moralità. Lord of war ne è solo l’ultimo (dirompente) esempio, un’opera che l’autore di The Truman Show, S1mone e Gattaca, ha trasformato in un inno al cinismo, dove non è mai stato tanto vergognoso schierarsi dalla parte del cosiddetto antieroe. Un uomo, Yuri Orlov, che fa del suo lavoro di mercante d’armi una professione di vita, un mestiere che richiederà il suo sangue e che lo lascerà solo e pieno di rimorsi, dopo vent’anni in lungo e in largo tra i peggiori olocausti silenziosi che la storia recente ricordi: dall’Africa Centrale ai Balcani. Un impeccabile Nicolas Cage da il volto al protagonista, riuscendo nella machiavellica impresa di rendere credibile tanto la difficoltà di comunicare con la propria famiglia (dal fratello Jared Leto, alla splendida moglie Bridget Moynahan), quanto la lucida tranquillità dell’inganno che i suoi occhi hanno mentito di fronte all’ennesima perquisizione dell’agente di polizia (Ethan Hawke), messosi sulle sue tracce. L’ossatura della pellicola è quella del gangster movie, si narra la perdizione morale di un antieroe raccontata dal suo punto di vista. Tra Sierra Leone e Ucraina, Orlov aumenta il suo impero dai primi anni ottanta fino ai giorni nostri, una quotidianità in cui i proiettili assumono il valore di una merce di scambio, come se l’uomo fosse tornato all’era del baratto. In questo caso, però, è solo la vita ciò che rimane sul piatto della bilancia. Il film tratta argomenti scomodi e spinosi e non lesina sul mercenarismo del mondo politico, né difende l’istituzione degli Stati Uniti, troppo spesso complici anche di ciò che di brutto c’è al mondo. Le affermazioni finali, colte dallo sguardo triste e disilluso di Orlov, afferma come sulla terra una persona su dodici possegga un arma e come gente come lui si prodighi per armare le restanti undici. La terza fatica registica di Niccol coincide con un attacco globale a tutte quelle nazioni, membri permanenti dell’Onu, che fanno del commercio delle armi un conscio business di sangue, stando poi a guardare senza intervenire i piccoli conflitti locali, specie nei paesi sottosviluppati dove i pseudo-dittatori la fanno da padrone, arrichendosi sulla fame del popolo. Il film si macchia solo ogni tanto di prevedibilità, ma per gli occhi resta comunque uno spettacolo autocritico, un’opera solida e ben costruita che trova in se stessa l’energia per autoalimentare la denuncia che porta avanti, per raccontare una storia attualissima, coinvolgente e di grande spessore emotivo. La perdita della propria coscienza è solamente il primo passo sulla strada della perdizione, perché il (vil) denaro appiana ogni divergenza e soffoca ogni malumore, compreso il fastidioso ronzio dentro le orecchie che risponde al nome di omertà. In fondo, come direbbe Yuri, questa non è la nostra guerra. Ma allora con chi ci dovremmo schierare?

SimOne

Back in MUSIC: Le Vibrazioni

2006-12-09T15:24:00.000+01:00

Le Vibrazioni presentano "Officine meccaniche" - 4 anni di continua evoluzione

(da www.rockol.it) Alla stampa, che ha ascoltato la nuova fatica di Francesco Sarcina e soci nel modo più rumoroso e "sano" possibile, Le Vibrazioni si presentano praticamente ancora con gli strumenti a tracolla: barba e capelli lunghi, l'ensemble meneghino smorza (con ironia) chiunque ipotizzi una "svolta rock" nella produzione del gruppo di "Dedicato a te": "No, non è una curatrice d'immagine che ci ha consigliato questo look", scherza Francesco, lievemente influenzato, a pochi metri dal palco, "In studio pensi solo alla musica, e trascuri tutto il resto. E la barba, se non viene rasata, cresce". E proprio dallo studio il cantante parte a spiegare la genesi di questo nuovo disco, caratterizzato da una scrittura sicuramente più ruvida e meno facile dei precedenti: "Già, 'Officine meccaniche' è anche il nome dello studio di Mauro Pagani, quattro mura che hanno visto e fatto la storia del rock, nazionale e non solo. Noi l'amore per le sonorità vintage e i processi produttivi analogici l'abbiamo sempre avuto, quindi questa volta ci è sembrato di realizzare un sogno...". E quei riff acidi, quegli intermezzi strumentali dove theremin e delay la fanno da padrone? "E' vero, i brani nuovi sono più spigolosi di quelli vecchi", interviene Marco, il bassista, "Ma noi, un forte impatto live, l'abbiamo sempre avuto". Secondo album, sarà la svolta?...

simulescion3

CINEMA ITALIANO: poca fantasia e troppa realtà

2006-12-03T15:27:00.000+01:00

LA VERA CRISI DIPENDE DALLA MANCANZA DI GENERI

(FILM MONOTEMATICI E PELLICOLE A SENSO UNICO NON COINVOLGONO PIU’...a lato "Le conseguenze dell'amore")

Ne abbiamo parlato,abbiamo provato a spiegarcelo,insomma ce lo siamo chiesto proprio tutti credo: Qual è la causa degli insuccessi commerciali dei film made in Italy? Ebbene a monte delle varie discussioni e delle ipotesi avanzate,la spiegazione l’abbiamo avuta sempre davanti agli occhi,senza rendercene conto. Cosa manca alla nostra “gloriosa” industria cinematografica per riuscire a risollevarsi,magari anche all’estero?In questi ultimi anni di grande rivoluzione visiva,con l’avvento e il conseguente impatto massmediale della tecnologia digitale,l’Italia(come altri paesi europei,non disperiamo)non è riuscita a mutare quella radicata abitudine del fossilizzarsi su un unico genere fiction: il dramma real-storico nel Belpaese.Per carità,nulla da togliere a quelle opere che annualmente tentano di risollevare il disastrato mercato italiano(interamente dominato dai prodotti hollywoodiani),ma la situazione resta tale. Questo è il quadro che si presenta ai nostri occhi,analizziamolo meglio. La totale presenza delle pellicole d’oltreoceano è dovuta proprio alla possibilità,che i film statunitensi concedono agli spettatori,di poter scegliere tra numerosi generi. Cosa che si rivela fondamentale poi all’ingresso in sala. Il fruitore italiano medio,se volesse optare per un film nostrano,non avrebbe nessuna difficoltà nel preferire il classico genere impegnato,ma se volesse cambiare,attirato,non so,dalla fantascienza,dall’azione,dall’horror,dal thriller e via citando,si troverebbe spiazzato,anzi privo di una qualsiasi possibilità di scelta. Come ho detto prima,salvo qualche eccezione,che effettivamente conferma la regola e che,negli ultimi anni,possiamo indicare in film come:L’imbalsamatore di Matteo Garrone,Almost Blue di Alex Infascelli,Ricordati di me di Gabriele Muccino,Piazza delle Cinque Lune di Renzo Martinelli,oltre ai soliti apprezzatissimi lavori di Salvatores,Verdone e di altri autori,la produzione italiana è orientata verso pellicole di scarsi e previsti incassi cinematografici e verso un successivo sfruttamento delle stesse a livello televisivo. Già,in Tv,dove per calcoli aziendali ed economici il filmetto soft da prima serata,magari ultracensurato,è dato in pasto ad un target senza nome,che,posso assicurare,è perfettamente consapevole della differenza di prime visioni passate dal grande al piccolo schermo e non se ne fa sempre una ragione. Bisognerebbe,dunque,guardarsi intorno e capire che i movie-gender sono opportuni e necessari ad un maggiore pluralismo cinematografico. Solamente in questo modo l’Italia dei film potrà riossigenarsi,solo così,potrà riaccendere nel pubblico quel desiderio smarrito di vedere un film italiano diverso dal solito.

SimOne

Sportivi si nasce, a volte si diventa.

2006-11-28T22:19:00.000+01:00

"Per Karl Malone allenarsi seriamente era fare il proprio dovere"

La differenza che passa tra una persona che fa sport ed uno sportivo è esattamente la stessa che passa tra una persona che fa il suo lavoro ed una persona che ama fare il suo lavoro; volendo dare un' identità a questo concetto possiamo riassumere il tutto con "spirito di abnegazione".
Restringiamo il campo.
Evitiamo inutili divagazioni su sport della domenica o "sport" tipo il bodybuilding e concentriamoci sullo sport che si tratta qui su Simulescion: il basket.
Lavora.
Suda.
Respira.
Ricomincia.
Bastano questi quattro ordini al tuo cervello per correre su e giù per il campo, lottare in difesa, trovare buone soluzioni in attacco, aggredire il rimbalzo, buttarti sulla palla vagante...mettere dentro tiri che contano.
Tutto nasce dalla MENTALITA'.
Troppe volte giocatori con notevoli potenzialità gettano tutto all'ortiche per mancanza di spirito d'abnegazione e mancanza di carattere.
Se pensi di non essere adeguato o non vuoi impegnarti fino in fondo, tanto vale che prendi una palla da Cisalfa, vai al campetto più vicino e ti metti a tirare.
Nessuno ti vorrà in squadra, non conta quanto sei simpatico o spiritoso, conta quello che dai..e non c'è peggior sensazione che puoi instillare nell'allenatore e nei compagni di quella che non stai dando il massimo in quel momento.
E' sbagliato a qualsiasi livello, non conta se amatoriale o professionistico, quando c'è un avversario si dà il massimo..in primis per rispetto per la squadra, poi per rispetto dell'avversario stesso, ed ancora per rispetto per se stessi.
Se vuoi buttarti giù, se vuoi che il senso di sconfitta invada il tuo cervello e quindi le tue forze, se scegli la strada più corta fai pure....ma al campetto di cui sopra.
Quando fai parte di una squadra si inizia e si finisce con essa, e le individualità sono volte sempre e solamente all'innalzamento del livello del team.
Sei entrato da 10 min, hai 0 su 4 al tiro, 3 falli tutti evitabili e l'allenatore che urla nelle tue orecchie...ti arrendi?
Manca non molto alla fine della partita, il tuo tabellino dice sempre 0 in ogni voce statistica, l'unica riempita sono gli orrendi falli evitabili (con contestazioni e probabili tecnici), la tua squadra è ancora in gioco e l'allenatore e i compagni contano comunque su di te...ti arrendi?
Credi che il fatto stesso di essere al centro delle speranze del tuo team sia eccesso di fiducia nei tuoi mezzi? bene, prendi da parte tutti e dillo..nessuno si fiderà più di te, l'allenatore ti utilizzerà sempre meno fino a non convocarti più, e i tuoi compagni ti guarderanno con terrore ogni qualvolta chiederai loro la palla.
Ti arrendi?
Come molti altri sport nel basket una buona prestazione è sintomatica di ottimo lavoro in palestra e se non ti impegni in allenamento non otterrai nulla in partita.
Hai fatto schifo all'ultima partita, credi di esserti allenato bene oggi? si? già il fatto che lo credi vuol dire che non hai fatto passi in avanti dall'ultima partita..torna in palestra.L'appagamento è il cancro della competizione, non importa a che livello ci si trovi, l'importante è fare quel che si fa al massimo delle proprie potenzialità, e i peggiori sportivi sono coloro che pensano di poter fare bene anche senza sforzarsi più di tanto. Sarai anche una bravissima persona, ma sei uno che fa sport, non uno sportivo.

(ndr SimOne: dedicato a chi NON ha voglia di mettersi in gioco..)

Scion

Digressioni..."Una scomoda verità"

2006-11-24T16:47:00.000+01:00

Si chiama An inconvenienth truth il film di Davis Guggenheim sui cambiamenti climatici che arriverà a gennaio nelle sale cinematografiche italiane, ma è stato già mostrato ai festival del cinema di Locarno e Cannes. Al Gore, candidato alla presidenza degli Stati Uniti, mette in guardia non solo la popolazione statunitense ma tutto il mondo, sui danni che l'effetto serra sarà in grado di produrre se non si pone rimedio alla sconsiderata crescita delle emissioni di gas inquinanti nell'atmosfera... Attraverso il Protocollo di Kyoto ed altre misure d'intervento immediato l'umanità per la salvaguardia del proprio pianeta Terra dovrà porsi di fronte al cosiddetto Global Warming. Riscaldamento globale è un termine usato per descrivere l'aumento nel tempo della temperatura media dell'atmosfera terrestre e degli oceani. L'opinione scientifica sul cambiamento del clima, come espresso nel Pannello Intergovernativo sul Cambiamento Climatico (IPCC) delle Nazioni Unite, e firmato dagli accademici di scienza delle nazioni del G8, è che la temperatura globale media è aumentata di 0,6 ± 0,2 °C dalla fine del XIX secolo e che "la maggior parte del riscaldamento osservato durante gli ultimi 50 anni è attribuibile alle attività umane.

Dal blog di Beppe Grillo:

Se vogliamo evitare che le generazioni future ci sputino in faccia e ci chiedano i danni dobbiamo fare qualcosa per il pianeta. Le iguane, fuori dalla finestra di casa mia a Genova, mi guardano come un estraneo al sole estivo di ottobre. I grilli cantano tutta la notte. Le api fanno il doppio lavoro estate/inverno. I dati dell’effetto serra sono ormai quotidiani come le previsioni del tempo. Ci sommergono. Come faranno le acque con le coste e le città. Ma ci sono sempre gli scettici. Quelli che non ci credono e che ci sono sempre alternative. Senza mai dire quali. Altri che più modestamente se ne fregano. I ghiacciai si sciolgono. I fiumi si seccano. Le falde acquifere scendono.Basta con il catastrofismo? Con la solita deriva catastrofista per non affrontare i veri problemi. 279 specie di piante e di animali si stanno spostando verso nord. La malaria è arrivata sulle Ande. Lo scioglimento dei ghiacciai della Groenlandia è raddoppiato negli ultimi dieci anni. E la deriva catastrofista continua con le previsioni per i nostri nipotini. Quelli che butteranno le nostre ossa in una discarica. Entro il 2050 il polo nord scomparirà, un milione di specie si estinguerà, il livello del mare salirà fino a cinque metri.

Andiamo a vedere il film, è un piccolo tributo per capirci meglio sulla questione, un’inezia per la salvezza del pianeta.

simulescion3

BASKET: Magic Team in vetta al girone A

2006-11-21T11:23:00.000+01:00

ALGARVE 55 - MAGIC TEAM 64

ALGARVE: FEDERICO C. 5, FRATELLO 9, BURATTINI 10, BERNARDI 5, PINCHETTI 2, Caon 12, Di Rocco, Brugnoli 8, Pisani L. All. Paciarelli.

MAGIC TEAM: VALENTI 11, VALENTINO 14, MARRACINO 1, BRUNO 6, PISANI 11, Bracci 2, Riccioli 3, Crucitti 7, Pisani M. , Stampacchia. All. Laurenti.

ARBITRO: Gargiulo di Roma

PARZIALI: 9-13 / 19–11 / 17-18 / 10-22

Il quinto atto del campionato di promozione vede sfidarsi Algarve e Magic Team. Ancora in formazione largamente rimaneggiata il Magic, privo di ben 6 titolari, riesce a conquistare 2 punti preziosi in trasferta contro una squadra che si è dimostrata molto ben schierata in campo, agressiva in difesa e che ha impostato un gioco molto fisico contro i lunghi avversari riuscendo a sopperire ai cm di differenza. Ora il Magic Team è atteso alla prova della verità giovedì prossimo, contro il torvaianica. Lo scontro al vertice, entrambe le squadre sono ancora imbattute, a quota 5 W dopo cinque gare di campionato, sarà infatti un buon banco di prova per verificare le vere ambizioni del giovane gruppo di Montesacro.

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Professione Doppiatore

2006-11-16T20:09:00.000+01:00

Quanto contano in Italia le “Voci senza volto”?

La saletta buia è illuminata solo dalla lampadina sullo scrittoio e dal chiarore dello schermo. Pian piano gli occhi si abituano,così l’ambiente intorno a noi prende forma,rivelandoci il luogo dove i doppiatori lavorano,il loro habitat naturale. Uno di loro sta rileggendo la parte che dovrà incidere,mentre l’assistente rivolge un cenno al di là del vetro insonorizzato al direttore del doppiaggio. Si può iniziare.L’Italia è uno dei pochi paesi che può vantare una lunga e storica tradizione di doppiaggio,nonostante nei primi tempi,e si parla di diverse decadi fa,chi dava voce ai volti degli attori non era osannato,anzi trovava più critiche che assensi. Nata comunque per esigenze di scarsa alfabetizzazione nazionale,la figura del doppiatore fu interpretata agli esordi da pochi volenterosi,i soliti noti che ritroviamo sempre in ogni film dell’epoca. Successivamente,e per giusti meriti,questa professione è stata molto valorizzata,fino a giungere all’importanza che ha acquisito negli ultimi anni. Fare il doppiatore richiede grande sacrificio,un ferrea determinazione,l’essere “attore” fuori dagli schermi e senza un pubblico dinanzi. La questione,dunque,non è discorso di impegno lavorativo,ma solitamente nasce quando il pubblico si divide su una stessa opinione. Perché è ormai chiaro che da tempo c’è chi sostiene che una qualsivoglia pellicola cinematografica possa incrementare il proprio valore,se proiettata in lingua originale. Ci sono altri,invece,per i quali i sottotitoli creano disagi nella lettura e l’idea di privare i loro idoli della voce che li ha fatti “innamorare”,è vista come delitto sacrosanto. Altri ancora si astengono. Certo,se si pensa a voci storiche come quelle di Ferruccio Amendola o Giancarlo Giannini,i doppiatori di icone hollywoodiane quali Robert De Niro e Al Pacino,ma anche a certe “nuove” leve come Luca Ward,Roberto Pedicini,Alessandro Rossi, Tonino Accolla e via citando,si fa presto a schierarsi con i secondi. Ma se si assiste a Festival o Mostre del Cinema,come quella di Venezia,dove si rimane incantati di fronte alla bravura recitativa di alcuni attori,bisogna dare ragione anche ai primi. Sta a noi tutti scegliere ciò che si adatta maggiormente alle nostre esigenze. Gli addetti ai lavori si interrogano spesso su questo dibattito,anche se la soluzione resta ancora aperta. Sicuramente l’obiettivo,tutt’altro che utopico,dovrà essere almeno quello di concedere allo spettatore la possibilità di decidere,per conto proprio e senza imposizioni, verso quale delle due scelte optare. Per ora lo scenario,a meno di quelle eccezioni riassunte nelle sale che già offrono questa disponibilità,resta tale e immutato. Perciò,quando al termine di una proiezione scorrono i titoli di coda,soffermiamoci anche sui nomi di chi, dall’ombra, presta la sua voce al cinema.

SimOne

CINEMA: The Departed

2006-11-12T12:23:00.000+01:00

Bello, bellissimo film come il sottoscritto non ne vedeva da un bel pò, sfornato dalla mente sapiente di quel genio che è Martin Scorsese, i cui recenti pseudo flops (Gangs of New York e The Aviator) lo hanno restituito allo stato di grazia al quale ci aveva abituati.
Grazie anche ad un' interpretazione molto intensa e piacevolmente nervosa di Leonardo Di Caprio, oramai attore prediletto dal buon Martin, ed al solito straordinario Jack Joker Nicholson (che qui appare come un padrino un tantino insudiciato dalla totale mancanza di moralità), che tra una battutaccia sui preti pedofili e uno sguardo come solo lui sa regalare ci offre ancora una volta cosa vuol dire "calarsi nella parte" quasi facendola sua, come se lui fosse sempre stato il Boss Costello e nessun altro.
Film magistralmente diretto ripreso da una pellicola hongKonghiana del 2002, The Departed rovescia subito il concetto di legge e fuorilegge, di giusto e sbagliato facendo fare paradossalmente la cosa giusta al protagonista con il passato e il presente più a rischio e la cosa sbagliata a quello dal passato immacolato e dal futuro in ascesa.
Si incontreranno dopo giochi psicologici, ricerche di giuda del dipartimento e omicidi più o meno preventivati, il tutto sotto gli occhi di una Boston che pompa il solito sangue irrequieto irlandese e che non dona ai suoi figli la benchè minima capacità di discernimento tra inferno e paradiso.
Ecco che quindi risulta importante la filosofia di vita di Jack Costello Nicholson, secondo il quale se non ci si può fidare nemmeno di preti -pedofili- e suore- un pò troppo libertine- figurati se vale la pena di porsi dei limiti in efferatezza e brama di potere.
Li tiene tutti nelle sue mani il buon Costello, rivelando e nascondendo tutto a tutti, dal suo protetto- protetto? chi protegge chi?- Matt Damon fino all' FBI, rimestando quel gran calderone di guardie e ladri che sfocerà nella rappresaglia più violenta e nella resa dei conti che non deve essere necessariamente, come il film del resto, "giusta".
Leo Di Caprio rischia la vita per consegnare Costello alla giustizia salvo scoprire che Costello in fin dei conti, è giustizia a sè, come lo specchio di ciò che non deve essere toccato in America.
Ecco perchè Costello parla come se fosse l'America in persona, lui ne rappresenta l'essenza estremizzata, il marciume e il potere, tutto all'ennesima potenza..come se dalle sue mani partissero i fili che governano il mondo.
Di Caprio trova anche il tempo di innamorarsi, nel poco tempo che gli concede il suo incarico di infiltrato, dell'unica persona che sembra non trattarlo come capra sacrificale, buono solo per abbattere a cornate il portone dorato della malavita organizzata bostoniana.
E' grande Leonardo in questo film, volubile, irascibile, nervoso e con un senso di giustizia che pare guidato più che altro dalla spaventosa voglia di vendetta che proverà nei confronti dell'irritante- e pur bravo- poliziottino Damon, che sembra uscirne indenne e pulito anche quando il letame sfiora il soffitto.
A pareggiare i conti- si far per dire- ci penserà Mark Wahlberg, che una volta tanto non impressionerà per l'eloquio forbito ma per quell'attimo d'esitazione prima di far fuoco e chiudere i giochi.
Menzione speciale per Martin Sheen, gran professionista, e per Alec Baldwin, se non fosse altro per essere stato il marito della Basinger.

Scion

Ecco il trailer:

MUSICA: Chinese Democracy in uscita?

2006-11-05T18:33:00.000+01:00

I Guns 'N Roses nascono ufficialmente a Los Angeles nel 1985, frutto della fusione tra i membri rimanenti degli Hollywood Rose e degli L.A. Guns. La formazione originale vede al microfono Bill Bailey, proveniente da Lafayette, Indiana, che assume lo pseudonimo di Axl Rose; alla chitarra solista Saul Hudson, inglese trapiantato in California che assume il nome di Slash; all'altra chitarra Jeff Isabell, amico d'infanzia di Axl che diventa Izzy Stradlin; al basso Michael 'Duff' McKegan, di Seattle; alla batteria Steven Adler, originario di Cleveland e grande amico di Slash.

Ora, alle porte del 2007 Axl torna a far parlare di sè senza i suoi ex "fratelli". Il loro album fantasma Chinese Democracy, il grande ritorno sulle scene di Axl Rose e dei Guns'n'Roses (della cui mitica formazione originale c'è rimasto solo il tastierista Dizzy Reed) è pronto. Costato 13 milioni di dollari, è atteso da 15 anni dei quali ben 9 passati in sala d'incisione. Slash in questi anni non ha mai per un solo istante pensato di tornare a far parte della storica lineup, impegnato come è in una miriade di progetti paralleli. Axl nel frattempo si è fatto crescere il pizzetto, la pancia e si è fattopure i dreadlocks. L'ennesima data di uscita annunciata dall'etichetta Geffen Records è fissata per il prossimo 21 novembre e stavolta la release è stata confermata da tutti i network televisivi piu' importanti. Ci dovremmo essere, tant'è che la nuova band ha deciso di realizzare una tournèe mondiale che partirà alla fine del 2006. Insomma, un ritorno in pompa magna che però ha poco per esser tale. Gli anni ottanta sono finiti da un pezzo e la sola nostalgia spesso non sostiene un'ugola deficitaria ed un sound che si discosta troppo dai ruggenti tempi della "giungla". Da buoni vecchi fans speriamo di doverci ricredere...

simulescion3

The Darkness: searchin' for the lightness

2006-11-01T12:12:00.000+01:00

Come molte volte succede nel mondo della musica, il secondo album è il più difficile da far accettare a critica e pubblico.
non sai cosa vuoi creare e qualora tu lo sappia non sai se piacerà o meno...Allora ci sono due strade da seguire:
o si segue la tendenza e si fa quel che si aspetta il pubblico (c'è chi ci ha costruito una carriera, vedi Luis Veronica Ciccone) o si dichiara il proprio menefreghismo attraverso un album magari orribile, ma esattamente fedele a quel che si voleva realizzare.
Come molte volte accade nella vita , in medio veritas, e i Darkness hanno dimostrato di conoscere questo detto abbastanza bene.
Oddio, sicuramente il loro secondo album non è un capolavoro, a livello di hit è sicuramente inferiore al primo e la ricerca di una classe che ancora non risulta naturale li ha portati forse ad eccedere in particolari e virtuosismi- compreso il particolare molto memorabilia di utilizzare il pianoforte dove Freddie Mercury incise Bohemian Rhapsody.
Questo non vuol dire che non sia un buon album.
Ci sono molte cose da considerare quando si ascolta un album, ed uno degli aspetti -tecnici- che sicuramente non si trascura è la produzione. Dicesi produzione ciò che, se usato in maniera oculata, può portare all’eccelso musicare nell’olimpo dei musicandi – vedi Brian Eno per U2 - .
Questa è stata una buona produzione, il suono è pulito anche nei pezzi più heavy, e anche se si eccede con le armonie di falsetto di Justin Sniff Hawkins il totale è di un album assemblato bene.
Il primo ha suscitato tanto clamore perché:
1- Era il primo..
2- Perché accontentava i puristi del rock con il solito sferragliare pressapochista ma anche i qualunquisti melodici con 5 hit di facile ascolto tra cui I believe in a thing called love e Friday night.
3- Chi erano questi col cantante in tutina?

Affinare però non vuol dire snaturare, per usare più strumenti mantenendo intatta l’intenzione della canzone bisogna saperli suonare, non assoldare strumentisti, se non per collaborazioni conclamate; infatti i beneamati Queen a cui erroneamente vengono accostati – je piacerebbe come dicono a Roma – non rischiavano di incappare nell’errore di eccesso di .. “classe” poiché loro stessi erano la classe! Brian May suonava si la chitarra, ma suonava anche il piano, il benjo, l’ukulele -…..- e l’arpa ( ! ) solo per citarne alcuni, e gli altri membri dei Queen idem.
Ora, se il primo album aveva quel percorso, bisognava seguirne le orme e lasciare un’impronta sempre più profonda…non deviare verso l’erbetta soffice.
Almeno secondo me. Per affinarsi c’è sempre tempo.
E per riprendersi anche, lo si dica a Justin, che in clinica di disintossicazione ha stretto amicizia con il fidanzato della Moss Pete Doherty – mi rifiuto di chiamarlo musicista -, non occorre sniffare per sentirsi una rockstar!!!

Scion

La notte delle streghe

2006-10-31T12:19:00.000+01:00

AUGURI DA SIMULESCION 3!! ........

La memoria e la ricerca dell'originalità

2006-10-25T17:26:00.000+02:00

Attraverso il ricordo del passato cambia l’attimo presente

Il cambiamento costituisce il fondamento della dinamica sociale e sebbene influenzata da un concetto materialista di progresso, la società non è mai stata statica. Essa è frutto di trasformazioni che si susseguono continuamente. E in essa ciò che muta in eterno ribollire sono le persone che la abitano, gli esseri umani e le loro singole minuscole esistenze. Quest’identità è un modo per categorizzare e per individualizzare, l'identità si riferisce alla percezione che ogni individuo ha di se stesso, cioè della propria coscienza di esistere come persona in relazione con altri individui, con i quali forma un gruppo sociale. Porsi di fronte a tale affascinante concetto, apre la mente verso una vastità di quesiti dalle interpretazioni più variegate. L’ossessione della ricerca è spesso sinonimo di volontà, il tentativo di ricreare in sé un’immagine che non vuol lasciarci andare e di cui siamo portatori “sani”. Ciò che abbiamo vissuto sfocia in un ricordo precisamente distinto di cui noi filtriamo gli elementi di maggiore intensità emotiva. Cosa comporta questo atteggiamento? Di sicuro ci mette dinanzi le nostre esperienze, in secondo luogo ci permette di vedere con nostalgica fiducia al futuro, ponendoci la sfida della ricerca dell’originalità, a volte oltre i limiti stessi dell’immaginazione.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Se mi lasci ti cancello, 2004) ne è l’esempio lampante. Il testo di Alexander Pope citato dal titolo consegna alla parola scritta il compito di racchiudere, conservare e tramandare il senso di una grande storia d'amore. La parola sembra essere l'unica chiave di salvezza in un mondo in cui i ricordi si confondono e poi scompaiono mentre sfumano le immagini stesse che li raccontano. Infatti, nel baratro di memoria e “smemorizzazione” in cui sprofonda Joel, non è possibile uscire senza affidarsi al variegato utilizzo delle parole. Si accavallano e s’intersecano pensieri su come affrontare diversamente ogni aspetto delle nostre giornate, come aumentare la ricettività del cambiamento inteso come prospettiva di scegliere, attraverso l’ingegno e la magia dell’istinto. L’urgenza di cogliere dal turbine del passato i momenti migliori diventa il passepartout per apprendere con efficacia sostanziale le novità del futuro. Essere spinti sempre e continuamente ad un tentativo di liberazione dallo standard quotidiano verso una distinzione individuale, è il motivo per cui bisogna far tesoro della memoria.

E poi superarla, andare oltre. Dare un movente a quel CAMBIAMENTO, recepito come passaggio dalla propedeuticità narrativa, all’esigenza di una sua realizzazione concreta (specie in ambito cinematografico), si stacca dal classicismo esistenziale, rimanendo comunque tra le righe e mantenendo una impronta propria: ricreare uno stile alternativo in cui si riconosce la soggettività dell’autore. Eternal Sunshine parla, ad una lettura più profonda, anche del cinema. I ricordi, sempre più sfocati, come spesso appaiono nella realtà delle menti umane, non sbiadiscono mai, ma tendono a svanire del tutto nel bianco assoluto dell’oblio mnemonico. Il film esalta i poli opposti, le due estremità di pensiero che rappresentano i protagonisti, Joel (Jim Carrey) e Clementine (Kate Winslet). Il primo attaccato al ricordo ossessivo di lei, incapace di superare l’abbandono e richiuso in se stesso, così convinto da cercare di nascondere la memoria di Clementine, nonostante questa gli provochi solamente disperazione. Lei, invece, insofferente e attanagliata dalle ansie del passato, decide di farsi cancellare dalla mente la loro relazione, per poi rimanere allibita di ciò che ha fatto. In mezzo, la continua ricerca di una singolare identità che li distingua dagli altri, che elevi quel rapporto ad un bisogno sfrenato di personale condivisione. Una struggente e originalissima love story diretta con sapiente visionarietà da Michel Gondry, in cui i personaggi (ma anche ognuno di noi, non solo gli spettatori) ritrovano un’equivalenza nel proprio raffrontarsi col passato e nello scoprire un domani in prospettiva migliore, una prospettiva che però ha bisogno di esser continuamente ricercata e mai data per scontata. Eternal Sunshine, perciò, non è solo una riflessione sulla vita di coppia. E' intessuto nel film anche un motivo più profondo nonché più kaufmaniano (dal nome dello sceneggiatore, Charlie Kauffman), ossia l'analisi dell'importanza della memoria che sfata lo slogan stesso del film: beati gli smemorati perché avranno la meglio anche sui propri errori. Il tempo scorre e spinge alla ricerca di una soddisfacente peculiarità, al fine di trovare un’identificazione individuale nella rievocazione di un istante. Da qui, il ricorso ad un’imposizione costrittiva della nostra memoria, in quanto partecipante attiva e conseguentemente eterna delle nostre azioni. Nel bene o nel male. Possiamo vivere alla giornata, voltare pagina senza rimpianti quando vogliamo imprimere nuovo slancio alla parabola della nostra esistenza, possiamo pensare al futuro, ma non potremo mai rinnegare il passato. L’originalità sta proprio nel non dimenticarlo.

Senza memoria non sceglieremmo il futuro.

SimOne

Festa del cinema di Roma: vince "Playing the victim"

2006-10-21T17:48:00.000+02:00

da www.repubblica.it

ROMA - Nella migliore tradizione italiana - sperimentata, e più volte, alla Mostra di Venezia - a vincere la prima edizione della Festa capitolina è un film che pochi giornalisti, e critici, hanno visto e commentato: si chiama "Playing the victim", lo ha diretto il russo Kirill Serebrennikov, è una una black comedy sospesa tra vita e morte. Una sorta di adattamento di Amleto in chiave tutta contemporanea, almeno nelle intenzioni dell'autore. Un risultato che mostra come una giuria popolare - composta da cinquanta membri, e guidata da Ettore Scola - possa prendere decisioni non scontate, e decisamente cinefile. Per nulla sbilanciate, per una sorta di campanilismo involontario, a favore delle pellicole italiane. Quelle che, diciamo così, giocano in casa. Questo però non vuol dire che il cinema italiano resti a bocca asciutta. Visto che, dei quattro premi ufficiali - miglior film, interpretazione maschile, interpretazione femminile, riconoscimento speciale della giuria - il nostro Paese ne conquista uno: merito di un veterano come Giorgio Colangeli, che per il suo ruolo di padre detenuto, e assassino, in "L'aria salata" di Alessandro Angelini (con Giorgio Pasotti coprotagonista) viene eletto miglior attore. Mentre la migliore attrice è la brava Ariane Ascaride, che in "Le voyage en Erménie", diretta da un autore tipicamente festivaliero come Robert Guédiguian, è una figlia alla ricerca del padre gravemente malato, nella sua terra d'origine. Completa l'albo d'oro il premio speciale della giuria assegnato a quello che è stata forse l'opera più amata, da pubblico e critici: "This is England" di Shane Meadows, storia di un ragazzino che si unisce a un gruppo di skinhead nell'Inghilterra anni Ottanta. Un film troppo amato, per poter essere ignorato dalla giuria. Questi i riconoscimenti ufficiali, le statuette "Marc'Aurelio" create appositamente per l'occasione da Bulgari. Ma ci sono anche tre premi colleterali interessanti, che meritano senz'altro una citazione. A partire dal Blockbuster, sponsorizzato dalla nota catena di vendita homevideo, e assegnato da un'altra giuria popolare (venti grandi consumatori di dvd) presieduta dal regista Giovanni Veronesi. Lo scopo era segnalare la miglior pellicola della sezione più patinata e ricca di star della Festa, ovvero Premiére: a vincere è Giuseppe Tornatore, col suo "La Sconosciuta". Un altro buon risultato, per il cinema italiano. E sempre di opere made in Italy si parla nel secondo dei premi collaterali, consegnato dal L. a. r. a. (la Libera associazione dei rappresentanti degli artisti), scelto tra tutti i film di casa nostra, sparsi nelle varie sezioni della manifestazione. Ebbene, alla fine a vincere è Ninetto Davoli, degente in ospedale accanto a Fabio Volo in "Uno su due" di Eugenio Cappuccio (inserito nel cartellone Premiére). Infine, il premio Cult al miglior documentario va a "Deep water" di Louise Osmond e Jerry Rothwell. Tutti questi riconoscimenti sono stati assegnati nel corso di una cerimonia che si è svolta questa mattina nella Sala Santa Cecilia dell'Auditorium, preceduta dal concerto di chiusura della Festa diretto da Antonio Pappano. Una mattinata cominciata con una dura contestazione dei fotografi, che accusano l'organizazzione di non essere messi in condizione di lavorare. Il momento più toccante, invece, è quando alla vedova di Gillo Pontecorvo, Picci, viene consegnato un premio alla memoria del marito: in sala, tra pubblico e critici, emozione e applausi.

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2006-10-16T17:58:00.000+02:00

Ragazzi il qui presente Scion cerca una nuova band per progetti seri e - perchè no?- ambiziosi, con cover rock & roll e melodico e anche canzoni proprie (io ne ho già scritte un pò..). Ho studiato canto con un maestro e come timbro e registro sono tenore, fate un pò voi.
Per chi fosse seriamente interessato lasciare un post qui sul sito e magari un num di cell, che lo ricontatterò a breve.
Grazie,

Scion

PS. Naturalmente la band deve essere di Roma, in quanto vivo, dimoro e lavoro qui!

MUSICA: The Boss con la Seeger Sessions Band

2006-10-14T11:35:00.000+02:00

Dopo tre mesi di pausa la Seeger Session Band è nuovamente in viaggio. Con le date di Bologna e Torino è partito il tour italiano che ha toccato sette città in dieci giorni. Ad un anno e mezzo di distanza Bruce Springsteen torna a Roma, la tappa italica del Boss si inserisce in una tendenza ormai consolidata sul piano internazionale, che vede in Springsteen non solo il più eloquente rocker del nostro tempo, ma anche un narratore di storie profonde e un testimone critico, una voce indipendente dell'America migliore. Il rocker ha parlato, al termine del sound check pomeridiano. Lo fa spiegando «American Land», l'inedito inserito nella nuova versione di "We shall overcome" album-progetto dedicato alla riscoperta dell'opera dell'eroe del folk Pete Seeger. «È una canzone sugli immigrati, un argomento — dice lui, pieno di collane e braccialetti di corda e in immancabili jeans — sempre presente nella storia statunitense. Mi ricordo che quando ero ragazzo c'erano molti operai e raccoglitori di patate afroamericani, ma anche italiani. Oggi abbiamo meticci e messicani. Ma è sempre la stessa storia: una lotta per affermarsi e trovare spazi. "American Land" parla anche di irlandesi. E per me, metà italiano e metà irlandese, funziona benissimo».
(intervista de Il Corriere della Sera, da www.badlands.it)

simulescion3

CINEMA: The Black Dahlia

2006-10-11T16:00:00.000+02:00

L’intensità della messa in scena ammalia lo sguardo. Col suo ultimo lavoro Brian De Palma si conferma un maestro nel portare sul grande schermo il noir d’autore, e che autore. Addirittura James Ellroy, dal cui romanzo è stata trasportata abbastanza fedelmente la storia della Dalia Nera, The Black Dahlia, vecchio caso tutt’ora irrisolto che ha ossessionato lo scrittore per oltre quarant’anni. Ellroy vedeva analogie nel caso dell’attricetta brutalmente uccisa nella Los Angeles degli anni quaranta, con quello di sua madre, anch’essa assassinata. Proprio qui entra in scena l’impianto filmico, De Palma ci trascina in un mondo di perdizione e ormai antichi valori, quella Hollywoodland, così cambiata nei decenni, ma rimasta la stessa nel profondo dell’anima.

Le atmosfere torbide che accompagnano la voce off del detective Bleichert, raccontano in immagini una città nella quale si consumano crimini efferati e violenze d’ogni sorta, richiamo alla nascita di una metropoli degna di Howard Hawks che si sente al centro del mondo e attorno a cui tutto ruota in modo disincantato. The Black Dahlia è un intreccio esaustivo e ben costruito, un noir a cui però manca la sua vena più dark nel esprimere un intrigo che paradossalmente affascina meno della retorica stessa che vorrebbe narrare. La storia si perde nel momento in cui non riesce a dare sostanza al ritmo del racconto, creando quel senso di mancanza, grave per un plot di questo livello. A sostegno di tale tesi sono le interpretazioni degli attori (tra i quali si salva la sempre brava e qui affascinante Hilary Swank), piuttosto superficiali per l’intera pellicola o addirittura sopra le righe. Se calcoliamo che alla resa, di fronte ad un plot letterario colmo di percorsi secondari, depistaggi, ambiguità traducibili solo grazie al potere immaginifico della parola scritta, era già stato costretto David Fincher, ci facciamo un’idea di come ci si possa perdere tra le pagine del romanzo. Nonostante questo, il De Palma regista si fa ammirare in tutta la sua maestria, con piani sequenza e scene d’antologia, adducendo al film il suo tocco sublime da navigato mestierante e fuoriclasse della macchina da presa, che però gira a vuoto all’interno di un copione davvero di difficile interpretazione. Se De Palma ricalca esaustivamente il patinato universo hollywoodiano, diviso equamente tra starlette, investigatori e giornalisti, minore è il suo apporto nello sbrogliare i nodi del racconto, a partire dalla vicenda di Mr. Fuoco (Aaron Eckhart) e Mr. Ghiaccio (il protagonista, Josh Hartnett), due agenti di polizia ed ex-pugili uniti da una forte amicizia e dall’amore per l’attraente Kay Lake (Scarlett Johansson). I detective, che vivono e respirano nel sottobosco della L.A. anni ’40, rimangono ossessionati dal ritrovamento del cadavere della Dalia Nera, aspirante attricetta e prostituta occasionale, orrendamente mutilato e abbandonato in un campo. Le cose si complicano quando Bucky, nel corso delle indagini, si imbatte nella misteriosa Madeleine Linscott, ambigua dark lady curiosamente somigliante alla Dalia, con la quale intreccerà una torbida relazione che avrà ripercussioni sull’intera vicenda. La ricostruzione puntuale della Hollywoodland scintillante e grondante di promesse disattese, opera del nostro premio Oscar Dante Ferretti, e le cupe ambientazioni che dominano la maggior parte delle scene, rappresentano le componenti più suggestive di un film complesso da definire che non soddisfa sino in fondo, nonostante il tentativo del regista di citare il suo cinema più grande, accompagnando visivamente quel dramma di vite spezzate dagli interessi dell’egoismo umano. Mescolando tutti gli ingredienti in un maestoso calderone di sequenze e dialoghi impegnati, The Black Dahlia alla fine appare come un’opera estremamente ben confezionata a cui però manca il lato più suggestivo, una sorta di linearità che si perde nella confusione dei moventi gettati in pasto allo spettatore. Come se all’insieme del film mancasse una parte della pellicola, come se avessimo uno spezzone incompleto dai cui fotogrammi ci apparisse nuovamente il volto seducente di Elizabeth Short, per trasmetterci il suo senso di inquietudine. Una sensazione così struggente, beffarda e infinitamente degna della Dalia Nera.

SimOne

BASKET: Virtus Roma 93 - Phoenix Suns 100

2006-10-08T18:52:00.000+02:00

Abbiamo assistito con i nostri occhi ad uno spettacolo e ne siamo rimasti estremamente soddisfatti. La NBA è questo, uno show all’interno del grande palcoscenico della pallacanestro. Era dal lontano 1989, tempi del Mc Donald’s Open che in Italia non arrivava una franchigia della National Basketball Association, ma l’altro ieri di fronte ad un Palalottomatica strapieno, la Virtus Roma ha affrontato e perso onorevolmente contro i Phoenix Suns (squadra al vertice della Lega) guidati da coach Mike D’antoni, che schierava in campo solo due del trittico delle meraviglie: Steve Nash (2 volte MVP), Shawn Marion e Stoudemire. Quest’ultimo, dopo l’intervento al ginocchio che gli ha fatto saltare un intero anno, lasciato precauzionalmente in panchina, a meno di un mese dall’inizio della regular season 06-07. Lo Europe Live Tour a Roma, coinciso nemmeno troppo fortuitamente con l’ingresso nella lega professionistica americana di Andrea Bargnani e voluto fortemente dal sindaco di Roma Veltroni e dal commissioner della NBA Stern, ha portato grande entusiasmo nella capitale, la cui enfasi cestistica è stata pari ai fischi rivolti alle pessime decisioni arbitrali che hanno alzato la temperatura nel palazzetto, nonostante l’amichevole e lo sfoggio di grande spettacolo portato dai soli dell’Arizona, team che per l"occasione ha sfoggiato un tricolore sulle maglie da gioco. Il match: le stelle NBA vogliono la vittoria, Hawkins e Bodiroga vogliono invece regalare spettacolo al pubblico, anche se per il canestro bisogna ripassare più tardi. Meglio Giachetti in cabina di regia e Moiso in post basso, ma il potenziale da fuoco dei Suns è troppo e così la Virtus si è arresa, giocando e divertendosi, tra un intermezzo e l’altro delle cheerleader arancioviola. Tra un time out e l’altro anche la standing ovation per Bill Russel, ex centro difensivo dei Boston Celtics, vincitore di 11 titoli NBA in 13 stagioni, acclamato dal pubblico e comodo in tribuna a godersi lo spettacolo. Proprio così, nonostante qualche eccessivo momento di silenzio (il basket non è purtroppo il calcio in Italia) l’incontro tra i Suns e la Lottomatica doveva essere una festa per tutti gli appassionati e così è stata. Sino in fondo alla retina.

simulescion3

Festa romana del Cinema!

2006-10-04T19:51:00.000+02:00

Arriva a Roma, dopo varie polemiche, la 1° Festa Internazionale del Cinema, che si avvarrà attraverso un concorso da vero festival della presenza di numerose star, ma anche di quei divi che sono in ascesa: per 10 giorni si respirerà aria di celluloide qui in città...

LE SEZIONI DELLA FESTA:

Cinema 2006: opere inedite di autori di tutto il mondo. Una giuria popolare di cinquanta spettatori (tra cui SimOne), coordinata da Ettore Scola, assegnerà il premio per il miglior film – con un riconoscimento di 200.000 Euro – oltre a quelli per la migliore interpretazione femminile e maschile. La sezione comprende film in Concorso e Fuori Concorso. Le proiezioni ufficiali si svolgeranno nella Sala Sinopoli dell’Auditorium.

Première: serate di gala dedicate a grandi anteprime internazionali alla presenza dei loro protagonisti, autori ed interpreti, coinvolti in un dialogo pubblico sul mestiere del cinema. Le proiezioni ufficiali si terranno nella Sala Santa Cecilia dell’Auditorium.

Eventi Speciali: uno spazio particolarissimo alla celebrazione di quel cinema che, pur mantenendo intatta una forte impronta autoriale, si offre al pubblico assumendo le forme più amate dagli spettatori, sfiorando il cinema di genere per raccoglierne gli elementi più appassionanti, raccontando storie avvincenti e dense di emozioni.

Extra: sezione multiforme che riunisce lavori diversi per formato e linguaggio ma con una comune attitudine alla sperimentazione. Dai documentari alle opere che sconfinano nella videoarte, dall´animazione in computer grafica al panorama videomusicale. Le proiezioni si terranno nella Sale Petrassi e Teatro Studio dell’Auditorium.

Alice nella Città: un “festival nel festival” per gli spettatori più giovani, bambini e adolescenti. I film in concorso sono divisi in due categorie: “K12”, per ragazzi dagli 8 ai 13 anni e “Young Adult” per piccoli adulti dai 14 ai 17 anni. Le proiezioni ufficiali si svolgeranno nelle Sale Sinopoli e Petrassi dell’Auditorium.

Il lavoro dell’Attore: omaggio ai grandi protagonisti dell’arte della recitazione, un percorso dedicato ad una scuola d’interpretazione fatto di film, laboratori, workshop e incontri, ma anche un omaggio dell’intera città di Roma all’arte di un grande attore contemporaneo. Due le retrospettive: Omaggio a Sean Connery. Festa del Cinema Acting Award 2006: tredici film interpretati da Connery e scelti dall’attore insieme alla direzione della Festa e The Actors Studio, gli anni ’50, una selezione dei migliori film prodotti dalla scuola di recitazione Actors Studio.

New Cinema Network: In collaborazione con il Tribeca Film Festival, undici opere prime. Non solo una sezione ma anche un progetto: realizzare un circuito che aiuti alcuni talenti del nuovo cinema indipendente a trovare i finanziamenti per il loro secondo lavoro. Le proiezioni ufficiali si svolgeranno nella sala del Cinema Metropolitan.

Marcello Mastroianni: la Casa del Cinema omaggia Marcello Mastroianni a dieci anni dalla sua scomparsa con una retrospettiva composta da 47 film interpretati dal grande attore. Ogni sera, dal 12 al 21, le proiezioni verranno introdotte da attori e registi che hanno lavorato con Mastroianni.

Serate Italiane: la Festa di Roma intende segnalare con una rassegna alcune opere assolutamente inedite del nuovo cinema italiano, proponendo una vetrina pensata appositamente per fare incontrare gli autori con il loro pubblico naturale. I film previsti per questa rassegna sono: Ayity Namken di Claudio Del Punta, Cover Boy: l´ultima rivoluzione di Carmine Amoroso, Saremo film di Ludovica Marineo, Sfiorarsi di Angelo Orlando e Un amore su misura di Renato Pozzetto.

simulescion3

Qualcosa è cambiato?! - parte 2°

2006-09-28T14:18:00.000+02:00

(eccomi durante l'intervista al premiato regista di Un Amore, Gianluca Maria Tavarelli)

Un gruppo eterogeneo di aspiranti critici cinematografici, diversi per età, cultura, gusti ed esperienze si è messo con impegno per organizzare in questo mese di settembre una rassegna cinematografica che riflette sul cinema del cambiamento.
“Qualcosa è cambiato?!” è il titolo di questo minifestival organizzato dai Critici Selvaggi in programma dal 21 al 1 di ottobre presso il Circolo degli Artisti (via Casilina Vecchia, 42 tel. 06.70305684), inaugurato la scorsa settimana dagli interventi del regista (presente anche all’ultima Mostra di Venezia) Gianluca Maria Tavarelli e dai fondatori della scuola di Cinema Sentieri Selvaggi di Roma, prima della proiezione di Un Amore dello stesso Tavarelli e del corto di Chris Marker, La Jetee.
Perchè “Qualcosa è cambiato”? Perchè qualcosa prima o poi cambia sempre e comunque; perché tutto attorno a noi - e in noi - è un work in progress continuo. Perché da tutti i vari punti di vista possibili e immaginabili (e potrebbero essere infiniti, provateci) il cambiamento è un'urgenza che tocca da vicino ognuno di noi, chi più chi meno, indipendentemente da età, esperienza di vita, pensiero politico, situazione socio-economica, livello culturale e così via...
Il cambiamento e lo scorrere inarrestabile del tempo unito alla continua ed estenuante ricerca (intesa a 360°) è un'urgenza comune e sentita da molti. Con le sue mille e più sfaccettature e sfumature, il cambiamento ci attraversa - e ci cambia appunto. A volte neanche ce ne accorgiamo, a volte invece ne siamo travolti nostro malgrado; altre ancora lo aspettiamo con ansia ma non arriva; altre, infine, si rivela essere solo un'illusione momentanea. E poi può accadere che un gruppo di sconosciuti, divisi da mille barriere (età, pensiero politico, cultura, gusti ed esperienze), si incontrino - o scontrino, dipende sempre dai punti di vista - per caso o per fatato destino, senza essersi scelti o cercati ma essendosi semplicemente trovati. Indifferenti e sospettosi l'uno verso l'altro , poi col tempo - a dimostrazione che è proprio il tempo a muovere i fili di ogni mutamento - l'avvicinamento.
Il programma che proseguirà nelle serate del 29 e 30 Settembre per terminare con la serata di Domenica 1 Ottobre, riserva comunque piacevoli sorprese con una non comune scelta di opere non facilmente reperibili su grande schermo, insomma un’opportunità per chi vuole riscoprire o vedere per la prima volta film che da tempo non si trovano più al cinema o non vi sono mai passati.

SimOne

BASKET: In principio fu il jump shot

2006-09-23T19:21:00.000+02:00

Il povero ragazzo non sapeva più che pesci prendere.
Nonostante avesse una visione di gioco fuori dal comune e la capacità di eseguire splendidi passaggi, quel maledetto difetto non riusciva ad eliminarlo, e c'è da dire che si allenava per farlo.
Anche quando entrò nella lega alcuni continuavano a chiamarlo Ason, invece che Jason, e fu soltanto anni dopo che uno dei più grandi playmaker nella storia dell' NBA riuscì a riappropriarsi della J... la J di Jump Shot, il tiro in sospensione.
Jason Kidd è soltanto il caso più eclatante di come la mancanza di un fondamentale possa perseguitarti nonostante magari tu sappia fare tutto il resto (punti rimbalzi assist difesa), così come Kidd sa fare ( l'aneddoto è ripreso dalla canuscenza cestistica di Federico Buffa, guru del basket). Il tiro in sospensione signori, è la sintesi suprema di come una persona sia predisposta al basket; vale a dire la sua inclinazione, il suo modo di viverlo e il suo modo di concepirlo.
Se sono perfetto stilisticamente e dalla dinamica infallibile (Ray Allen) vuol dire che la buona esecuzione per me vuol dire successo, e mi adopero per questo; se invece mi invento un mio modo di eseguire perchè convinto che segnerò a raffica (Reggie Miller), quasi me ne frego dello stile..a me interessa solo segnare.
Se infine riesco ad unire la meccanica omicida con lo stile sontuoso allora mi chiamo Michael Jordan o Kobe Bryant.
That 's it ladies and gentlemen, niente di più e niente di meno... il tiro in sospensione una volta era come il rimbalzo: dominava la partita. Ecco perchè chi ormai è dotato del classico middle range, quindi dai 4 e 5 metri, può permettersi in talune partite ( se è la sua arma più forte..tipo Rip Hamilton ), o in tutte le partite ( Kobe Bryant ) di salire in cattedra e dare la buonanotte a tutti, qualora si parli di ripetute prove di efficacia, non di sporadiche esibizioni balistiche.
In alcune partite può capitare di vedere anche i più collaudati sistemi di gioco vacillare difronte ad una difesa aggressiva, e mentre osserviamo rapiti il dramma di giocatori impantanati in una zonaccia 3-2 con magari un lungo atipico in punta a rompere i maroni ai tiratori, eccolo li a volte, spuntare come per magia l'uomo che rispetto agli altri non parla solo la lingua del tiro da tre o del tiro nel traffico, ma sa dire anche " jump shot "!! Inutile dire che l'allenatore sbava letteralmente nel vedere il Nostro che infila un jump shot dopo un altro, e proprio non c'è nessun aggiustamento difensivo che tenga, che lo si lasci tirare o ci si infili nei suoi pantaloncini con una box and one, quando hai la terza dimensione del middle range sei praticamente imbattibile...e se hai dalla tua anche il dono del "on fire", cioè il giocatore da striscia, ecco là che l'allenatore stappa lo spumante in panchina, scambiando un tuo compagno seduto a giocare a briscola per una playmate di Hugh Heffner. Avevo un allenatore una volta che amava ripetere " ragazzi il basket è semplice, siete voi che lo complicate ", il modo in cui lo diceva non era esattamente questo..c'era qualche "porca troia " di mezzo, ma il succo resta: il basket è semplice.
Ed è più semplice imparare a tirare dai 4 metri che dai 6,25 o dai 7,15...questo poco ma sicuro!
Così se avrete mai una J nel vostro nome state sicuri che la pronunceranno sempre.

Scion

CINEMA: La Hollywood del mito

2006-09-20T13:34:00.000+02:00

TRA STORIA E ATTUALITA’...

Finché non gli arrivi di fronte, non ti rendi bene conto della sua importanza. La scritta giganteggia sulla collina, affacciandosi maestosa sulla città degli angeli. Hollywood rappresenta molto più di quello che rivela a prima vista: da decenni ormai cela con la sua insegna protettiva, ogni traversia affrontata dalla fabbrica dei sogni. I film, infatti, sono ciò che ha permesso a Los Angeles di venire alla luce. Interi capannoni costruiti nel deserto della California, divenuti, per il loro appeal economico, prima industrie, poi quei grandi studios destinati a cambiare il volto della realtà su pellicola. Così quando ad est della città rimani ad ammirare ciascuna delle nove enormi lettere, viene naturale riflettere sul cinema come pura forma d’arte, la settima.
Tale definizione non potrebbe esser più appropriata se pensiamo a come appare Los Angeles oggi. Una metropoli priva di alcun fascino urbano ed architettonico, che emana una ricchezza che non gli appartiene più, il riflesso aureo della stagione dei grandi divi. Dal monte Olimpo, osservandola bene si capisce che lo spropositato benessere deriva essenzialmente dal turismo, attirato da entusiasmi da fiction e dalle magnifiche spiagge oceaniche, ossia tutto ciò che L.A. può offrire. Il glamour, il kitsch e il barocco fanno parte di una superficie patinata, che tenta di nascondere il poco che vi rimane sotto. Perché un poco c’è, a partire dai lunghi e famosi vialoni (il Sunset e il Santa Monica boulevard), agli effervescenti quartieri da soap (Bel Air, Beverly Hills), per arrivare al prestigioso college universitario (Ucla). Ma poi? Il discorso, dunque, torna sempre all’origine ed è qui che troviamo il merito: dal niente si è arrivati a questo, dal deserto si è costruita per necessità l’immagine esatto contrario di ciò da cui essa dipende, il cinema appunto. Dove esiste veramente quella magia che ciascuno si aspetta, che è la possibilità di incontrare un attore mentre fai shopping od assistere alla celebrazione del settantenario del più amato personaggio Disney, mentre cammini lungo la Walk of Fame. E per chi come me è un amante del grande schermo, va da se che il cuore pulsante del cinema si trova proprio qui, a partire dall’incrocio tra LaBrea e l’Hollywood boulevard.
Per rendere accessibili ai terrestri gli immensi set che circondano Los Angeles, gli studios da qualche anno promuovono visite guidate al loro interno, cercando così di placare l’avida sete dei curiosi turisti. Nonostante i prezzi siano appropriatamente alle stelle, il flusso di pellegrinaggio è continuo. Visitare la Warner Brothers, la Paramount o la Columbia, però, non è come andare al parco giochi, come peraltro propone la Universal. Infatti il giro, della durata di un paio d’ore, può risultare monotono e talvolta noioso, specie se le guide all’interno del parco, si esaltano per un nonnulla (vedi “cicca di sigaretta per terra fumata da Humphrey Bogart”) o con tutta la naturalezza del mondo ti dicono, indicando un complesso di edifici, che la Gotham City di Batman è la stessa Chicago del telefilm E.R. Ma questo fa parte della messinscena di celluloide, perché come capita sempre più spesso anche da noi, i serial tv ormai stanno prendendo il sopravvento sulla produzione filmica. L’altro aspetto, che però ai più sfugge, è la costosa impresa che equivale a girare un film, di cui i set non sono altro che le ceneri primordiali, i cantieri dove l’arte prende vita. A questo punto della riflessione, qualcuno potrà sentirsi scoraggiato, decidere che poi il cinema in Italia non è poi così messo male, sentir vacillare le proprie convinzioni in materia.
Già, qualcuno, ma non la maggior parte delle persone, perché ci sono ancora molti che, nonostante sappiano quali siano le regole del gioco, hanno (giustamente) voglia di lasciarsi trasportare dalla fantasia, sentirsi liberi e felici dietro lo schermo.
E’ proprio per questo non si interromperà mai il flusso dei visitatori laggiù nel deserto e per questo motivo non si esauriranno mai le file davanti ai botteghini. Perciò se chiedessimo a una persona qualunque quale sia il suo tempio cinematografico, non dovremmo stupirci se la risposta fosse la solita, se senza pensarci ci dicesse Hollywood: è solo lì che la realtà incontra l’immaginazione.

SimOne

Ragione causa dell'evoluzionismo

2006-09-16T15:48:00.000+02:00

....digressioni...

“Io ho bisogno di credere che qualcosa di
straordinario sia possibile...!”
(A beautiful mind, 2001)

Origine dell'universo: evento postulato dalla teoria cosmologica standard a cui si fa risalire la comparsa della materia e dell’energia esistente. Tale energia è evoluzione, continuo ed indissolubile cambiamento. Porre a terra i limiti dell’immaginazione significa esplorare le teorie della secolare conoscenza umana.

Kant elaborò tale chiave di volta nella sua Critica della ragion pura (1781). In quest’opera egli esaminò i fondamenti e i limiti della conoscenza umana per delineare un approccio epistemologico capace di legittimare razionalmente le conquiste della scienza moderna. In modo simile ad alcuni filosofi precedenti, Kant differenziò le modalità del pensiero in giudizi analitici e giudizi sintetici. In essa Kant afferma che è possibile formulare giudizi sintetici a priori (Ogni cambiamento ha una causa), ossia giudizi fecondi dal punto di vista conoscitivo, ma nel contempo universali e necessari. Questa posizione filosofica è comunemente nota con il nome di “criticismo trascendentale”. Descrivendo il modo in cui questo tipo di giudizio è possibile, Kant distinse tra i "fenomeni"(dal greco phainómenon, ciò che appare), vale a dire gli oggetti per noi, in quanto sono conosciuti dall'uomo e si collocano nel mondo dell'esperienza sensibile, e le cose in sé, cioè gli oggetti considerati a prescindere dalle modalità in cui appaiono e sono visti dal soggetto conoscente.

L’approccio a queste considerazioni non può che rivelarsi logico e necessario in rapporto al pensiero che nella ragione dei lumi, il raziocinio dell’essere pensante (il simbionte cognitivo) assume i contorni di un velo da superare e ammettere.

simulescion3

MUSICA: Gli Aerosmith di nuovo on stage

2006-09-14T13:08:00.000+02:00

Quando Joey Kramer, il batterista appena aggiunto al gruppo propose di diventare un “mito dell’eros” furono in pochi quelli a dargli retta. Era il 1970 a Boston, l’anno in cui, dalle ceneri della Jam Band e dei Chain Reaction, nacquero gli AEROSMITH. Steven Tyler, Joe Perry e soci vantano una carriera lunghissima e soprattutto l'ingresso nella Rock and Roll Hall of Fame. Prima del loro esordio nel 1973 con l’album omonimo hanno consolidato il gruppo suonando nei locali e dormendo tutti nella stessa stanza di un hotel. Hanno raggiunto lo status di greatest rock band con brani che uniscono Rhythm and Blues con Hard Rock d’autore. Dopo la malattia di Steven Tyler, stavolta ad avere a che fare con la cattiva sorte è Tom Hamilton, il bassista della formazione, a cui hanno diagnosticato un tumore alla gola. Hamilton ha già completato il primo ciclo di cure e starebbe relativamente bene ma il suo posto nella line-up, per la parte iniziale del tour congiunto con i Motley Crue, sarà preso da David Hull, amico di Joe Perry. Il tour del nordamerica (come sempre, quando mai in Europa?? Tanto i giapponesi di rock non capiscono nulla…) “Route of all evil” degli Aerosmith inizierà dal New Jersey il 14 settembre. Contemporaneamente, e in attesa del nuovo album, gli Aerosmith pubblicheranno un nuovo best of il prossimo 16 ottobre, che conterrà due brani inediti, intitolati “Devil's Got A New Disguise” (il titolo dello stesso best) e “Sedona Sunrise”, versione rimasterizzata di una demo registrata ai tempi di Pump (1989).

«Il nostro segreto? Fottercene di tutto e di tutti...! Delle mode, dei trend, e delle band messe insieme da manager e case discografiche. Ma chi se ne frega! Tanto quando loro saranno alla frutta, noi saremo ancora in giro per il mondo a riempire gli stadi!»
Sappiamo bene quant'è vero. AlwaysAerosmith

SimOne

Venezia .63

2006-09-10T19:54:00.000+02:00

Leone d'Oro al cinese Jia Zhang-Ke con il suo "Still Life"

Al termine della 63esima edizione della Mostra Internazionale d'Arte Cinematografica di Venezia, ecco l'elenco completo dei premi assegnati:

LEONE D'ORO Jia Zhang-ke per Still Life
LEONE D'ARGENTO PER LA MIGLIOR REGIA Alain Resnais per Private Fears in Public Places
LEONE D'ARGENTO SPECIALE COME RIVELAZIONE DEL FESTIVAL Emanuele Crialese per Nuovomondo
PREMIO SPECIALE DELLA GIURIA Mahamat-Saleh Haroun per Dry Season
COPPA VOLPI PER LA MIGLIORE INTERPRETAZIONE MASCHILE Ben Affleck per Hollywoodland
COPPA VOLPI PER LA MIGLIORE INTERPRETAZIONE FEMMINILE Helen Mirren per The Queen
PREMIO MARCELLO MASTROIANNI A UN GIOVANE ATTORE O ATTRICE EMERGENTE Isild Le Besco per The Untouchable
OSELLA PER LA MIGLIORE SCENEGGIATURA Peter Morgan per The Queen
OSELLA PER IL MIGLIOR CONTRIBUTO TECNICO Emmanuel Lubezki per I figli degli uomini("Per la miglior fotografia")
PREMIO LUIGI DE LAURENTIIS PER UN’OPERA PRIMA Jessica Woodworth e Peter Brosens per Khadak
PREMIO ORIZZONTI Liu Jie per Mabei shang de fating
PREMIO ORIZZONTI DOC Spike Lee per When the Leeves Broke. A Requiem in Four Acts
LEONE D'ORO ALLA CARRIERA David Lynch

simulescion3

CINEMA: Slevin - Patto criminale

2006-09-08T09:42:00.000+02:00

Non sempre puntare sul cavallo vincente porta bene. Specialmente se il cavallo in questione si chiama Slevin, come il Josh Hartnett protagonista del film diretto dal sottovalutato regista scozzese Paul McGuigan. E il prologo di Lucky number Slevin affina con denso rigore questa regola non scritta. Patto Criminale, il sottotitolo italiano, è un perfetto meccanismo ad incastri, dove il noir riscopre il pulp e fondendosi assieme generano un gangster movie riveduto e corretto alla maniera moderna. Lontano dai soliti appellativi tarantiniani, etichette appiccicate ad un genere che partendo dal capostipite (Quentin) ha dimostrato di nutrire una notevole schiera di autori, l’opera di McGuigan appare lo specchio di un genere narrativo che fa della vendetta la sua portata principale.
L’uomo sbagliato al momento sbagliato è solo un pretesto per introdurre lo spettatore in un vortice di equivoci e situazioni al limite del farsesco che seducono e ammaliano, attraverso il forte charme emanato dai grandi interpreti della pellicola. Quelli sì, ognuno al proprio posto, dal sicario Willis, al boss Freeman, dal rabbino Kingsley alla coroner Liu, fino allo sventurato protagonista, un apprezzabile Hartnett. Il film ha due anime, il cuore e il cervello, separate nettamente come lo scorrer del racconto, che prima distoglie l’attenzione e poi affonda la sua lama noir nella morbosa curiosità di chi osserva stupito la mossa "Kansas City": ti volti da una parte, mentre ti fregano dall’altra. Ovviamente tutto ruota attorno ad un plot estremamente coinvolgente e quantomeno grottesco, che partendo da un campo lunghissimo di un comune aeroporto a stelle e strisce prosegue con lo scambio d’identità di un ragazzo, Slevin appunto, che vedrà la sua vita deragliare verso circostanze composte da momenti drammatici ed altri prettamente ironici e tipici del pulp d’autore.
Il giovane talento Jason Smilovic, autore di alcune apprezzate serie tv made in USA, firma la sceneggiatura di questo thriller originale e dal colpo di scena in agguato, il quale punta molto sul magnetismo dei dialoghi serrati. Flashback ed eventi in tempo reale si contrappongono con sorprendente efficacia, ogni piccolo dettaglio filmato è un elemento chiave servito allo spettatore col gusto del poliziesco anni cinquanta a cui si ispira dichiaratamente: quell’Intrigo internazionale girato da Hitchcock nel 1959. Arrivato a New York, Slevin, si trova apparentemente in mezzo ad una guerra fra bande rivali, “gli abbronzati” e “i circoncisi” (come afferma uno dei loschi personaggi invischiati), e non può far altro che cercare una via d’uscita a questa situazione. Patto criminale avvince sin dall’inizio e non delude mai, un film che uscito in sordina, si è poi rivelato una delle opere più solide del panorama noir e a cui McGuigan, autore anche del magnifico Gangster #1, ha saputo restituire brillantezza e dotare di una pregevole manifattura, specie nel convulso e sanguinoso finale.
Slevin prende spunto dalla nuova moda della vendette all’orientale, che negli ultimi tempi ha dilagato grazie a talenti come Park Chan-Wook, conservando però la spettacolarità del cinema americano più raffinato, dunque privo delle sparatorie e delle altre frivolezze tanto care al genere gangster. Attenzione ai particolari e precisione nella narrazione sono il cavallo di battaglia dell’intera vicenda, un cavallo su cui stavolta è facile puntare una volta usciti dalla sala.

“Non sono Nick Fisher…sono solo uno capitato nel posto sbagliato al momento sbagliatissimo”.

SimOne

Qualcosa è cambiato?!

2006-09-05T10:30:00.000+02:00

Rassegna Cinematografica (Imperdibile!!...data l'organizzazione del sottoscritto Sim1)

21 settembre - 01 ottobre 2006
-- CIRCOLO DEGLI ARTISTI -- ---
[via Casilina Vecchia, 42 - Roma]

PROGRAMMA:

GIOVEDI’ 21/9

Ore 20.30: inaugurazione della rassegna con introduzione di Federico Chiacchieri (Direttore Sentieri Selvaggi) e intervento del regista Gianluca Maria Tavarelli - gli interventi saranno preceduti da un breve estratto da Un mercoledì da leoni di J. Milius (1978)
Ore 21.00: Un Amore di G. M. Tavarelli (1998) 100’
Ore 23.00: per la sezione CORTI La Jetée di C. Marker (1961) 28’

VENERDI 22/09

Ore 20.30: Velvet Goldmine di T. Haynes (1998) 124’
Ore 23.00: Fucking Amal di L. Moodysson (1998) 89’

SABATO 23/09

Ore 20.30: L’insolito caso di Monsieur Hire di P. Leconte (1989) 80’
Ore 23.00: per la sezione CORTI 11’09’’01(Segmento “USA”) di S. Penn (2002) 11’ - tratto da 11’09’’01 di AA. VV.
Ore 23.15: La doppia vita di Veronica di K. Kieslowsky (1991) 98’

VENERDI 29/09

Ore 20.30: introduzione di Demetrio Salvi (Co-Fondatore Sentieri Selvaggi) e intervento del regista Matteo Garrone e dello sceneggiatore Massimo Gaudioso
Ore 21.00: Primo amore di M. Garrone (2003) 100’
Ore 23.00: per la sezione CORTI Vincent (1982) 5’ - proiettato in lingua originale - e Frankenweenie (1984) 25’ di T. Burton - FILM D’ANIMAZIONE; È il grande cocomero, Charlie Brown! di B. Melendez (1966) 25’ - FILM D’ANIMAZIONE

SABATO 30/09

Ore 20.30: Il mago di Oz di V. Fleming (1939) 101’ - versione restaurata e proiettata in lingua originale con sottotitoli in italiano - il film sarà preceduto da un estratto da Cuore Selvaggio di D. Lynch (1989)
Ore 22.30: Arizona Dream di E. Kusturica (1993) 119’

DOMENICA 01/10

Ore 20.30: La cosa di J. Carpenter (1982) 109’
Ore 22.30: Il pianeta selvaggio di R. Laloux (1973) 72’ - FILM D’ANIMAZIONE - il film sarà preceduto da una sequenza animata tratta da Kill Bill Vol. I di Q. Tarantino (2003)

INGRESSO GRATUITO A SOTTOSCRIZIONE...
Per maggiori info http://www.cinemorfosi.splinder.com/

simulescion3

MUSICA: John Lennon dentro e oltre i Beatles

2006-09-03T11:38:00.000+02:00

I'll get you anything my friend, if it makes you feel alright,
'cause I don't care too much for money, money can't buy me love.
(Can't buy me love, 1964)

I Beatles rappresentano con tutta probabilità uno tra i fenomeni musicali e socio-mediatici più evidenti del secolo scorso. Dal punto di vista musicale lo dimostra senz’altro la cifra di dischi venduta dal quartetto, circa un miliardo…!!, il numero di singoli entrati al primo posto in classifica, lo straordinario impatto delle loro melodie sulle influenze dei musicisti degli anni a venire, ma non solo…
Chiunque, infatti, seppure digiuno di musica, è in grado di ricordare almeno una decina di canzoni dei Beatles, e a trentasei anni dallo scioglimento del gruppo, una loro antologia vende ancora milioni di copie. Hanno rappresentato anche un fenomeno di massa mai più registrato. La Beatlemania, appunto, nasce in considerazione di quel delirio di folla urlante che accompagnava le loro esibizioni, che li attendeva all’aeroporto in occasione delle date mondiali, che faceva ore di fila davanti al negozio in attesa di comprare il loro nuovo disco .., cose che adesso non sono neppure lontanamente immaginabili anche per la più grande rock band del momento. Ogni loro affermazione appena fuori dalle righe riempiva pagine di giornali, un certo taglio di capelli o un determinato tipo di scarpe venivano definiti “alla Beatles”. Insomma, se si pensa ai “mitici” anni 60, sicuramente i Fab Four sono tra le prime cose che vengono in mente. Senza contare che ancora oggi una loro registrazione perduta e miracolosamente recuperata, oppure qualche pagina del diario che qualcuno di loro annotava saltata fuori per caso scatena l’attenzione dei giornali, e, come ovvia conseguenza, dei lettori. Se dal punto di vista musicale, pur essendo stato fondamentale George Harrison e per certi versi necessario Ringo Starr, si può affermare che l’anima del gruppo siano stati congiuntamente Lennon e McCartney, sotto altri aspetti la figura di John Lennon è stata cruciale.
Lennon caratterizzava l’immagine del gruppo anche per tutto ciò che andava al di là dell’ambito meramente musicale. Dotato di una personalità enigmatica, accentuata da un’infanzia non particolarmente serena, e al tempo stesso di una notevole sensibilità, riusciva ad essere unico in ogni sua manifestazione.
Buffo e spesso sarcastico ai limiti dell’irriverenza, basti pensare a molte delle interviste rilasciate anche all’indomani del titolo onorifico che il gruppo ricevette dalla Regina d’Inghilterra (titolo a cui, tra l’altro, Lennon rinunciò qualche anno dopo), era anche autore dei testi più interessanti della loro discografia.
Le sue dichiarazioni spesso lasciavano interdetti i giornalisti, ma a volte i suoi stessi fan. Memorabile la reazione del pubblico ad una delle sue frasi più celebri, quella che affermava che i Beatles erano più famosi di Gesù Cristo. Il Ku Klux Klan minacciò di morte i quattro musicisti, che raccontarono in seguito di avere avuto timore ogni volta che salivano su un palco per esibirsi (per loro stessa ammissione uno tra i tanti motivi per cui smisero di li a poco di fare concerti).Fu effettuata una campagna di boicottaggio della loro musica da parte di alcuni fondamentalisti cristiani e alcuni gruppi di fan bruciarono i loro dischi in strada.La sua spiccata personalità artistica era riscontrabile anche nei mutamenti di indirizzo che la band subì nel corso degli anni, e di cui era più manifesto esponente di quanto non lo fosse il suo alter ego compositivo, Paul. Non è infatti un caso che molti degli esperimenti musicali che poi portarono i Beatles ad una nuova dimensione stilistica, quella della maturità, siano stati dovuti inizialmente a lui. Ma la sua ecletticità nascondeva anche dei lati oscuri. Racconta Paul McCartney che quando, verso la metà degli anni sessanta, si cominciò a parlare degli effetti dell’LSD sulle percezioni sensoriali, Lennon fu il più eccitato dei quattro all’idea di provarli. La stessa decisione di smettere di fare concerti già nel ’66 è da attribuirsi principalmente alle insistenze di Lennon, anche se fortemente appoggiato da Gorge Harrison. E poi, naturalmente, la parola fine sui Beatles. Yoko Ono infatti, seconda moglie di Lennon, è tra le ragioni principali della rottura del gruppo. Ricordano i restanti membri che John non potesse fare a meno della presenza di Yoko, motivo per il quale la stessa partecipava alle prove del gruppo all’interno della sala prove, cosa che non era mai stata permessa a nessuno, e che creava, come gli stessi raccontano, forte attrito tra loro. Almeno un anno prima che McCartney annunciasse lo scioglimento del gruppo, Lennon era entrato in un’ulteriore nuova dimensione, quella che lo portò a rappresentare il simbolo del pacifismo negli anni bui della guerra in Vietnam, e che contribuì, insieme con la tragica e prematura scomparsa, a farne, più di Paul, George e Ringo, un mito oltre il mito.

Saverio (simulescion3)

BASKET: Fine di una credenza

2006-09-01T20:52:00.000+02:00

Usa Grecia 95-101
Stati Uniti: la patria del basket.
Fino a dieci anni fa bastava questa definizione per far venire la pelle d'oca agli appassionati seguita da un inspiegabile timore reverenziale, causato con tutta probabilità dalla recente apparizione sulla terra di quegli alieni che componevano il dream team del 92. Ora, 14 anni dopo quell'incredibile Olimpiade, gli Stati Uniti non sanno più vincere. E non vincono da 6 anni ormai. Gli americani sanno benissimo perché perdono, ma da orgogliosi quali sono, non lo ammetteranno mai...e così continueranno a perdere. Perché se coach Krzyzewski ammette che “in campo internazionale abbiamo ancora molto da imparare” e il suo vice D'Antoni non può che assentire, è anche vero che dalle labbra di LeBron James (Lauro..si pronuncia LeBron, non LiBron...e Pau Gasol è spagnolo, non inglese...e Wizards non vuol dire Ribelli..) o da quelle di Dwayne Wade o Carmelo Anthony, cioè i 3 capitani, non è uscita nemmeno mezza parola sull'argomento. Anzi. Anthony ha addirittura ammesso di essere shocked, ma anche che questa “non è la fine del mondo”, che di per se è giustissimo, ma tra le righe si legge tranquillamente “siamo sempre noi i migliori”. E questo invece è sbagliato.Sono si i migliori...ma in America.
Nelle competizioni internazionali contro squadre Fiba, sono forti, non i migliori. Il difetto è la mentalità (poichè chiariamoci: se gli americani fossero meno supponenti e preparassero veramente bene le competizioni internazionali non ce ne sarebbe per nessuno), anche perchè non c'è nessun Jordan nella selezione (checchè se ne dica di Wade…per favore.) e l'unico che poteva da solo risolvere la situazione è rimasto a casa....non faccio nomi. Sarebbe paradossalmente fin troppo facile analizzare gli aspetti tecnici di cui deficitano gli americani, così come è ancora paradossale vedere uno con i mezzi fisici di James o Wade non riuscire a fermare nemmeno con lo sgambetto quei fulmini di velocità dei greci... le basi del basket: allarghi le gambe, abbassi il baricentro, mano sulla palla e scivolamento laterale.Ecco perché persino il Portorico ha segnato 100 punti a questa nazionale!Eppure in NBA gente che difende c'è eccome, solo che essendo perlopiù scarsa in altri ambiti non viene convocata…e intanto la nazionale non è più sul trono del mondo da anni.Secondo chi scrive la via da seguire è una soltanto: convocare tra i migliori coloro che hanno più attitudine per il gioco puro, e più spirito di abnegazione (perchè caro Wade, lo spavaldo lo puoi fare solo quando vinci..) e torneranno a vincere tranquillamente.Per finire ho un paio di sassolini da togliermi dalle scarpe (tranquillo Lauro ne ho anche 4 you):
1- Qualcuno ha spiegato a James che per essere duri non occorre fare soltanto le facce brutte?
2- Ma James non era il profeta, Dio sceso in terra, l'uomo che non si può fermare etc?..mah.
3- Allora è vero che Wade ha comprato i giornalisti per scrivere che il suo tiro dalla media era diventato automatico..
4- Bonamico, non stiamo all'osteria con un grappino in mano...sei sulla Rai, regolati con le scempiaggini.
5- Lauro..Lauro..che dire ormai ? tutto è già stato scritto, tutto è già stato detto..comunque è scevro di ogni dubbio che la Rai se ne freghi della promozione del basket..altrimenti avremmo il buon Bagatta!
Cari lettori scusate l'improfessionalità di questo articolo, ma non avrei mai potuto esprimere degnamente ciò che mi tengo dentro dall'inizio del mondiale senza usare questi toni un po’...coloriti.
Dalla prossima torno nei ranghi.

Scion

CINEMA: La terra dei (registi) morti viventi

2006-08-30T11:44:00.000+02:00

La landa di nessuno che propone il titolo è quella piatta della recente ondata filmica che ha travolto le sale internazionali. Una mareggiata di pellicole senza idee che hanno condotto la crisi cinematografica ad assumere un respiro globale e dove, dispiace doverlo sottolineare, bisogna annoverare un’opera di presunto alto calibro: La terra dei morti viventi di George Andrew Romero. Dal film del leggendario regista degli zombi avremmo preteso non di più, ma proprio tutt’altro lungometraggio. La pellicola dal titolo originale Land of the dead era preannunciata in lavorazione da almeno otto anni e avrebbe dovuto essere il grandioso ritorno del cineasta divenuto cult negli anni ’70 grazie a La notte dei morti viventi, Zombi e Il giorno degli Zombi. L’attesa era cresciuta, le voci che circolavano parlavano di un film maestoso e angosciante, la lotta umana per la sopravvivenza in un mondo dominato dai morti che camminano. Invece….si è rivelato un film insulso, quasi un offesa in ricordo alla precedente trilogia capolavoro. Una trama banale che potrebbe esser stata scritta da qualunque regista horror sulla piazza, con dialoghi al limite del farsesco e action-splatter a dosi massicce, che alla fine suscitano più noia che brividi nel pubblico in sala. La storia narra la vita di una nuova società umana, guidata come nel medioevo da un despota-tiranno (Dennis Hopper), che crede di avere la responsabilità di proteggere la “sua” gente, ghettizzandola. Al di fuori delle barriere protettive, orde di zombi, stanchi di essere divenuti bersagli semi-mobili, sviluppano una capacità comunicativa e una raziocinante lucidità famelica, che li spingerà ad entrare nella città fortificata e mal difesa, dove riusciranno a lottare e a salvarsi solo un variegato manipolo di personaggi (tra cui non spicca l’italiana Asia Argento, figlia di Dario che insieme alle musiche dei Goblin aveva collaborato con Romero per il secondo capitolo della saga), i quali, guidati da un abile ex soldato (Simon Baker), daranno ancora speranza all’umanità devastata. Il film è un continuo rimando alla trilogia che l’ha preceduto, pieno di cliché autoironici che trovano il momento più emozionante nel cameo del sessantenne mago del make-up Tom Savini. I morti viventi, cardine attorno a cui dovrebbe girare la narrazione, assumono l’identità di una nuova “razza”, come un etnia del male che cerca la propria terra promessa, “un posto dove andare” come afferma nell’epilogo il protagonista Riley, perché ora che il mondo è da loro quasi interamente dominato, non sono più solo gli uomini a dover lottare per sopravvivere. La retorica che pervade l’intera pellicola è quella della polemica anti-americana di bassa lega, fiacca e piena di stereotipi classici del cinema dell’orrore, che, funzionano perfettamente in quel tipo d’ingranaggio, ma se accostati al cinema di Romero, specie in prospettiva di un’eventuale seconda trilogia, hanno l’effetto di far rivoltare anche i non-morti nelle loro tombe.

SimOne

Sense of humour.. parte 2°

2006-08-27T16:40:00.000+02:00

Pensieri istantanei spesso portano a riflessioni, e le riflessioni talvolta portano a scrivere.
La mano ti si muove da sola, e tutto ti appare così chiaro mentre lo scrivi, che sei portato a chiederti da quanto tempo quel pezzo di te abitasse gli antri più reconditi della tua mente..in attesa di uscire. Questo sito/blog, oltre a parlare dei 3 argomenti che sapete, si prefigge anche di dare udienza e visibilità a chi, secondo l'insindacabile giudizio della redazione, è meritante di cotanti privilegi (si fa per dire ovviamente). Alessandro Bagnati alias Johnny (nonfaniente.blogspot.com) non è soltanto un bravo e capace ragazzo, ma è anche, secondo il nostro giudizio, un interessantissimo scrittore di mini racconti, nei quali la sua vena pulp e la cadenza cinematografica sono così ben delineate da far si che la redazione ci si rispecchi perfettamente. AVVERTENZE: si prega di leggere il seguente racconto di un fiato e senza perdersi in pensieri se non quelli che vengono richiamati dal naturale svolgimento del racconto stesso, così ve lo gustate di più.
BUONA VISIONE!

PISTOLA

In vita mia ne ho baciate di bocche, di corpi sudati, caldi, percorsi da brividi come fossero sottoposti ad elettroshock. In realtà non sono una puttana, pur avendo sempre agito su costrizione del mio feroce padrone. Ora, con la mia bocca, sto sfiorando una guancia irta di peli di barba ruvidi al tatto, è la barba di un uomo al contempo spaventato e rassegnato, consapevolezza propria solo di chi sa che la sua morte è vicina e non può far nulla per ritardarne il momento. Nonostante ciò, quell'uomo sprigiona ancora energia, calore epidermico; me ne accorgo soprattutto ora che il mio corpo è ancora freddo come può essere un pezzo di metallo limato. E' buffo: ogni volta che mi piazzano i proiettili nello stomaco dovrei provare un certo solletico, ma ora niente; non riesco ad avere alcuna reazione. Prima, anni fa, ogni volta che sentivo esplodere dal mio ventre la pallottola che poi vomitavo alla velocità della luce sulla faccia di qualcuno, provavo una certa emozione: tra la reazione fisica del passaggio da freddo a infuocato e i complimenti che biascicava il capo mentre mi soffiava sulle labbra fumanti, credevo di aver compiuto un gesto nobile. Ora non è più così: non riesco a non rendermi conto di essere un arnese che reca dolore, apre ferite, causa morte. E da quando ho appreso il mio triste compito non posso più rallegrarmi. Dannato bruto: ogni volta che ti congratuli con me per esserti stata fedele per l'ennesima volta, il sussurro delle parole che escono dalle tue luride corde vocali, le stesse identiche parole di sempre che un tempo mi facevano sentire importante, fa ardere in me la voglia di essere gettata in un fiume. Bang. "Brava, Wessy!"Man mano che mi avvicino all'uomo seduto sulla sedia di legno alla quale sono saldamente legati mani e piedi il suo sguardo si fa sempre più dilatato, il respiro diventa più profondo e ritmato da violente inspirazioni ed espirazioni, che forse sono il riflesso incondizionato di chi vuole incamerare per l'ultima volta la preziosa risorsa chiamata aria. Stavolta non voglio che vada a finire come le altre. Devo oppormi, devo fermarlo, devo salvare questa vita umana. Devo, devo, devo. Ma non posso. Il copione è lo stesso. Bang. "Brava, Wessy."La mia vita è questa e non riuscirò a cambiarla.

Non fa niente.

simulescion3

Sense of humour..

2006-08-26T13:24:00.000+02:00

Shark Attack 3 - Megalodon (2002)
Quando il cinema di tendenza incrocia l’intrattenimento non sempre i risultati sono ottimali. Subentra l’incanto della trasgressione e la seduzione tipica della sciatteria. Ecco che l’arte sublima in volgarità, il trash prende il sopravvento e chi si ritrova di fronte allo schermo non può far altro che rimirare tale orribil orpello audiovisivo. La zona che ruota attorno ai D-Movie (cinema spazzatura) è terra di nessuno, un tedioso angolo di nulla in cui ci si può imbattere, nella bella mostra dei supermercati che tra cianfrusaglie varie vendono questo scorcio di triste “realtà” all’esagerata cifra di 1 euro a confezione.
Noi ve ne raccontiamo uno stralcio, tratto da quell’immaginifico sito che è terrormetal.it, a cura del nostro insano amico Paolo…

Volete sapere come può un regista creare un film semplicemente rubando filmati riguardanti gli squali alla National Geographic? Allora dovete assolutamente vedere il miracoloso nonché miracolato: “Shark Attack 3…Emergenza Squali” (regia di David Worth).Una premessa è d’obbligo: nessuno qui vuole fare il purista del cinema e lungi da me voler ricercare una morale in ogni pellicola, ma qui si esagera. Partendo dal presupposto che dopo lo squalo di Spielberg, ogni tentativo di film riuscito con tale soggetto è quantomeno vano, il nostro non tenta nemmeno di conservare una qualsivoglia dignità.Certo, questo ne fa un capolavoro di demenza rendendolo quanto meno godibile ma alcuni dettagli vanno sottolineati per rendervi partecipi del disastro cinematografico.Primo: gli squali bianchi, e dio vi abbia in grazia per questo, non emettono suoni neanche se gli piazzi una bomba a campanacci nello stomaco. Cosa fa invece il nostro eroe? Non solo emette suoni, ma ne emette di orribili. Sembra un leone marino in andropausa con evidenti problemi intestinali.Secondo (e qui c’è del genio): perché considerando le infinite conoscenze hollywoodiane in materia di effetti speciali, per ingigantire uno squalo, si ricorre alla sovrapposizione di figure rimpicciolite sullo stesso? Inoltre un Megalodon (squalo preistorico di una ventina di metri) non è semplicemente uno squalo bianco ingrandito. Ci sarà qualche differenza o no? La risposta è tristemente si.Terzo e ultimo dettaglio (e qui il genio è manifesto): per quale motivo uno squalo, pur gigante, e vi assicuro che mentre scrivo non riesco a non pensare alla scena assurda, dovrebbe ingurgitare un panfilo di discrete dimensioni per intero? No, perché un motivo plausibile non c’è, e noi spettatori attoniti non possiamo far altro che prenderne atto. Insomma, capirete ben presto da dove sono venuti fuori questi squali preistorici e non è neanche necessario delineare un minimo di trama, essendo riassunta esaurientemente nei tre punti sopra citati. Il problema è questo: come potremo da oggi in poi affrontare la lunga traversata mediterranea che separa la Sardegna da Civitavecchia, senza essere dominati dalla sensazione che da un momento all’altro uno squalo gigante di rara stupidità inghiottirà il nostro traghetto senza masticarlo?
Le soluzioni sono due: o evitate di andare in Sardegna via mare…oppure, ipotesi ben più seducente, evitate di vedere questo film.

A voi la scelta.

simulescion3

CINEMA: Il ruolo dei cartoons nell'era digitale

2006-08-10T16:26:00.000+02:00

Evoluzione e cambiamento del cinema d’animazione

Dopo l’exploit del Re Leone nel 1994 il buio. L’industria del cinema d’animazione sembrava aver smarrito la vena creativa e nemmeno il colosso Disney sembrava esimersi da tale crollo verticale. Il cerchio della vita di Simba, giudicato un capolavoro assoluto, aveva allo stesso tempo rappresentato il culmine di una generazione di cartoons e il pensionamento dell’animazione 2-D. Il pubblico, non solo i più giovani, dopo decenni di film monotematici e di rappresentazioni all’eccesso di melassa, di fatto non ne poteva più, né riusciva a digerire l’immancabile favoletta natalizia, assolutamente vietata ai maggiori di 3 anni. Poi la luce. Dalla mente di quel genio che è John Lasseter nacque un progetto destinato a rivoluzionare l’animazione sul grande schermo. Lasseter, avvalendosi dell’allora sconosciuta Pixar Animations, realizzò per conto della Disney (in veste di casa di produzione) un film in cui la tecnologia digitale sopperiva alle mancanze della bidimensione. Era il 1996, anno in cui uscì nel mondo Toy Story. Le avventure del cowboy Woody e del ranger spaziale Buzz Lightyear hanno rappresentato immediatamente la novità, sia nell’immaginario collettivo di giovani e adulti, sia per il successo planetario che questo cartone animato ha ottenuto. Le grandi major, senza trascurare il valore quasi storico dei classici, individuarono nel prodotto digitale una nuova frontiera per gli incassi e cavalcarono la nuova ondata. Gli spettatori furono molto ricettivi e, pur senz’abbandonare i loro eroi dell’infanzia (chi può fare a meno di Paperino, di Crudelia Demon o del granchio Sebastian?), si spostarono gradualmente verso opere più coinvolgenti e meno drammatiche. Chi fino ad ora si è conteso la fetta di mercato, sono due dei maggiori studios d’animazione, l’immancabile Disney, portafoglio dei laboratori Pixar, e la Dreamworks del trio Geffen-Spielberg-Katzenberg, che negli ultimi anni si sono regolarmente dati appuntamento sul campo cinematografico di battaglia. Poi, eccezion fatta per lo strepitoso e letteralmente comico L’Era Glaciale, finanziato dalla 20th Century Fox, incassi ragguardevoli e grandi successi di critica e pubblico sono stati raggiunti da alcune tra le più belle pellicole d’animazione di sempre, Monster&Co. e Alla ricerca di Nemo. Il digitale ha fornito un nuovo modo di gestire i personaggi nel loro aspetto complessivo e nei loro movimenti, sostituendo le vecchie tavole a mano e addirittura la stop-motion, tecnica per cui si gira un cartone sequenza per sequenza. Esiste sempre lo storyboard, ma è divenuto solo il primo passaggio nell’elaborazione del software digitale. L’animazione del nuovo millennio ha però raggiunto definitivamente l’Olimpo nel 2001, quando l’irriverenza con le sembianze di un orco verde ha valicato i confini del politically correct dei cartoni animati, permettendosi di entrare in concorso a Cannes, uno dei più prestigiosi festival cinematografici, diventando il film-fenomeno di un’intera stagione. Shrek, grazie ai primi due capitoli di quella che sarà una trilogia, ha incarnato un’intera generazione di cartoons, divenendo il simbolo delle nuove esigenze. Esigenze, visive e sentimentali, che hanno reso un flop i pur meritevoli Koda fratello orso e Mucche alla riscossa, dando il via alla realizzazione di altri cartoni digitali, in cui storia, ambientazione e protagonisti sono il riflesso a fumetti del nostro modo di vivere o semplicemente della nostra famiglia (vedi Gli Incredibili). Il rubinetto di questa evoluzione ora è del tutto aperto, molti nuovi progetti sono in cantiere, a partire da Cars della Pixar, e presto arriveranno nelle nostre sale. Non più come cartoni animati ovviamente, ma come veri e propri film d’animazione, che potranno far concorrenza ad un Harry Potter qualunque.

SimOne

BASKET: Io e la palla a spicchi

2006-08-01T00:15:00.000+02:00

The Wizard

Andrea Bargnani: uno dei talenti romani sfornati dal Pas Don Bosco, prima scelta NBA nel draft 2006 ------------>

Con il basket ho a che fare da ormai 10 anni, ne colgo le sfumature, il non-detto e il manifestato, e tutto ciò che passionalmente gli gravita attorno.
Mio padre avrebbe preferito che imparassi a giocare a calcio, ma io –come molte altre volte in futuro- decisi di fare di testa mia e , verso la fine delle scuole medie iniziò la mia fame di basket.
Il cielo volle che me la cavassi bene subito, senza sforzi eccessivi, fatto estremamente importante quando si parla del sottoscritto e della sua manifesta riottosità nei confronti di faccende che pretendono pazienza (mai fatto un puzzle)….e questo mi permise di innamorarmi della pallacanestro.
E ne sono ancora profondamente innamorato.
Ne ho bisogno in ogni sua manifestazione, dallo stridio delle scarpe sul pavimento, fino al rimbalzare della palla e al fetore di 10 persone che corrono da 2 ore su un campo al coperto, magari in estate…l’unico rumore di cui non sento necessità è quello che fa la palla quando finisce sul ferro, perché 9 volte su 10 significa che si è sbagliato un tiro.
Dopo la parentesi della scuola media ebbi la mia seconda folgorazione….IL PAS DON BOSCO.
Il Pas era ( è? ) un centro sportivo prettamente cestistico – i campi da calcio li vicino li odiavo – costituito da tre campi regolamentari esterni ed uno un po’ più piccolo interno; lì incominciai a fare veramente sul serio, impegnandomi con una concentrazione e dedizione che raramente ho avuto in tutta la mia vita….non vedevo che il canestro e adoravo tutto quel che comportava la mia scelta, dalle fatiche alle gioie – non parlo di vittorie perché all’epoca erano veramente poche-…tanto per fare un esempio: la preparazione atletica nel tunnel era una delle pratiche sadiche preferite da Emiliano Loffredo (n.a. by SimOne: “come non ricordarselo..”), non importava che tempo tirasse, quando vedevi il tunnel speravi finisse più in fretta possibile, era massacrante. Ma divertente.
Temprante, accattivante, stimolante, gratificante, tutto ciò era il Pas e la pallacanestro per me.. e lo è ancora.
Iniziai a giocare con Corrado Innocenti , che mi prediligeva spudoratamente, cosa che faceva infuriare non poco i miei compagni di squadra…mi ricordo che iniziai a montarmi la testa, e ci pensò Emiliano Loffredo a riportarmela al suo posto, e sotto di lui ho capito veramente la profonda derivazione etimologica della parola “ fatica”.
Grazie a questi due allenatori ho appreso le conoscenze che ancora oggi, anche se ampliate e rifinite, mi consentono di divertirmi al massimo in quel che adoro fare e che forse faccio meglio: giocare a pallacanestro.
Desidero ringraziare ovviamente anche Roberto Castellano e il suo infaticabile ruolo di allevatore di giovani talenti. Un grazie anche a Marino Segnani per avermi costretto a ridurre il mio gioco essenzialmente nella difesa, per 3 anni, in modo che adesso apprezzo anche quella ( anche se non credo fosse quella la sua intenzione )…e grazie ai miei compagni del Magic, che mi hanno fatto sentire “dentro” la squadra per la prima volta in vita mia.
Ah, dimenticavo di dire che il Pas è il luogo dove ha iniziato Andrea Bargnani , prima scelta assoluta del draft NBA 2006 e ora giocatore dei Toronto Raptors. Onore al Pas, culla del Basket Montesacrino. Grazie.

Scion

Beyond my living ways

2006-07-31T13:50:00.000+02:00

DIGRESSIONI – Ripensandoci…

Scuola media. Appena squillata la campanella mi riprendo dal fantasticare. Pensieri lontani al rallentatore, che coinvolgono tappeti rossi, flash e statuette dorate. Qualcosa si sta delineando nella mia mente (e sta cambiando), ricordo che ancora non avevo un’idea ben chiara di dove queste considerazioni mi avrebbero portato. Ma non importa, non c’è più tempo per pensare, è arrivata la “sacra” ricreazione.
C’è stato un momento preciso in cui in me è scattato il fascino passionale della cinematografia, il primo passo per arrivare a quella scritta, alla critica. Attirato da una minuscola locandina sul giornale, andai con mio padre e mia cugina a vedere al cinema Ace Ventura.
Il 1994…è al termine della proiezione che è cominciato tutto.
Non è stato certo un capolavoro della storia del cinema a farmi accostare alla settima arte, anche se considero il film un capolavoro del suo genere, esplicitamente comico, e Jim Carrey un genio d’attore. E’ bastato poco a fare il salto, sintomo che in me la predisposizione era innata.
Cementificandosi questa a volte insana attrazione, mi ha portato ad esplorare tutti quegli italici recessi dove la parola cinema si annidava. Sale di doppiaggio, mostre di cinema, studi televisivi, set e conferenze stampa. Ad essa si affiancava il voler scrivere, l’impeto di scrivere e di saperne di più sul variegato argomento. Partivo dal prodotto confezionato per arrivare, attingendo dalla vastità della Rete, ad una fruizione del medium a 360°.
La crescita è cambiamento, perciò accorgendomi di essere uno spillo nell’oceano, ho ridimensionato le mie conoscenze, rivisto le mie basi e sono partito. Non di testa, ma negli USA.
Per cercare oltre, sfruttando le mie esperienze e trovare l’input che decidesse cosa fare del grande passo, nome ingannevole che indica la realtà…universitaria.
L’impatto sensoriale oltre ogni aspettativa, beyond my living ways, mi ha aperto gli occhi e quando sono rientrato sapevo.
Sapevo da dove volevo cominciare e che non sarebbe stato facile arrivare dove tutt’ora non intravedo nemmeno la meta. Però mi sono mosso dai blocchi e questo è stata una buona iniezione di fiducia. Ora spetta a me non lasciar cadere i remi.
Negli ultimi tempi ho rivisto il mio rapporto con il cinema, sempre più simbiotico e disinibito, al pari con le altre manifestazioni quotidiane. Approfondisco e sento il bisogno di essere informato e d’informare. La costante voglia di un confronto che porti a concreti progetti collettivi non fa che pormi sulla mia personale lunghissima strada verso l’appagamento, professionale e non solo.
Il Cinema non mi ha cambiato la vita, ha cambiato il modo in cui io la percepisco.

SimOne

CINEMA: Famiglie a confronto

2006-07-26T22:43:00.000+02:00

Ritratto della più comune unità domestica nella fiction cinematografica

Bob ed Helen Parr sono due persone comuni, si amano, lavorano, mantengono i propri figli, insomma hanno una vita tranquillamente nella norma. Non fosse altro che sono i rispettivi alter-ego di Mr. Incredibile e sua moglie, Elasticgirl, una coppia di supereroi che combattono i malvagi.
La sintetica trama del film d’animazione della Pixar “Gli Incredibili, una normale famiglia di supereroi” rispecchia fedelmente quello che la prolifica industria cinematografica esibisce nelle pellicole degli ultimi anni. I veri eroi, al cinema, sono quelli che lottano contro la quotidianità della loro esistenza, ciascuna con i suoi problemi, e non sempre ne escono da vincitori. Il tema della famiglia è stato riproposto con insistenza dalla nuova ondata dei cartoons (vedi l’ “Indovina chi viene a cena” versione animata in Shrek 2), ma comprende anche numerosi film che pongono al centro della propria storia il rapporto familiare, tutto compreso ovviamente. A partire dalle cerimonia iniziale (“Matrimoni e Pregiudizi”) e dagli affetti consolidati (“Un bacio appassionato”), per arrivare ai dissapori di coppia (“Closer”) e ai tradimenti coniugali (“Confidenze troppo intime”), fino ad arrivare al più controverso dei rapporti, quello dell’eterno amore-odio tra genitori e figli (“Così fan tutti”). Questo solo per citare l’ultimo mese della stagione filmica appena terminata, in cui l’ondata del tema in questione ha toccato spesso e volentieri corde sensibili in molti spettatori. Frequentemente ci troviamo di fronte a film che riflettono altri valori, il cui tema principale risulta tutt’altro, ma anche in quei casi notiamo come le scelte più difficili che i protagonisti dovranno affrontare sottintendono l’unità domestica alla base, quell’oasi di quiete che è metafora della serenità interiore. Come non pensare ad uno dei più grandi successi cinematografici degli ultimi tempi, l’epico kolossal sulla vita del condottiero romano Massimo, divenuto gladiatore per vendicare la propria famiglia sterminata dall’imperatore. “Il Gladiatore” di Ridley Scott è solo un esempio che tuttavia evidenzia tale tendenza. Hollywood e le varie cinematografie europee hanno capito che il sacro tema della famiglia (anche quello caro a certi cultori della Famiglia firmata Corleone) non ha mai smesso di essere in voga ed è ancora il motore scoppiettante di una lunga serie di sceneggiature, molte delle quali ancora in fase di elaborazione. In Italia il ritratto della famiglia è ormai divenuto (a tratti forzatamente) il simbolo per eccellenza della cinematografia nazionale, che fa del dramma di vivere, più che della parentela come espressione d’amore, una filosofia ineluttabile. Perciò le opere di Muccino e di Moretti, come quelle di altri grandi autori, sono ciò che il pubblico gradisce a riguardo. Di conseguenza sono anche il riflesso della nostra società, quella società che mostra attraverso il grande schermo le difficoltà affrontate giornalmente da ogni famiglia, tutt’oggi vista come una superlativa coesione di persone qualunque.

SimOne

Largo alla diffusione della satira riflessiva

2006-07-25T15:19:00.000+02:00

http://www.beppegrillo.it/

Per chi avesse voglia di conoscere di più il mondo, per chi volesse approfondire le tematiche + scottanti d'attualità, per chi non conosce ancora il potere che l'economia globale sta esercitando sulla politica del nostro Paese (ma non solo sul nostro...) ecco il link di cui avremmo tutti sempre bisogno.
Pubblicità gratuita per il sagace comico genovese, Beppe Grillo...
COLLEGHIAMOCI!

Dal suo ultimo spettacolo Incantesimi (2006):
"Di chi abbiamo bisogno noi? Su Moveon.org un milione di persone manda un milione di e-mail alla Casa Bianca e cambiano una legge. Non hai bisogno di nessuno!"

simulescion3

BASKET: Roma accoglie la NBA

2006-07-19T22:13:00.001+02:00

L’Italia Campione del Mondo di calcio si dedica alla pallacanestro. “NBA Europe Live is coming soon” recita lo spot della National Basketball Association, che lancia il tour europeo delle squadre professionistiche, perché davvero l’NBA sta arrivando…a Roma. Il 6 ottobre la Lottomatica Roma giocherà contro i Phoenix Suns di coach Mike D’Antoni, semifinalisti, proprio come la Virtus nel campionato italiano, della ultima stagione del basket USA. Si è tenuta presso la Sala Pietro da Cortona dei Musei Capitolini in Campidoglio una conferenza stampa per illustrare al meglio non solo la “gara–evento” del 6 ottobre, ma anche tutte le attività che regaleranno alla città di Roma una settimana di pallacanestro a 360 gradi, a cominciare dal Villaggio Champion che sarà allestito alle Terme di Caracalla. In merito alla partita con i Phoenix, la Lottomatica Roma comunica che i primi 1.500 abbonati per la stagione 2006/07 avranno diritto di prelazione sull’acquisto dei relativi tagliandi (500 biglietti di Tribuna, Curva e Galleria). La gara vuol dire soprattutto pubblico ed è per accontentare le richieste di tutti coloro che amano la pallacanestro, che il Comitato Organizzatore ha portato a Roma l'NBA. I Suns svolgeranno parte della preparazione stagionale al Centro Sportivo della Ghirada a Treviso e poi giocheranno la partita-esibizione con la Virtus al Palaeur. Pochi giorni dopo lo storico pick di Bargnani arriva la presentazione dell'evento più atteso dagli appassionati, l’NBA Europe live in Italia. A fare gli onori di casa ci ha pensato il sindaco Walter Veltroni, presenti naturalmente il presidente della Federazione Italiana Pallacanestro Fausto Maifredi, il presidente della Lottomatica Virtus Roma Claudio Toti, il presidente del Comitato organizzatore “NBA a Roma” Livio Vanghetti, il senior vice president international della National Basket Association Andrew Messick e l’ex campione NBA Larry Wright, campione con i Bullets nel 1978 e successivamente trascinatore della Virtus Roma tricolore. Ad esordire è stato proprio il sindaco che ha rivelato le origini del progetto: “Tutto è nato da un pranzo con Toti e Livio Maglietti, volevamo donare nuovo slancio alla pallacanestro e ci siamo chiesti come far tornare una franchigia NBA nella capitale. Dopo una serie di contatti e di trattative sono andato personalmente a New York per incontrare il Commissioner David Stern, il nostro colloquio è stato produttivo e dopo tanto tempo possiamo finalmente presentare questo importante evento, la lega ha capito quanto di buono potevamo offrire.” Dopo la importanti parole del primo cittadino, ha preso la parola Messick, che ha ringraziato l’Italia a nome della NBA: ''Vi ringrazio a nome di David Stern, apprezzo il tempo che mi state dedicando nonostante i mondiali, Nba Europe Live è il tentativo più ambizioso della lega di promuovere il suo prodotto nel vecchio continente, 4 squadre sono pronte a disputare il training camp lontano dagli States. Questo testimonia l'importanza che l'Europa ha per il nostro movimento,in questo caso i Suns giocheranno contro una formazione Europea di alto rango, un team che parteciperà alla prossima Eurolega e che da anni si fa valere nel campionato italiano, senza contare che la straordinaria possibilità di giocare nella città eterna non capita spesso.” Infine, al termine delle consone statistiche, irrompendo la nostalgia, ha preso il microfono Larry Wright che ha ripercorso velocemente la sua carriera capitolina, lanciandosi con impeto nei suoi ricordi, insieme all’intervento di Valerio Bianchini, che oltre a tessere le lodi del comitato infatti, ha illustrato un interessante progetto per creare una lega di pallacanestro universitaria, un'idea di grande valore che merita di essere sviluppata per donare un nuovo slancio al movimento nel nostro paese.

SimOne

CINEMA: Match Point

2006-07-17T00:29:00.000+02:00

Premetto che non amo l’opera, specie nella sua veste da grande schermo. Ma l’impresa con cui Woody Allen si rimette in gioco è la sublimazione cinematografica di un atto teatrale elegante e raffinato, contemporaneo è al tempo stesso eternamente antico. Prendendo spunto dalla Carmen di Bizet e dall’opera drammaturgica italiana, infatti sottolineata da un’accurata ed incalzante scelta musicale, Allen concede nuove prospettive alla sua lunghissima carriera, allontanandosi dagli standard della commedia che l’hanno reso famoso. Lontano da casa, l’amata New York, Allen per il suo trentacinquesimo film da regista, il secondo consecutivo solo dietro la macchina da presa dopo Melinda e Melinda, sterza bruscamente, passando da una comicità fatta di dialoghi pungenti, alla tragedia rivista in chiave espressivamente visiva. Niente è così esplicativo quanto il titolo, che richiama al punto (tennistico) in un’intensa tragica partita sentimentale. Dove l’amore è sacrificato per la menzogna e l’agiatezza di routine. Chris Wilton (glaciale nel suo fascino distaccato, l’irlandese Jonathan Ryes-Myers), preparato maestro di tennis nei circoli altolocati, incontra il ricco Tom, che gli presenta la sorella Chloe, introducendolo ai piani alti della borghesia londinese. La turbolenta entrata di Nola (una Scarlett Johannson, a cui dona il bianco, davvero troppo seducente), nella sua vita divenuta ormai una scalata sociale, provoca in lui un desiderio incontrollabile. Fino a quando, costretto a scegliere tra la passione e la tranquilla sicurezza domestica, sarà portato a compiere la più subdola delle azioni. “Bisogna imparare a nascondere lo sporco sotto al tappeto, - afferma Chris - altrimenti se ne viene travolti”. E’ il preludio all’imprevedibilità dell’agire umano, implicato in mille sfaccettature, nessuna mai uguale all’altra. L’impatto emotivo che la pellicola ha immediatamente sullo spettatore denota la volontà di Woody di ricercare nella complessità dell’animo umano ogni possibile sfumatura, ora variando i temi sul dilemma, ora sull’inganno, per vedere sino a che punto un uomo si può spingere nelle sue convinzioni ed accettare le conseguenze delle proprie azioni. Il ritmo serrato e l’alone di malessere con cui i protagonisti sono costretti a convivere è ciò per cui Match Point può accostarsi ad un’opera enfatica, dove l’intreccio narrativo passa in secondo piano rispetto all’eleganza estetica delle immagini. In particolare nel soffermarsi spesso sulle inquadrature dei volti e della città, entrambi componenti cardine del racconto ed espressione della comunicabilità del regista. Match Point è un film che scorre liscio nelle sue due ore, analizzando nel profondo la psicologia dei protagonisti, in particolare di Chris, il quale incarna le convinzioni di una società in cui viviamo e di cui, se inaspettatamente privi, siamo pronti a difendere la spontaneità, anche irrazionalmente. In questa suo ultimo lavoro, Allen ritrova la verve di un tempo e, passando dal noir sofisticato al dramma, confeziona un piccolo gioiello che non annoia mai e che nel finale pone il pubblico su un piano emotivamente critico, senza lasciargli il tempo di ottenere in compenso una motivazione. Match Point ammalia per la sua storia improvvisamente vera e per la sua visione caustica dello scorrer del tempo, dove la fortuna di Chris si mescola ai fantasmi del rimorso, un insieme che non disturba affatto il settantenne occhialuto regista, anzi rappresenta la dimostrazione che è capace di soprenderci ancora.

SimOne

MUSICA: FREDDIE MERCURY, l'uomo che volle farsi regina

2006-07-14T17:54:00.000+02:00

Il mio primo contatto con i Queen avvenne in seconda media,quindi -ahimè- circa 12 anni fa. Mio padre mi regalò per Natale 3 cd: Thriller di Michael Jackson, Selling England by the pound dei Genesis, e il Greatest hits II dei Queen.
Fu una folgorazione.
Gli altri 2 album li sentii e li apprezzai, ma quello che ho letteralmente consumato fino allo sfinimento fu proprio quel concentrato del gruppo inglese, sintesi eccelsa dei brani dal 1982 al 91, secondo capitolo dopo il Greatest hits I, che portava seco perle come Bohemian Rapsody e molte altre.
Quello che la mia giovane mente di bambino non riusciva a comprendere era come quel disco, della durata di oltre un'ora, non mi stancasse mai....MAI; parafrasando Rod Stewart, "oltre un'ora di disco...e mai un attimo di noia".
Ora, dopo anni e anni di ascolto prolungato e variato ( sono un cultore anche dei primi Queen, quando l'anima heavy era intatta )non riesco proprio a farmeli venire a noia....e dire che ci ho provato! Sapeste quante ore ho "sprecato" ascoltando i Regina invece di studiare...bene, con il presente pezzo voglio porre l'attenzione- più o meno distaccata - sul principale fautore del successo eterno dei Queen...vale a dire Freddie Mercury.
Di lui si è scritto praticamente tutto, che si chiamava Farookh Bulsara, che è nato a Zanzibar, che aveva origini asiatiche nello specifico iraniane- qualcuno conosce "Mustapha" per caso?- e di lui si è parlato in tutte le salse..a volte mitizzandolo, a volte sminuendolo.
Freddie Mercury era un uomo, un essere umano.
E di tutto quel che ha fatto nella sua vita non ha mai schivato la conseguenza, in negativo o in positivo.
Con Mercury si vanno a toccare le corde dell’immortalità della musica….qui forse l’uso della parola “divino” non assume connotati blasfemi, ma va di pari passo con la parabola di un uomo che nella sua vita è stato un grandissimo cantante, un musicista, un attore e una gran puttana ( definizione sua ).
Cantante: qui si tralasciano le disquisizioni tecniche, perché come diceva il mio maestro di canto ( ebbene si, canto anch’io…sic ) Freddie non era comprimibile negli stretti parametri del bel canto, anzi esulava da questi, componendone di nuovi….nuovi registri, nuovi limiti.
Anzitutto il timbro, così inconfondibile, così urlato ma al tempo stesso compatto, potente…una voce che poteva urlarti in faccia e scompigliarti i capelli come poteva sussurrarti nelle orecchie, spesso con quel falsetto con il quale – erroneamente – i più lo identificano ( e lo paragonano a Justin Hawkins ); la voce che si spezza, la voce roca( “I like this husky voice” diceva lui..), caratteristica aumentata nel corso degli anni, forse per via delle numerosissime sigarette che fumava, e che è particolare che impreziosisce il timbro…come per esempio nel caso di Steve Tyler degli Aerosmith.
Un’estensione assoluta.
Per lo più verso l’alto, visto che i toni bassi non erano il suo forte - ma credo che nessuno glielo abbia mai rimproverato…- , con picchi sempre più alti mano a mano che diventava sempre più tecnico e abile e, ironicamente, moriva.
Musicista: un uomo che scrive una canzone come Bohemian Rhapsody non può essere paragonato alla stregua di un normale compositore…qui si parla della storia della musica, qui si parla- nel caso della Rapsodia- di un genere a parte.
Come quasi tutta la discografia dei Queen….. genere a parte.
Il loro mai incastrarsi in un movimento - a parte il Glam dei primi anni -, in un genere – li hanno provati tutti – o in un progetto, che so, di denuncia sociale, li ha resi mal inquadrabili e per questo ..scomodi.
Scomodi nel senso che certa critica continua a sostenere che non abbiano inciso per niente sulle sorti della musica mondiale…solo una macchina da singoli insomma.
Beh…secondo il modestissimo parere del sottoscritto, l’hanno cambiata eccome questa musica. Niente nelle canzoni dei Queen è lasciato al caso…nemmeno le imperfezioni.
Tutto quadra, tutto “ci sta”, tutto dà l’impressione di essere la ciliegina sulla torta…salvo accorgerti che la torta è tutt’altro che finita…
Il Mercury compositore era innanzitutto pianista…vale a dire che componeva al pianoforte anche canzoni in cui il piano non è protagonista ( Crazy little thing called love diceva , l’aveva scritta in bagno col pianoforte verticale… ); grazie ad una eccellente tecnica ed ad una notevole fantasia, le canzoni di Mercury, specialmente nei 70, non erano mai scontate, ne dal punto di vista dei testi – allegorici – ne da quello della musica - pomposa e gradevolmente avvolta di grandeur – e l’uso del piano, o meglio l’uso che ne faceva lui, gli permetteva di tendere al rockabilly come alla musica introspettiva, come nel caso di una delle mie canzoni preferite, It’s a hard life, dove la vena creativa di Mercury si fonde con lo stile Queen nello schema da ballata, rendendola quindi una “ballata alla Queen” inconfondibile.
Attore: attore sul palco, attore nelle interviste, attore non appena qualcuno cercava di carpire qualche segreto della sua vita privata…come quando gli chiedevano se fosse gay e lui rispondeva che era “gay come una giunchiglia”, salvo rispondere di no all’intervistatore successivo…diciamo la verità: bisogna essere anche un po’ matti per fare quel mestiere, per essere un’artista come lui ha saputo e voluto essere…e ci vuole una forte dose d’ironia per andare avanti, come per molte cose nella vita…
Sul palco era un demonio, inventore di un modo di muoversi ripetutamente imitato negli anni a venire, capace di offrire banane e champagne al pubblico e di trascinarlo in cori da stadio da leggenda….in assoluta sintonia motoria con la propria musica , ne interpretava a gesti le sintetiche intenzioni, dando la sensazione di essere il padrone davanti ai suoi sudditi.. un vero e proprio animale da palcoscenico, impossibile non divertirsi con lui.
La Puttana: beh, puttana come la intendeva lui era lungi dalla definizione spregiativa comune….intendeva puttana della musica, del prestarsi ad ogni genere, dal rock al pop, dalla classica alla dance, cioè quello che ha reso i Queen immortali.
Verso la fine degli anni 80 si stancò di questa autodefinizione e volle darsi una definitiva ripulita, riscoprendo temi nelle canzoni come la fede e la monogamia…in fin dei conti, Farookh, come molti uomini , intuendo la fine decise di smetterla con la sua filosofia “ tutto quello che voglio dalla vita è fare un sacco di soldi e spenderli” per dedicarsi a cose più terrene, ed in definitiva, molto più adatte a quei momenti.
Questo ovviamente non impedì al grande commediante di uscirsene con un colpo da maestro, vale a dire la pubblicazione di Innuendo, dove la sua voce si libra imperiosa a spezzare anche il male che, il 24 novembre del 1991, ce lo ha portato via.

“ Anche se dovessi morire domani, credo che non me ne importerebbe nulla…dalla vita ho ottenuto tutto.”
Freddie Mercury
( Stone Town, Zanzibar, 5 Settembre 1946 – Londra , Inghilterra , 24 Novembre 1991 )

Scion

CINE-BIO: Jim Carrey

2006-07-13T15:00:00.000+02:00

Nome all’anagrafe: JAMES EUGENE CARREY
Data di nascita: 17 Gennaio 1962
Luogo: Newmarket (Ontario – CANADA)
Debutto: "Introducing... Janet" (FilmTV, 1981)

Travolgente, vulcanico, superlativo: non basterebbe un uragano di aggettivi per definire colui che è, senza ombra di dubbio, il più grande talento comico dell'ultimo ventennio.
Grazie alla sua esuberanza e alla sorprendente mimica facciale, Jim “Faccia di gomma” Carrey si è affermato nella metà degli anni '90, arrivando ad ottenere un compenso come attore di 35 milioni di dollari a film. Ma la vita di colui che molti inopinatamente (per la loro evidente diversa comicità) definiscono l'erede di Jerry Lewis, è stata tutt’altro che semplice.
Jim Carrey nasce artisticamente a Newmarket, una cittadina alle porte di Toronto, da una famiglia cattolica della piccola borghesia canadese, come ultimo di quattro fratelli (Patricia, Rita e John), figlio di Percy e Katleen Carrey.
L'esordio di Carrey sul palcoscenico è stato nel ruolo di Babbo Natale in uno spettacolo messo in scena alla Blessed Trinity School. Qualche anno dopo, l'insegnante di Jim consentì al suo irrefrenabile alunno di improvvisare un quarto d'ora per i compagni, al termine d'ogni giorno di scuola. All'età di 12 anni, dopo che il padre perde l'impiego, la famiglia viene sfrattata e costretta a vivere nel camper, mentre Jim lavora come operaio in una catena di montaggio nell'acciaieria Titan. Carrey cercò uno sfogo alla sua rabbia tentando di lavorare come attore comico, ma al suo debutto allo Yuk Yuk's di Toronto fu spietatamente fischiato. Jim però non si perse d'animo e continuò ad affinare la sua tecnica, prima nei club di Toronto e poi al Comedy Store di Los Angeles. Dopo aver lasciato la scuola a soli 16 anni, dove si dilettava nelle imitazioni di Jimmy Stewart (il suo attore preferito) ed Henry Fonda e dopo un’adolescenza irrequieta, molti sacrifici e anni di gavetta, nel 1983 debutta sul grande schermo con All In Good Taste e l'anno seguente nella serie televisiva “The Duck Factory”. Nel 1986, conclusi alcuni lungometraggi di scarso rilievo, arriva finalmente il salto di qualità. Francis Ford Coppola lo vuole nella sua commedia Peggy Sue si è Sposata, dove l'attore recita al fianco di Kathleen Turner e Nicolas Cage. Alternandosi tra cinema e tv, l'esilarante comico è stato protagonista di un suo celebre special intitolato "Jim Carrey's Unnatural Act" (in cui sfodera le prorompenti doti di intrattenitore) e della fortunata sitcom della Fox "In Living Color" (dove era l'unico bianco in un cast di afroamericani). Poi, all'inizio del 1994, dopo quindici anni di lavoro come attore di serie B, Tom Shadyac (che successivamente girerà con Carrey altre tre pellicole) lo scrittura. Un solo film, Ace Ventura: L'acchiappanimali, trasforma Jim Carrey in una star, e prima della fine dell'anno il trionfo al box office sarà replicato con The Mask e con Batman Forever. Nel 1995, dopo il successo di Scemo e più scemo, Carrey ha vinto il trofeo NATO/ShoWest assegnato al miglior attore comico dell'anno. Nel 2000 si è visto assegnare lo ShoWest Award come miglior attore maschile. Scemo e più scemo aveva vinto anche il People's Choice Award, con Carrey candidato nella categoria Miglior attore comico, riconoscimento che si è aggiudicato l'anno successivo grazie ad Ace Ventura - Missione Africa. Oltre alle numerose candidature per svariati altri premi, Carrey ha vinto cinque MTV Movie Award grazie agli altri film che seguiranno e che faranno di Jim una star planetaria, nonché uno dei divi più amati e contesi di Hollywood. Vincitore di due Golden Globes (ottenuti grazie alle toccanti e sorprendenti interpretazioni drammatiche in The Truman Show e Man on the Moon), l'attore dai brillanti occhi espressivi e dal sorriso irresistibile è puntualmente presente nelle classifiche dei divi più sexy del pianeta, redatte ogni anno dai magazine 'People' ed 'Empire'.
Grande amante della musica rock, Carrey, è uno sfrenato cantante (nel 1998 si è esibito a sorpresa durante un concerto di Elton John, cantando con lui “Rocket Man”). Inoltre adora leggere, dipingere e il cibo messicano. Trascorre gran parte del tempo libero in compagnia del suo iguana Houston e dei suoi tre cani. Per quanto riguarda la vita sentimentale, Jim è stato sposato due volte: la prima nel 1987 con l'attrice Melissa Womer, conosciuta al Comedy Store, da cui ha avuto una figlia, Jane. Il secondo matrimonio invece, risale al '96 con Lauren Holly, da cui ha divorziato l'anno seguente. Recentemente il carismatico divo ha concluso la sua tormentata relazione con la bionda collega Renée Zellweger.
L'attore (un mito per me), attualmente impegnato in numerosi set tra cui The Six Million Dollar Man per la regia di Todd Phillips, tornerà presto nei nostri schermi al fianco di Tea Leoni Duchovny con “Fun with Dick and Jane”, remake della commedia Non rubare, se non è strettamente necessario diretta da Ted Kotcheff nel 1977. Inoltre, Jim ha appena iniziato le riprese del film fanta-comico “Used guys”, dove sarà affiancato da un altro grande comedian, Ben Stiller.
La lacrima che scende dal volto truccato del clown è smascheramento, esibizione, tragedia di una personalità rivelata nell’ultimo modo possibile. E’ interessante provare a studiare la geografia impazzita del volto di Jim Carrey. Una maschera, un artista, ma non solo. Questo è in sintesi Jim Carrey, l’interprete dei più recenti “Una settimana da Dio” (col ritorno alla commedia slapstick) e del poetico “Se mi lasci ti cancello” (Eternal sunshine….da una poesia di Alexander Pope, vincitore dell’Oscar come migliore sceneggiatura originale), è diventato ciò a cui sempre ha mirato. Un attore serio in carne ed ossa, che rende credibile anche il demenziale e il burlesco.

Link Sito ufficiale (per immagini e news): www.jimcarreyonline.com

SimOne

CALCIO: CAMPIONI DEL MONDOO!!!

2006-07-10T16:18:00.000+02:00

DOPO 24 ANNI, LA NAZIONALE ITALIANA TORNA SUL TETTO DEL MONDO...

4 VOLTE URLI DI GIOIA:
CAMPIONI, CAMPIONI, CAMPIONI, CAMPIONI!

LA COPPA AL CIELO, E' TUTTO VERO.

CINEMA: La dura legge del botteghino

2006-07-07T13:24:00.000+02:00

PREQUEL, SEQUEL, REMAKE...

Nessuno dovrebbe sconvolgersi nel sentir dire che il cinema non è più quello di una volta. Ormai è appurato che non tutti i film sono concepiti dalla genialità di un talentuoso sceneggiatore o dall’estro di un qualsivoglia regista. La regola, sempre più ferrea, urlata da Hollywood sino al panorama cinematografico europeo, è diventata ufficialmente legge: la prima parola spetta al box office. Da quando l’avvento del cinema digitale ha sommerso le major dell’industria della celluloide, la fase della pre-produzione risulta sempre meno essere un compito di un “creatore” artistico, a cui casomai spetta la seconda o la terza stesura. La preparazione di un film è la risultante di una programmata strategia di ritorno economico, predisposta da uno specialista del settore che analizza il potenziale valore di un film (ancora da realizzare) e lo confronta con l’eventuale successo in termini di guadagno. Dirigere una pellicola spesso non è una forma d’arte, come molti romantici del mestiere credono, ma rischia di diventare un semplice algoritmo matematico. Vi siete mai chiesti cos’è esattamente un remake? E che cosa significhi la parola sequel? Entrambe le definizioni si riferiscono appunto a questo meccanismo produttivo, che negli ultimi anni sta prendendo piede rapidamente, non sempre con risultati positivi. Un remake indica infatti il rifacimento di un film passato ed è un’operazione apprezzata, se è trascorso molto tempo dalla apparizione di quest’ultimo sul grande schermo. Recentemente sono state riproposte, con effetti alquanto mediocri, alcune pellicole uscite solo pochi anni prima e magari in un’altra nazione (per cui se ne sfrutta l’attrattiva esotica). Per i prequel ed i sequel il discorso è differente. Mentre i primi sono un raro caso di anticipazione di un noto successo commerciale, teso a spiegare gli avvenimenti antecedenti l’originale, i secondi ultimamente sono l’esempio evidente della questione trattata. I migliori exploit delle ultime stagioni sono film tratti da fumetti o basati su romanzi venduti in milioni di copie, ma anche commedie, cartoon e pellicole di fantascienza: lungometraggi come Spiderman, Harry Potter, Matrix, Kill Bill, Shrek, Scary Movie, ecc. Non si discute sul fatto che questi, per la loro capacità d’attrarre le masse, hanno avuto grande presa sull’immaginario collettivo. Il bandolo in realtà è proprio qui, ossia film concepiti come unici e non come saghe, dopo la rivelazione al grande pubblico e gli enormi incassi, hanno convinto le major a progettarne dei sequel forzati. Di contro a queste considerazioni sono arrivate delle secche smentite da alcune opere seconde, visti le ottime critiche che hanno accompagnato il seguito di Spiderman e Shrek 2. Ma si sa, le eccezioni confermano la regola, quella non scritta, che verte a favore della “fatica” originale. Il caso più considerevole è l’impressionante campagna pubblicitaria relativa alla seconda saga di Star Wars, una completa rivisitazione di uno dei più appassionanti fantasy movie di sempre. Ripresentato da George Lucas a distanza di trent’anni, ha giocato sulla nostalgia dei fans, che, nonostante il desiderio di rivedere gli eroi della prima trilogia e di vedere come tale saga ebbe inizio, non hanno nascosto la propria delusione per la carenza di contenuti in Episode 1 e 2. Insomma chi ne è rimasto affascinato in un primo contesto, nonostante l’adattamento digitale, ora trova la riproposizione del tema banale e fin troppo tediosa. Bisogna dunque rilevare che spesso il sequel (ma anche il sequel del sequel e così via), non è altro che il voler spremere lo spettatore fino all’eccesso. A tale concezione del cinema, si oppongo ancora artisti di grido, geniali scrittori come il cervellotico Charlie Kaufman (autore di Essere John Malkovich e Se mi lasci ti cancello) o anche produttori indipendenti, che promuovono prodotti, ovvero quello che pur sempre sono, esaltati dal valore unico dell’opera. Non dovremmo perciò meravigliarci che il cantiere di produzione filmica non rispetti un modello ideale, perché è di fatto un mestiere che gira attorno al denaro. Questo lo sapevamo già e dovremmo sapere anche che abbiamo ancora dalla nostra, il potere d’influenzare l’uscita o meno di una determinata pellicola: in fin dei conti il botteghino siamo noi, spettatori paganti di una manifestazione artistica e non un pubblico assuefatto alle regole del mercato. Fortunatamente ancora la maggior parte dei progetti sono orientati in tal senso e ora stiamo solo definendo una situazione minoritaria e sotto controllo. Tutto ciò sperando che sceneggiature, soggetti e bozze passino ancora a lungo per le mani di persone capaci, quelle stesse che operano effettivamente di fantasia, originalmente o meno, e che con il loro talento contribuiscono incessantemente allo sviluppo della creatività filmica, restando così al servizio del buonsenso cinematografico e non della formalità delle strategie finanziarie.

SimOne

MUSICA: Come ti rispolvero gli '80...

2006-07-07T13:06:00.000+02:00

Verso i primi anni 90 si fece largo nel mondo della musica un nuovissimo movimento che, puntando sul minimalismo tecnico e su camicie a quadrettoni e jeans strappati (…), si prefiggeva lo scopo di trovare i mali della gente, stanarli, guardarli in faccia e poi rimetterli in quel gran cassettone che è il nostro inconscio. Questo movimento fu denominato Grunge... Zozzo insomma. Letteralmente il significato del termine inglese grunge è “sporco”, “sudicio”, significato che evidenzia l'aspetto estetico trasandato dei protagonisti, nonché una scarsa ricercatezza tecnica comune a numerose band in questione, interessate maggiormente all'immediatezza e alla forza della propria musica e delle proprie parole.
Come ci ricorda l'amica enciclopedia Wikipedia infatti, il Grunge era l'esatta antitesi dell'elevatezza tecnica, delle belle macchine, della vita da star....i protagonisti del Grunge, di cui massimo esponente fu Kurt Cobain e i suoi Nirvana, infatti non facevano niente per sembrare star, anzi, se mi passate la triste immagine, sembravano appena usciti dalla strada...e potremmo quasi dire che la strada era rimasta in loro, impressa a fuoco nel loro inconscio.
Probabilmente per circostanze più o meno volute, il Grunge col suo impeto distruttivo - di cui il video “smells like teen spirit”" è lo specchio fedele - spazzò via tutta la spensieratezza , la pomposità , la trasgressione e l'esaltazione di tutto ciò che è effimero e superfluo degli anni '80, instaurando nel pensiero comune una sorta di “rigetto” degli anni in questione, relegati soltanto al triste riferimento della dance casereccia -come nel caso dell'Italia- da ballare quando proprio non c'è altro da fare, solo per farsi due risate. Niente di più ingiusto.
Il periodo dal 1979, anno d'uscita di Reggatta de Blanc dei Police, fino ai primissimi anni 90 è stato uno dei più prolifici della storia della musica, e ha visto nello scorrere dei suoi giorni l'ascesa e il declino di alcune delle pagine più belle di quegli anni…e anche molte delle pagine più brutte. Putroppo non tutte le ciambelle nascono col buco...e 'u magnific' babbà che furono gli anni 80 perdeva un pò di crema spesso e volentieri...
Il mondo assistette allo scadentissimo pop di quegli anni, in alcuni casi veramente imbarazzante, ma non fece nulla per boicottarlo, in quanto lo ballava imperterrito on the dancefloors, dimentico di tutto quello che poteva avergli riservato di negativo la vita quel giorno.
Quegli anni furono spensierati perché la gente VOLEVA essere spensierata, mica perché fosse più stupida...dopo la sbornia di pseudointellettualità che il '68 portò come culmine e come croce al tempo stesso, c'era voglia di accendere la radio e di distrarsi un pò e basta, e ci fu chi ci marciò allegramente. Ma non mi si venga a dire che fu tutto così, perché così dicendo si commette un errore storico e musicalmente parlando inaccettabile.
U2, Bon Jovi, The Police, Guns&Roses, Iron Maiden, Metallica, Queen, Aerosmith, Michael Jackson, Prince....ne ometterò sicuramente qualcuno, ma sono veramente troppi...troppi sono i gruppi o i personaggi che videro l'ascesa o l'eterna consacrazione negli '80, e scrissero alcune delle canzoni più belle e conosciute dei tempi moderni. Altro che "morte della musica" come li apostrofano alcuni. La musica in quegli anni vide il boom del primo Cd, dell'esplosione totale del videoclip, della nascita di Mtv, della nascita di generi di denuncia come il Punk e l’Hip-Hop, e della sempre più copiosa partecipazione Musica/ Cinema, e ne fu sopraffatta. Logico aspettarsi il rigetto più totale. Ma ora, a distanza di 20anni, sarebbe d'uopo una disamina più accorta e lucida dei cotonati anni '80, senza lasciarsi prendere dal disgusto totale.....anche perché oggi non siamo messi meglio. Ormai i gruppi veramente tecnici -e per tecnico intendo capace di scrivere belle canzoni, non un cavolo di virtuoso- sono pochissimi, e non vedono quasi mai le luci della ribalta. Causa Britney Spears & Co., causa il dilagante movimento Rap, che, a detta di chi ci capisce sul serio, oramai di Rap ha ben poco, etc etc etc... Questo ci porta o all'avanguardia e allo sperimentalismo più esasperato, oppure a pescare a piene mani dal passato, cosa che, specialmente i rappers o cosiddetti tali, si è sempre fatta e sempre si farà.

Curiosità:
E' tutta colpa dei Queen. Se nel '75 invece di girare il primo videoclip della storia con Bohemian Rhapsody si fossero fatti gli affari loro, gli anni 80 li avremmo vissuti con maglioni di kashemire, occhiali quadrati e un bel libro di Dostoevskij...altro che a ballare in discoteca!!

Scion

BASKET NBA: Date a Kobe quel che è di Bryant

2006-07-05T23:08:00.000+02:00

Archiviata la stagione 2005/06 dei Los Angeles Lakers, gli addetti ai lavori Nba si sono trovati a far fronte con un nuovo candidato alla successione di Sua Ariosità Michael Jordan, ovvero quel magnifico giocatore che è Dwayne Wade. Inutile dire quanto sia opinabile per il sottoscritto la moralità della ricerca stessa di un erede di colui che ha letteralmente riscritto il modo di giocare a pallacanestro, oltre ad aver portato a vette più alte il concetto stesso di "vincente"; ma volendo proprio prestarsi al giochetto tanto caro ai giornalisti americani, posso tranquillamente assentire sul paragone Jordan- Wade..in quanto regge alla perfezione. Wade ricorda molto il primo MJ. Alto sul 1.95, fisico molto ben costruito, braccia e gambe lunghe e mani grandi, essenziali quando si conclude in acrobazia, D-Wade ricorda Michelino Giordano nelle movenze, nella presenza agonistica, nella cattiveria,e nell'orgoglio che contraddistingueva anche il primo Michael, orgoglio che lo portava ad esagerare a volte...esattamente come esagera Wade (anche se nessuno lo dice mai). Flash ricorda il primo MJ anche nella discontinuità del tiro da fuori, complice una meccanica che fa troppo affidamento sulle gambe ed è efficace solo- e sottolineo solo- quando è marcato blandamente e soprattutto non raddoppiato. Ora, Wade ha vinto il titolo da protagonista, con oltre 34 p. di media e un dominio assoluto del campo e delle situazioni di gioco chiave...e tutto ciò è molto evocativo. Ma...c'è SEMPRE un ma. C'è anche da dire un paio di cosettine sul sistema difensivo dei Mavs, specialmente nella strategia stessa:
1- Avery Johnson, coach di Dallas, ha spiegato di averle provate tutte su Wade, ma questa è una mezza verità.
2- Contro Miami puoi essere punito da molti, troppi giocatori chiave..da J.Williams ad Antoine Walker, fino ai veterani Mourning (5 stoppate 5 in gara 6)o Payton (Do you remember the last clutch shot ?) ma non dimentichiamoci di Shaq!
Anche se ormai al capolinea, se l'omone nero non lo marchi col raddoppio ti frega comunque, altro che marcarlo uno contro uno, come fecero New Jersey - la maggior parte delle azioni-, Philadelphia - sempre - e Indiana-povero Rik Smits...- i Mavericks l'hanno triplicato ad ogni possesso palla signori, rispolverando addirittura il vecchio e pernicioso hack a Shaq...e questo cosa vuol dire in termini cestistici? semplice: più spazio per gli altri, e dove ci sono gli altri, vince quello dotato di maggior talento…vale a dire Dwayne Wade. Ecco perchè non credo nei nuovi Jordan, perchè l'incoronano troppo presto. Invece parliamo di Bryant. Quel che disturba oggigiorno è che Mr. 81 punti , o Mr. 62 in tre quarti o Mr. 35.4 di media o come cavolo volete, non sia un giocatore da paragonare ad altri giocatori....bensì sia ormai un giocatore al quale gli altri devono essere paragonati! Un simile onore in Nba, non te lo concedono facilmente , e forse, se Kobe non vincerà altri titoli da qui alla fine della sua carriera, non glielo concederanno mai..nemmeno dopo il suo ritiro. Kobe, per usare un termine filosofico, è "trasceso" dallo stereotipo di Michael Jordan - certo ormai la linguetta, il fade away e le movenze sono quelle, figlie di innumerevoli ore davanti al videotape vedendo Above & Beyond - per collocarsi in un'altro piano, nè più in alto, nè più in basso, che consente ai più di dire che è il più forte giocatore Nba individualmente ma, alla luce dei risultati di squadra, non è Michael Jordan.
E grazie. Sennò si chiamava Michael Jordan. Ricordo che anche Jordan veniva letteralmente martoriato negli anni in cui vinceva i riconoscimenti individuali, ma non quelli di squadra, accusato di egoismo, di annientamento psicologico dei compagni, oscurati dal carisma del 23, e ricordo che una volta, Horace Grant, suo compagno dei primi 3 titoli a Chicago, gli disse" va a quel paese Michael, tanto lo sanno tutti che a te interessa soltanto prenderti i tuoi tiri e basta"...la risposta di Jordan ve la risparmio, in quanto non proprio Oxford..ma il buon Orazio sbagliava nell'accusarlo di questo, in quanto l'unica colpa di MJ, se colpa la vogliamo considerare, è sempre stata quella del "ragazzi, sono sicuro che vinciamo, ma se volete vincere, dovete fare come dico", di sicuro Jordan non ha mai detto qualcosa di simile, ma sicuramente in cuor suo è quel che pensava...e guarda il caso, è la stessa cosa che pensa Bryant. Di Jordan i compagni impararono ad apprezzare questo lato, ma soprattutto-scusate la franchezza- impararono ad apprezzare le vittorie...perchè se Jordan non avesse vinto, ora se la lotterebbe con Bryant per la palma di miglior egoista della storia. Ma ha vinto! quindi ha ragione lui. Ecco come si ragiona in America. Quindi, poichè credo ciecamente che il giocatore più forte del mondo prima o poi almeno un'altro titolo lo vince, nel frattempo si possono tranquillamente annotare tutte le più disparate critiche a Kobe Byant, sul suo carattere, sulle poche vittorie ( anche se quest'anno sono usciti per inesperienza..occhio...), ma... per favore: date a Kobe quel che è di Bryant!!!

Scion

Tra tanti argomenti ecco i Mondiali

2006-07-05T11:42:00.000+02:00

Fratelli d'Italia siamo in finale!

Con tacito assenso dei campi da basket, di questi tempi a riposo o nelle varie summer leagues, spuntano inevitabili le considerazioni sul Campionato del Mondo di calcio.
E allora:

FORZA AZZURRI

N.B. Chuck Norris può vedere le partite di sky, senza parabola e senza decoder, semplicemente guardando verso il cielo.
(da http://welovechucknorris.blogspot.com/)

CINEMA: Day zero, L'amore sospetto

2006-07-03T20:06:00.000+02:00

Inizio, Luglio 2006.

Prima pagina di un sito che intende toccare le tematiche più energetiche ed attuali di tre particolari lati dell'intrattenimento.
A cura di SimOne e Scion...

Prova iniziale con la recensione di un film da poco uscito nelle sale:

L'amore sospetto (La moustache)

La mente umana è avvolta dal mistero. Insidiosa e imperscrutabile ammalia e spaventa chi non è in grado di spiegarla. Ma chi lo è? Chi riesce a darle un significato concreto che trascenda dalla sua espressione cinematografica? Una larga parte del cinema francese ha scelto di raccontare questa realtà dal potenziale sconfinato, ci mostra quanto sono intricati i nodi che si possono affacciare in chi guarda e osserva. La moustache appartiene proprio a questo filone, tradotto (ormai sempre più) banalmente come L’amore sospetto, sconfina nel limbo dell’inconsapevolezza e della follia partorita da una mente disturbata. La seconda regia dello scrittore Emmanuel Carrere (ispirata a un suo libro), vincitrice della Quinzane a Cannes, è un’opera affascinante quanto incompleta, che parte bene per poi perdersi in una regia spesso fuorviante ed evanescente, riferimento alla netta distinzione tra una sintomatica prima parte parigina ed una onirica in quel di Hong Kong. Carrere vorrebbe esplorare l’abisso che si cela dietro la normalità, le certezze che divengono timori, il progressivo abbandono della sanità mentale. E lo fa mettendo in scena due figure distinte, l’affabile Marc, Vincent Lindon, e sua moglie, un’inquietante Emmanuelle Devos. Il primo dopo tanti anni decide di tagliarsi i baffi, ma nessuno si accorge del cambiamento, anzi, tutti quanti, compresa la consorte, affermano che lui i baffi non li ha mai portati. La progressiva degenerazione di tale suspence è l’espediente che serve all’autore per esprimere il proprio personalissimo movente, che però risulta astratto e tedioso, rispondendo difficilmente ai numerosi quesiti che il film pone e che lascia aperti. L’amore sospetto, utilizzando la paranoia come motore d’azione anche nei momenti più silenti, vuole appositamente fornire poche risposte, spiazzando il pubblico, sedotto e lasciato di fronte al tema principale in mancanza di spiegazioni. La coppia d’interpreti risulta molto affiatata, ma questo non basta a salvare il tono di un film che fa della sua non conclusione l’anello debole di tutto il plot. Le chiavi di lettura sono molteplici, l’impossibilità di accettare il cambiamento, la perdita di sé come unica speranza di recupero, persino il sogno/incubo come tentativo di immaginarsi una vita diversa (ma quanto migliore??). Se frolliamo il tutto in un unico calderone vediamo che l’intero impianto narrativo non può sorreggere una struttura mancante, una storia che sì, affronta il tema della progressiva perdita di fiducia nel rapporto di coppia, ma che mostra poco o niente per forgiare in noi l’idea di quella follia flirtata quale ossessione del nulla, disordine e ordine che appartengono solo inconsciamente ad un caos della psiche. Il concerto per violino di Philip Glass ipnotico ed evocativo, accompagnando tutta la narrazione, svolge un ruolo fondamentale nella costruzione dell’atmosfera di un film che rimane sospeso tra sogno e realtà. Ciò che invece non viene sfruttato appieno è la buona idea di partenza, lasciando lo spettatore con la certezza di aver assistito ad un progetto autoriale legittimo ma non ben delineato, un’opera che per l’enfasi di quello che vuol raccontare finisce col limitarsi ai meravigliosi scorci delle due metropoli in cui è ambientata.

SimOne